Entre los movimientos de vanguardia europeos
de las primeras décadas del siglo XX nos
encontramos con el surrealismo, un movimiento
que revolucionó y cambió el arte desde casi
todas sus perspectivas. Una nueva visión,
un nuevo paradigma que dejó una huella imborrable
de belleza en el mundo del cine, la literatura
o la pintura.
El surrealismo es un movimiento cuyas raíces
se remontan a la segunda década del siglo
XX, pero que se autodefine y toma cuerpo e
independencia propia con el Manifiesto surrealista
de André Bretón en 1924.
Entre los precedentes históricos estarían
los pintores Giuseppe Arcimboldo, Chirico
y el Bosco, el filósofo griego Héraclito
y los escritores Rimbaud, Alfred Jarry o el
propio Marqués de Sade.
El surrealismo comienza en sí ligado al dadaísmo,
tomando de éste el gusto por lo nuevo, lo
revolucionario y provocativo. Pero Bretón
va un paso más allá, sobre todo tras quedar
impactado por la lectura de la obra del psicólogo
austriaco, Sigmund Freud.
El término surrealismo fue acuñado por Apollinare
en 1917, y se compone del prefijo su-, que
significa por encima, y el sustantivo realismo,
y vendría a significar por encima de lo real.
En 1924, el líder del Movimiento,André Bretón,
le da su definición semántica precisa: surrealismo
"sustantivo, masculino. Automatismo psíquico
puro, por cuyo medio se intenta expresar,
verbalmente, por escrito o de cualquier otro
modo, el funcionamiento real del pensamiento.
Es un dictado del pensamiento, sin la intervención
reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación
estética o moral."
"El surrealismo se basa en la creencia de
una realidad superior de ciertas formas de
asociación desdeñadas hasta la aparición
del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento.
Tiende a destruir definitivamente todos los
restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos
por la resolución de los principales problemas
de la vida.
La eliminación de lo racional había ya sido
empleada por los dadaísta, pero ante la finalidad
nihilista de aquellos, Bretón propone una
especie de ejercicio más romántico, más
creativo, que pueda expresar el verdadero
interior del artista, ese que está reprimido
en el inconsciente y que a veces da testimonio
de los verdaderos problemas del hombre..
El movimiento se inclina por técnicas constructiva
como la escritura automática, es decir, escribir
la obra sin pensar, dejando fluir la pluma
a todo aquello que vaya brotando de la mente,
sin intervención directa de la razón ni
necesidad de orden lógico alguno. Es una
especie de psicoanálisis creativo, donde
el mundo onírico cobra un gran protagonismo
en las obras del momento.
En pintura, además de la técnica automática,
podemos destacar el empleo del frotagge o
la pintura de temática onírica que trata
de alejarse de la tradición con la deformación
de los objetos y que muchas veces simboliza
el reprimido mundo de la sexualidad.
Los principales integrantes surrealistas fueron
André Bretón, Ernst, Man Ray, René Magritte
y Marcel Duchamp.
En España destacaron los pintores surrealistas
Joan Miró y Salvador Dalí (con su famoso
método paranoico-crítico) , el cineasta,
Luis Buñuel y los poetas Federico García
Lorca, con Poeta en Nueva York, Rafael Alberti
(Sobre los Ángeles), José María Hinojosa
y algunos poemas de Luis Cernuda y Vicente
Aleixandre. También es reseñable la presencia
que el surrealismo tuvo en las Islas Canarias,
donde un grupo de escritores liderados por
Agustín Espinosa se unió muy temprano al
movimiento y dejaron una interesante obra
en revistas como Gaceta de Arte.
El surrealismo cobró un tinte político a
partir de 1925 y se posicionó a favor de
la ideología comunista, poniéndose al servicio
de la revolución y en contra de las ideologías
fascistas que estaban surgiendo en Europa.
Ello provocó que muchos intelectuales fueran
expulsados de las exposiciones del movimiento
por no seguir este ideología política, como
por ejemplo Dalí.
El surrealismo agota sus vías en torno a
la Segunda Guerra Mundial, y se puede decir
que al final de estas el periodo surrealista
ha concluido.
Como ejemplo literario, vamos a leer el siguiente
poema de Federico García Lorca:
Infancia y muerte
Para buscar mi infancia ¡Dios mío!
comí naranjas podridas, papeles viejos, palomares
vacíos
y encontré mi cuerpecito comido por las ratas
en el fondo del aljibe con las cabelleras
de los locos.
Mi traje de marinero
no estaba empapado con el aceite de las ballenas
pero tenía la eternidad vulnerable de las
fotografías.
Ahogado, sí, bien ahogado, duerme, hijito
mío, duerme.
Niño vencido en el colegio y en el vals de
la rosa herida,
asombrado con el alba oscura del vello sobre
los muslos,
asombrado con su propio hombre que masticaba
tabaco en su
costado siniestro.
Oigo un río seco lleno de latas de conserva
donde cantan las alcantarillas y arrojan las
camisas llenas de sangre.
Un río de gatos podridos que fingen corolas
y anémonas
para engañar a la luna y que se apoye dulcemente
en ellos.
Aquí solo con mi ahogado.
Aquí solo con la brisa de musgos fríos y
tapaderas de hojalata.
Aquí, solo, veo que ya me han cerrado la
puerta.
Me han cerrado la puerta y hay un grupo de
muertos
que juega al tiro al blanco y otro grupo de
muertos
que busca por la cocina las cáscaras de melón,
y un solitario, azul, inexplicable muerto
que me busca por las escaleras, que mete las
manos en el aljibe
mientras los astros llenan de ceniza las cerraduras
de las catedrales
y las gentes se quedan de pronto con todos
los trajes pequeños.
Para buscar mi infancia ¡Dios mío!
comí limones estrujados, establos, periódicos
marchitos
pero mi infancia era una rata que huía por
un jardín oscurísimo
y que llevaba un anda de oro entre sus dientes
diminutos.
Pues hasta aquí amigos nuestro repaso de
hoy por este movimiento de los sueños y del
hacer automático, que cambió sin duda la
manera de hacer arte durante todo el siglo
XX.
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