
Japanese: 
氏 フランク・ステラは、マサチューセッツ州で生まれたアメリカの芸術家です。
プリンストン大学にて歴史の学位を取得し、その後1958年にニューヨークに移住します。
この当時のアメリカでは、抽象表現主義が全盛期を迎えており、ジャクソン・ポロックが、
雑誌『LIFE』において4ページにわたる特集を組まれるほどでした。彼は「ドリッピング」という技法で有名です。
巨大はキャンバスを床に広げ、キャンバスの至るところに絵具を滴らせ、跳ね飛ばし、
叩きつけます。
それは、ハチャメチャで、ど派手で、直情的で、混とんとして見えます。
ポロックの作品は、フランツ・クラインなど、その他の抽象表現主義者たちと同様、若い頃のステラに多大な影響を与えました。
しかし、ステラがニューヨークを訪れる頃には、
抽象表現的な絵画に強い反抗心を覚えるようになります。
その代りに彼は、バーネット・ニョーマンの作品やジャスパー・ジョーンズの『標的』ような平坦さに惹かれるようになります。
ステラは、絵というよりも単なるモノ（物体）ともいえる作品を生み出していきます。

English: 
Frank Stella was an American painter born
in Massachusetts. He graduated with a degree
in History from Princeton University, before
moving to New York in 1958.
At this time in America, abstract expression
was huge. Jackson Pollock had a 4-page spread
in LIFE magazine, and he was most known for
his ‘drip ‘ paintings, where he would
lay a large piece of canvas on the floor,
and he would pour, drip, and splatter paint
all over the surface.
They were splashy, showy, intuitive, and chaotic.
Pollock’s work, as well as the work of other
abstract expressionists, like Franz Klein,
was incredibly influential on the young Stella.
However, upon his arrival in New York City,
he felt compelled to rebel against this expressive
use of paint.
Instead he was drawn to the “flatness”
of works like those of Barnett Newman, and
the “target” paintings of Jasper Johns.
He began to produce works that were not so

English: 
much a picture, as much as they were an object.
They didn’t represent anything of the physical
or emotional world of the artist. He stated
that the pictures were “a flat surface with
paint on it - nothing more”
Stella’s work culminated in a series of
Black Paintings.
Now when you first see the work, you might
be taken aback a little. It seems so straightforward:
The elements themselves seem quite simple:
Black parallel lines arranged in a very deliberate
arrangement. Black enamel paint. A thicker
than conventional canvas.
It is not immediately apparent how it is made,
or the thought process behind each decision.
It seems strong and stoic, maybe even a little
cold and void of emotions.
These paintings were made freehand by Stella,
with a house painters brush. You can see irregularities
when you look closely at the surface. But
you’re not going to see any gestural strokes,
like those of the abstract expressionists.
Really, the hand is quite removed. You can’t

Japanese: 
そこには、芸術家自身の身体面も感情面も含まれません。
ステラは、絵画とは、「絵具ののった平面である。
それ以上でも以下でもない」といいます。
ステラの名を世に広めたのは、「ブラック・ペインティング」シリーズです。
初めてこの作品を見た人は、おそらく戸惑いを感じるでしょう。ぱっと見は、ものすごく単純に見えます。
絵を構成するものは、非常にシンプルです。意図的に配置された平行な黒いストライプ。
黒いエナメル塗料。 通常よりも分厚いキャンバス。
どのような意図でこの作品が作られたか、どのような思考プロセスを経てこのような決定がなされたのか、一見して理解することは困難です。
力強くストイックで、そして少し冷たい感じや、感情を排除するような感じを受けるかもしれません。
この「ブラック・ペインティング」シリーズは、ステラが、家庭用の刷毛を用いてフリーハンドで描きました。
そのため近くで表面を見ると若干の不規則さを見ることができます。
しかし、抽象表現的な絵画に見られるような大げさな動きはありません。

Japanese: 
手書き感は極力削除されており、どこが始まりでどこか終わりなのか、どのような動作なのか、うかがい知ることはできません。
ただそこにあるのは、線のみです。
ステラは、このストライプを「規則正しい法則」と呼び、
「一定の割合において、幻想的な空間を絵画から引き出す」といいます。
きっちりと引かれた黒のストライプは、キャンバスの平面性を引き立て、
見るものにキャンバスは
「絵具ののった平面である」と認識させます。
これは非常に重要なポイントです。なぜなら、絵画とは
「三次元的な空間を映し出す窓である」、または、「現実世界の投影である」という広く知られた常識と真っ向から対立する考えだったからです。
これは、ルネッサンス時代から続く、絵画の常識でした。
通常のキャンバスが薄い窓のような性質をもつのとは対照的に、
分厚いキャンバスを使用することにより、より物体らしさを強調しました。
これは明らかに唯物的、つまり、絵具とキャンバスを、ただ絵具とキャンバスとしてのみ捉えます。

English: 
really tell where each stroke begins or ends.
Or what the movement is, other than following
the line.
Stella called these stripes a “regulated
pattern” that forced "illusionistic space
out of the painting at a constant rate."
The precisely delineated black stripes intended
to emphasize the flatness of the canvas and
really force the audience to realize and acknowledge
the canvas as a flat surface 
with paint on it.
This was important because it is in direct
opposition with a really widely held belief
that painting is a window into the three-dimensional
space. Paintings reflected things of the real
world. This was an idea that dominated since
the Renaissance.
The thicker than conventional canvases, really
emphasised the object-ness, as opposed to
the thinner, more window-like quality of conventional
canvases.
And this apparent materiality - of paint and
canvas being just paint and canvas - as opposed

Japanese: 
絵画と彫刻の境界線を曖昧にするような、再現的な絵画や幻想的な絵画とは全く
異なるものでした。
このような流れは、のちにミニマリストなどと呼ばれる芸術家たちに引き継がれていきます。
彼らは、ベニヤ板、鉄くず、電球など、
アート素材以外の材料も活用しました。
単一性、幾何学的形状、そして産業資材の利用などが特徴として挙げられます。
前時代の表現主義的な芸術家たちと比較すると、
その匿名性は大変おもしろいです。
ミニマリストたちは、暗示的な関連性、象徴性、精神的超越の示唆などをできるだけ避けています。
また、自己表現主義や幻想表現も、極力排除しました。
芸術家の手書き感、思考プロセス、美的感覚など、知りうるサインが何もありません。
ミニマリストたちは、作者らしさを極限まで排除することに力を注ぎました。

English: 
to a more representational or illusionistic
image - blurred the boundaries between painting
and sculpture.
This would become a pattern we see in a group
of artists that, after several different names,
would later be known as the Minimalists. They
would also use non-art materials such as plywood,
scrap metal, and fluorescent light bulbs.
They were characterized by unitary, geometric
forms and industrial materials.
It was a cool anonymity that contrasts with
the hot expressivism of the previous generation
of artists.
They attempted to avoid metaphorical associations,
symbolism, and suggestions of spiritual transcendence.
They really tried to remove suggestions of
self-expressionism and illusions - no signs
of the artist’s hand or thought process
or aesthetic decisions.
The Minimalists' emphasis on eradicating signs
of authorship, inevitably led to the sense

Japanese: 
そうすることで、表面に見える以上の「内側」に存在する意味はない、という感覚を生み出します。
なぜなら、意味というのは、見るものの反応によって存在するのですから。
1960年代の後半には、ミニマリズムは勢いを失っていきます。
多くの芸術家たちが方向転換していくなか、芸術の進む道としては誤りであると考える
多く人からの批判を受けることになります。
もっとも影響を与えたものが、1967年アートフォーラムにて発表された、
マイケル・フリードのエッセー『芸術と客体性』です。この中で彼は、ミニマリズムの流れは、
モダン芸術において重要なターニング・ポイントであると認めると同時に、その方向性に疑問を呈しています。
彼が言うには、ミニマリストたちは、芸術作品を生み出しているわけでも、
芸術の本質に関して政治的・観念的思想を持つわけでもない。
三次元的空間で、アート素材以外の物体を組み合わせ、それを「アート（芸術）である」と主張するのであれば、
それは、芸術である必要はありません。

English: 
that the meaning was not so much "inside"
the object, as much as it was on the surface
- it existed because of the viewer's interaction
with it.
By the late 1960s, Minimalism began to show
signs of breaking apart. A lot of the artists
were moving on to different ideas, and it
was also receiving a lot of criticism from
people who thought it wasn’t the right direction
to go in to.
The most important of these would be Michael
Fried's essay "Art and Objecthood," published
in Artforum in 1967. In it, he wrote about
the importance of the movement as a turning
point in modern art, but he also wrote about
how he was uncomfortable with what it meant.
For him, these artists were not so much creating
a work of art, as much as a political and/or
ideological statement about the nature of
art.
Just because you arrange non-art objects in
a three-dimensional space and proclaim it
as "art", it didn't necessarily make it Art.
For him, he said Art is Art and an object

English: 
is an object.
Minimalism began to off shoot into several
different branches. And it has a great legacy
for the movements that would follow, put under
the greater umbrella of "Post-Minimalism"
art. There was the “Light and Space” movement
in California. Land art became more popular
all over US. Eccentric Abstraction, and other
developments were in direct response to the
problems that Minimalism posed.
Minimalism seemed to be one of those things
that had to be done. Someone had to push it
all the way.
But it also was scary because they’re no
going further from there.
What do you guys think?
I hope you guys enjoyed this video. This Minimalism
video was highly requested last time when
I asked you guys what you wanted to see next.
So I would like to hear what your vote is
between Color Field Painters (like Mark Rothko,
Barnett Newman) or Impressionists (Renior,
Degas) All that Jazz.
That should be a good one.

Japanese: 
フリードは、「芸術は芸術であり、物体は物体である」と主張します。
ミニマリズムは、いくつかの流れに枝分かれし始めます。ミニマリズムは、
いくつかの流れに枝分かれし始めます。
いくつかの流れに枝分かれし始めます。そして、ランド・アートは全米で大きな人気を博します。
「ミニマリズム」が提起した問題に呼応して、
偏心抽象画やその他の様々スタイルに発展を遂げました。
ミニマリズムというのは、起こるべきして起きた運動の1つでした。いずれにせよ、
誰かが推し進めざる得ないものです。
しかし、そこから発展しようがない、という意味では、怖いものもあります。
 
 
 
 
 
 

English: 
Be sure to check out my blog post at LittleArtTalks.com
There will be one that accompanies this very
video about Franz Klein, and his life and
work.
Thanks so much for watching, I’ll see you
guys next time.

Japanese: 
 
 
 
