Bienvenue, et merci d'être là.
Notre premier invité aujourd’hui…
Ne regardes pas mes notes.
Il est le président de Good Music.
Il travaille avec quelqu’un que vous devez connaître. 
Un certain Kanye West, entre autres. 
Il est également un grand producteur
Merci d’accueillir, M. Che Pope !
Bonjour tout le monde.
Je sais qu’il est tôt. On se réveille ...
Vous avez passé beaucoup de temps ici ?
Beaucoup. Superbe ville. 
Qu’y faisiez-vous ?
L’album « Yeezus » de Kanye a été enregistré presque entièrement ici.
Nous avons travaillé 6 mois d’affilé dessus. 
Ce projet a beaucoup fait parler de lui.
En tant que co-producteur, vous devez avoir une vision intéressante du sujet… 
Cet album était très différent des autres que Kanye ait pu faire.
Il était dans un autre état d’esprit.
Il poussait des coups de gueule publics sur beaucoup de choses.
Il était très satisfait de ses précédents albums.
comme « My Beautiful Dark Twisted Fantasy » et « Watch the Throne ».
Mais ceux-ci étaient aussi une conséquence de l’affaire avec Taylor Swift, des excuses.
Il voulait faire le meilleur album possible.
Il [« My Beautiful Dark Twisted Fantasy »] a été enregistré à Hawaï.
« Watch The Throne », fut enregistré un peu partout dans le monde.
Mais avec « Yeezus », il voulait ‘redevenir Kanye’.
Il voulait de l’angoisse. 
Il est aussi très inspiré par la mode parisienne notamment.
Nous allions souvent au Louvre.
Il aimait marcher seul dans Paris aussi, sans garde du corps.
Nous nous intéressions à l’architecture. 
C’était un challenge de réaliser un album dans ce studio alors qu’on ne parle pas français.
Nous prenions souvent le métro afin de faire partie de cette ville.
Ne pas faire partie des touristes.
C’était une superbe expérience.
Ça a eu des conséquences sur les aspects anxieux et débordant d’énergie de l’album.
C'était plus que des chansons : des coups de gueule agressifs.
Sa version du punk.
Et d’être à Paris, ça a joué un rôle important. 
L’album aurait-il sonné différemment s’il avait été enregistré ailleurs ?
Ou était-ce plutôt lié à sa vie d’alors ? 
Il aurait sonné différemment, mais l’attitude serait restée.
Daft Punk fut sa première inspiration.
Au niveau du texte, de la texture. 
C’est ça qui lui a donné envie d’enregistrer ici.
Il avait écouté leur musique et y avait puisé de l’inspiration.
Quelque soit le lieu, l’attitude aurait été la même.
Mais [il n’y aurait] pas [eu] la même texture. 
On pourrait parler de ça pendant des heures.
J’aimerai aussi que vous parliez un peu de vous et de ce que vous faites. 
Quelles sont vos responsabilités, en tant que président de GOOD Music ?
En quoi ce poste diffère-t-il de ceux que vous avez occupé pendant votre carrière ? 
G.o.o.d est un acronyme.  I
Il signifie « Getting out our dreams » [Mettre nos rêves dans la réalité]. 
La priorité n’était pas de se faire de l’argent,
c’était de donner des opportunités à des artistes.
Et pas que des musiciens : des photographes, réalisateurs, écrivains…
Beaucoup d’artistes commençaient à être ainsi lancés :
Hudson Mohawke, AKA, Big Sean… 
Mais mon rôle est différent.
J’étais déjà un producteur et connaissais Kanye depuis longtemps.
Il est venu vers moi avec ce projet de label qu’il commençait à mettre en place,
Mais il manquait d’expérience.
Nous avons donc déployé tous nos efforts à reconstruire ce label ensemble.
En faire quelque chose digne de la personne qu’est Kanye en tant qu’artiste, et qui lui ressemble.
Nous avions comme exemple de grands labels : Excel Records,
Young Turks et Bromance, ici à Paris, des labels qui sont connus aux USA.
Ce sont des gens qui comprennent ce milieu et qui regardent vers l’avenir.
Au lieu de faire les choses comme avant.
Nous vivons dans un monde nouveau : Soundcloud, Youtube, le streaming.
Nous sommes moins ‘coincés’ qu’avant.
Avant, pour percer aux US, il fallait être à New York ou Los Angeles.
Pour l’Europe, c’était Londres.
Aujourd’hui, ça n’a pas d’importance du moment que le talent et les capacités sont là. 
J’ai des artistes qui sont en Russie, au Venezuela, c’est un business mondial.
Et c’est là que j’interviens.
Amener le label là où il devrait être.
Artistiquement, mais aussi financièrement.
Kanye est-il différent de l’image publique qu’il donne, en coulisse ? 
La question que l’on me pose le plus souvent, c’est :
« Est ce qu’il est sympa ? ».
Et c’est le cas ? 
Il est super sympa ! Une personne très chaleureuse.
C’est quelqu’un de très complexe.
Il réfléchit beaucoup, il peut souvent se contredire.
Mais en dehors de tout ça, 
son but est de faire de bonnes choses.
Il veut collaborer avec beaucoup d’artistes, il ne se la joue pas perso. 
Il a cette réputation d’égocentrique,
alors qu’en bossant avec lui, tout ce qui compte c’est de former une équipe. 
Collaborer ensemble. C’est une ambiance très Motown. 
Toujours en équipe, qu’il fasse des concerts ou de la mode. 
Il créé un environnement créatif que j’apprécie énormément. 
Beaucoup de musique qui sort aujourd’hui ne vaut pas le coup. 
Et je ne vise personne en disant cela. 
Je dis juste que nous y réfléchissons plus. 
Je peux réaliser de supers morceaux la veille et les mettre directement sur Soundcloud. 
Mais la nuit porte conseil. 
Je préfère les réécouter le lendemain matin et réfléchir à comment les améliorer. 
Et c’est notre façon de faire, car ça nous importe beaucoup. 
Vous l’avez peut-être entendu : 
il peut exister jusqu’à 15 versions d’une même chanson. 
Le boulot sur une chanson peut durer des mois. 
Il a dû exister au moins 10 versions de « Bound 2 » avant qu’elle ne soit finalisée. 
La toute dernière semaine de la réalisation de l’album. 
Et ce fut le cas pour toutes les chansons de cet album. 
Comment est-ce qu’on co-produit une chanson avec Kanye West ? 
Beaucoup de noms sont crédités sur certaines chansons.
Puis parfois c’est juste vous et Kanye. 
Comment cela se passe-t-il quand ce n’est que vous deux ? 
Super ! 
Avant Kanye, j’avais énormément bossé avec Dr. Dre. 
Et avant ça, j’étais souvent seul, en studio, à travailler sur des chansons. 
En commençant avec Dre, il pouvait y avoir jusqu’à cinq personnes dans le studio. 
C’est là où j’ai réalisé qu’il existait beaucoup de gens très talentueux. 
Quand je me suis retrouvé en studio avec le gratin de cette musique.
J’ai vécu ça comme une magnifique préparation pour le futur. 
Mais travailler avec Kanye, c’est entrer en terre inconnue. 
Rien ne peut te préparer à ça. 
Tout ce qu’on peut faire c’est être prêt et faire de son mieux. 
Mais il sera toujours imprévisible et plein de surprises. 
Il va toujours remettre en doute quelque chose que l’on croyait acquis. 
Les deux premières années, on se cherchait l’un l’autre.
On apprenait à communiquer.
Il y eu quelques tensions inévitables. 
Quand on se retrouve à deux, 
j’arrive parfois avec des idées à moi, qu’il aime beaucoup. 
Puis il va y toucher, et hop, c’est terminé. 
Mais ces moments sont rares. 
La plupart du temps la chanson va passer dans différentes mains : 
Mohawke, Mike Dean, Jeff Bhasker, Noah D. Goldstein… 
C’est très rare qu’il n’y ait que nous deux au cours d’un album. 
Ecoutons quelque chose d’assez récent sur lequel vous avez travaillé avec Kanye.
Cette chanson est longue. (Extrait)
Vous disiez que vous la trouviez trop longue.
Mais elle demeure intéressante. 
J’aime bien en parler. 
Elle est très simple.
Honnêtement, on voulait en faire quelque chose de plus complexe. 
C’était A$AP Rocky, j’ai adoré bosser avec ce gars. 
Il n’a peur de rien en studio. 
Il est ouvert, libre. 
Cette chanson a démarré dans le Wisconsin. 
Nous étions là-bas pour bosser avec Justin Vernon de Bon Iver, dans son superbe studio. 
C’était une sacrée expérience. 
Kanye, fidèle à lui-même, avait amené beaucoup de monde avec lui : 
Kendrick [Lamar], A$AP, moi-même, Mike Dean, et le chanteur d’Arcade Fire. 
C’était vraiment une expérience incroyable. 
Et un jour, à cinq heures du matin, 
A$AP m’a dit « Che, tu as des démos de [Kanye en] solo »
« J’ai envie de faire une chanson, Jukebox [Joints] ». 
Je ne savais pas que Kanye avait déjà donné à A$AP un morceau que moi-même je lui avais passé.
On a commencé à y rajouter des trucs. 
Je ne me doutais pas qu’elle allait être si longue. 
Mais il faut laisser la place aux artistes. 
J’aime les boucles, mais j’aime aussi qu’il y ait du mouvement dans les chansons. 
Puis il m’a raconté sa rencontre avec Joe Francis, 
un artiste avec lequel il travaille, sur lequel il est tombé à 1h du matin, dans les rues de Londres.  
Il voulait le rajouter à une de mes démos, et créer ce son « Jukebox ». 
Et c’est ainsi que la chanson est née. 
Qui aurait cru qu’on pouvait faire ça dans le Wisconsin ? 
Vous avez dit que vous préférez rester en retrait, du moins jusqu’à un point. 
Je confirme.
Pourquoi?
Je suis arrivé pendant l’ère Timbaland, Pharell et les Neptunes.
Tous ces incroyables producteurs. 
Ils étaient géniaux et avec de grandes personnalités. 
Moi, je me la suis toujours joué discret. 
Il n’y a que la musique qui compte, plus que la célébrité. 
Même aujourd’hui, je préfère faire des conférences, à défaut d’interviews pour la presse. 
Bosser avec des jeunes, communiquer avec le public, plutôt que d’apparaître dans un magazine. 
C’est ma personnalité depuis le début.
D’où êtes-vous ?
De Boston, Massachusetts.
Gang Starr, Guru, The Almighty RSO. 
Puis vous avez déménagé en Virginie ?
Je suis allé à l’université là-bas, pendant une période assez unique.
Jay-Z y était.
Diddy était à Howard et descendait faire des fêtes en Virginie et à Atlanta. 
Teddy Riley, le grand producteur, avait quitté New York pour ouvrir une boutique à Virginia Beach. 
Pharrell et Chad [Hugo, des Neptunes] étaient au lycée. 
Timbaland et Missy sont allés à Rochester avec DeVante de Jodeci. 
Mais je n’avais pas de projets. 
Je voulais juste faire de la musique pour m’amuser. 
Je ne l’ai pas étudiée. 
J’aurai pu aller à Berklee, l’école de musique de Boston.
Mais je voulais vraiment quitter la ville. 
Puis la Virginie est devenue ce ‘melting pot’ avec énormément d’artistes. 
J’y ai rencontré Naughty by Nature, A Tribe Called Quest… 
Sans le savoir, j’étais entré dans ce groupe de musiciens 
Qui allaient devenir les plus grands. 
Et là, c’était juste des potes que je voyais sur le terrain de basket, au resto. 
Un ami à moi a passé ma musique à Teddy Riley
Et il a commencé à me chercher. 
Au moment de notre rencontre, j’avais encore plus de musique. 
Il est sorti de la pièce et a ramené un contrat, me disant:
« C’est un très mauvais contrat. » 
Mais j’ai aimé son honnêteté. 
Bien sûr, j’ai signé, c’était une grande opportunité. 
Je ne pensais même pas qu’il était possible pour moi de faire carrière dans la musique. 
Je passais du temps avec Teddy, DJ Kay Gee de Naughty by Nature, 
RZA du Wu-Tang, et même P. Diddy.  
Et cela m’a donné la certitude et la confiance que cette voie était possible. 
Vous êtes tous rassemblés dans cette pièce aujourd’hui parce qu’elle est possible. 
J’en suis la preuve. 
A l’université, on se cherche, on assiste à des cours qui ne nous intéressent pas. 
Vous étiez étudiant en finance.
Quelle vie ça aurait été. 
Une fois qu’on obtient cette certitude, tout est possible, on est Superman. 
Quelques soient les obstacles, on se sent capable de tout. 
Qu’avez-vous appris de Teddy Riley ?
J’ai découvert la chanson. J’étais plus intéressé par le rythme. 
J’en riais avec A$AP d’ailleurs : 
« Si tu m’amenais cette chanson en 1988, j’en aurai fait une boucle à quatre temps ». 
Teddy m’a appris que c’était bien, pour 30 secondes, mais qu’on devait faire des chansons. 
Il était un vrai producteur, un auteur. 
Il n’y a que les chansons qui comptaient pour lui. 
Puis un producteur de New York vous a pris sous son aile. 
C’est amusant, parce que j’ignore qui était l’élève de qui. 
Tu parles de Wyclef (Jean). 
Je l’ai rencontré après son album des Fugees. 
Et à cette époque, rien ne nous faisait peur. 
« Pleins de choses ne vont pas dans cette chanson mais rien à foutre : on y va ! » 
Sont alors nés « No, No, No » des Destiny's Child, 
« Ghetto Supastar » [du rappeur Pras], ou son [propre] album « The Carnival ». 
Il avait ce superbe appartement à New York où on gardait plein d’équipement 
9:21:26.000,0:21:20.000
Et nous composions pendant des journées entières. 
Sans peur. 
Ce que j’aimais avec Wyclef, et ça se retrouve chez d’autres artistes, 
C’est ce sentiment que tout est possible. 
C’était, « Tiens, on va utiliser ces tablas du Moyen Orient, en boucle ! ». 
C’est le genre de chose que vous avez retenu en travaillant avec lui ? 
Oui, et je suis toujours comme ça aujourd’hui. 
Après Teddy j’étais peut-être un peu trop ‘structuré’. 
Après ça, Wyclef m’a apporté un peu de folie, et ça m’est resté pendant toute ma carrière. 
En parallèle de Wyclef, et à cette période, 
Vous avez également travaillé avec un autre membre des Fugees.
Wyclef m’a présenté à Lauryn. 
Avec elle, les choses se sont faites toutes seules. 
Nous avons tout de suite parlé de musique, avant d’en faire ensemble. 
Nous partagions des points de vue sur la façon de faire de la musique, 
Notre relation avec elle. 
Nos parcours se ressemblaient. 
Ses parents étaient des intellectuels. Nos parents étaient tous deux des éducateurs. 
Nous avions eu un parcours très similaire. 
Et à ce moment-là, après le succès des Fugees, elle voulait produire. 
Elle avait tout à apprendre alors j’ai dit 
« Si on bosse ensemble, je peux apporter des relations à moi. » 
« Toi, tu as toute cette expérience avec Teddy et des Fugees: faisons quelque chose. »  
Nous avons bossé sur une première chanson, avec une chanteuse d’Arista Records, Andrea Martin. 
Nous sommes toujours amis. 
C’était une nouvelle version de « The Best of me » [une chanson d’Andrea]. 
Notre première chanson pour Lauryn et moi. 
On travaillait dans son grenier. 
Comment ça se passait ? 
Vous bossiez seuls ? Tu proposais des idées à Lauryn ? Vous travailliez ensemble ? 
Au début c’était juste nous deux, dans son grenier. 
Cette première chanson était un remake, alors nous pouvions nous amuser à la retravailler. 
J’étais sur mon [Akai] MPC, elle à mes côtés, 
Et nous avons créé tout l’album ainsi. 
Nous avons terminé en studio pour l’enregistrer. 
Puis notre deuxième chanson fut « A Rose Is Still A Rose », d’Aretha Franklin. 
J’avais ramené un bassiste avec des dreadlocks, Vere Isaac. 
Il venait du Bronx, c’était le meilleur. 
C’était lui, moi et Lauryn pour ce morceau. 
Nous travaillions dans ce grenier, dans la maison des parents de Lauryn, dans le New Jersey. 
On s’amusait, on construisait les morceaux et on partait en studio. 
Puis l’album « The Miseducation of Lauryn Hill » est arrive.
Vous travailliez de la même manière ou est-ce d’autres personnes ont commencé à participer ?
Elle faisait un disque avec Common et elle m'a demandé de l'accompagné au studio.
J’y ai rencontré James Poyser.  
Il est un des membres des Roots. 
C’était le début d’une grande amitié. 
Il vient de Philadelphie, un gars hyper talentueux. 
Elle avait également avec elle un certain Veda Nobles qui venait de son quartier. 
Elle nous voulait, James et moi, à son service 24 heures sur 24, mais on avait d’autres projets. 
C’est pour cela qu’elle amena Veda également. 
Il y avait, du coup, deux équipes : la A et la B. 
Nous étions bien évidement l’équipe A : la ‘A-Team’ [le nom d’origine de l’Agence tous risques]. 
Ce fut quelle sorte d’expérience ? 
La partie création fut incroyable. Elle dura un an et demi. 
On a l’impression de donner son sang quotidiennement. 
On s’est posés, tous les trois, et elle nous a dit: 
« J’aime la soul, le reggae et Wu-Tang. Au travail. ». 
Et nous avons commencé par créer « Doo-Wop ». 
Je ne sais pas d’où c’est sorti, mais elle fut la première. 
Et à partir de là c’était super. 
C’était libérateur de bosser avec elle, 
Car ses expériences passées lui avait appris à bosser sans limites. 
Tout ce qu’elle m’a imposé étaient ses influences. 
Tant que je les respectais, elle était ouverte à toutes les propositions. 
Ce fut une expérience incroyable. 
Je ne sais pas si on le ressentira sur cette chanson,
Mais voici un extrait de « The Miseducation of Lauryn Hill »
Elle est géniale celle-là. 
Pas mal du tout. 
Vous me disiez qu’il y avait des détails techniques importants dans cette chanson, 
Au-delà de sa structure générale. 
Je suis heureux que vous l’ayez choisie. 
On en revient toujours à la même chose. 
C’est une chanson très spéciale pour moi, je vous expliquerai pourquoi. 
On était juste deux potes qui trainaient ensemble et créaient un disque. 
L’espace de jeu n’avait pas d’importance. 
Qu’on joue au parc, ou bien à la NBA, ce n’est pas important. 
Quand on créait, on a l’impression d’être au parc. 
Et je suis heureux que la chanson ait rencontré du succès 
Mais elle me rappelle ce souvenir. 
Ma femme est dans le public aujourd’hui, contrairement à d’habitude. 
Et c’est amusant que vous ayez joué cette chanson 
Car quand nous sommes arrivés à New York, elle avait cette maison. 
A l’étage tout en haut, j’avais ce petit studio, sans clim. 
Et l’été il pouvait y faire très chaud.
Encore pire avec tous ce matos. 
Je ne pouvais bosser dedans que 15 minutes avant de partir en fumée. 
Et « To Zion » a été composée dans ces conditions. 
On travaillait comme ça, parfois à la maison, parfois au studio. 
Je joué la chanson à Lauryn et elle a commencé à pleurer. 
Et j’ai dit « Désolé. C’est si mauvais que ça ? ». 
Et elle m’a dit « Non, non ». 
Elle était enceinte à cette époque. 
« J’avais une idée de chanson pour mon enfant, alors que tout le monde me dit d’avorter. »
« Mais je ne savais pas à quoi ressemblerait la chanson. Maintenant oui. » 
On était juste deux amis composant une chanson. 
Et je crois qu’elle est née grâce à cette insouciance. 
« Oh, on va ramener une harpe ! Des chœurs ! » 
Elle était enceinte lors de l’enregistrement, et la fin de la chanson était très intense pour elle. 
Elle était épuisée après ça, 
Et partait s’allonger dans sa chambre en me disant:
« Monte ce chant, et quand je reviens tu me les feras écouter. » 
Je me suis exécuté, et ce qu’on entend à la fin, 
c’est moi jouant la chanson sur mon MPC. 
Le chant l’avait éreintée, elle m’a laissé gérer le tout et à son retour,
on aller la réécouter, pour bosser dessus. 
Et je dois remercier Q-Tip pour cette chanson, 
car je me suis beaucoup inspiré d’A Tribe Called Quest. 
J’ai également fait participer la légende du jazz Ron Carter, à la basse. 
Santana est à la guitare. 
Cet incroyable joueur de harpe est venu également. 
Et tout cela venait de notre insouciance. 
On était juste « Eh, si on appelait Santana pour ça ! ». 
Peu importe sa réponse. 
C’est très hip-hop comme méthode. « Ça t’embête de venir ? ». 
Ça a donné cette chanson. 
Officiellement, tu es le coproducteur de cette chanson. 
Cet album était mon premier… 
Wyclef m’avait donné un aperçu de ce monde. 
Mais ce n’était rien comparé à ce qui m’attendait pour « Miseducation ». 
Des chansons comme « To Zion » ou « I Used to Love Him » 
Ont été conçues chez moi à Brooklyn, pas en studio. 
Personne d’autre que moi ne bossait dessus. 
Et je n’ai même pas eu de droits d’auteur, une fois l’album sorti. 
J’ai créé au moins 7 morceaux sur cet album, à partir de rien, en studio. 
C’était juste moi, James et Lauryn. 
Et à la fin, James et moi n’avions pas de droits d’auteurs. 
Nous l’avons mal vécu. 
Et cette équipe ‘B’… 
Ils étaient moins attachés au projet, personnellement. 
Enfin, ils l’étaient peut-être [moins], je n’en sais rien. 
Mais pour James et moi, ce n’était pas qu’un voyage musical, c’était spirituel. 
Je ne suis pas quelqu’un de religieux, 
Mais nous avons fait cet album avec elle en harmonie. 
Et je le répète toujours depuis : « Trouvez un bon avocat et un bon manager. » 
Je n’avais aucun des deux à l’époque. 
J’avais un mec sympa, un ami à moi. 
Mais qui ne s’y connaissait pas vraiment. 
J’étais trop novice pour connaître toutes les ficelles du métier. 
Et j’étais trop émotionnellement attaché au projet car il représentait un an et demi de ma vie en studio. 
Je ne comptais pas mes heures. 
J’étais trop proche du projet. 
Et on a profité de nous. 
Landow and McMillan représentaient ceux qui ont intenté un procès. 
Et il m’ont demandé d’en faire partie, car je m’étais fait avoir, moi aussi. `
Mais je n’étais pas prêt. 
James et moi avons décidé de ne pas participer. 
Ils tentaient de débloquer cette situation. 
Mais ensuite, Lauryn a quitté le monde de la musique. 
Elle a tout laissé. 
Et il était alors trop tard pour attaquer en justice. 
Et je n’enfonce pas ces gars. 
Ils ont contribué énormément au projet, et ils ont été payés.  
5,6 millions de dollars. 
Ce ne fut pas le cas pour James et moi. 
Mais on passe à autre chose. 
Ce fut une dure leçon à encaisser, mais la vie continue. 
Cela fait partie du voyage qui m’a amené là où je suis aujourd’hui, 23 ans plus tard. 
Avez-vous parlé à Lauryn du fait que votre travail n’était pas reconnu ? 
Une fois. Et pas sur un ton sérieux. 
On se disait que ça allait se résoudre. 
Puis elle est partie et il était impossible de la contacter. 
Elle a disparu. 
Ce n’était que managers et avocats. Puis même eux commencèrent à disparaître. 
Impossible de savoir qui la représentait, ce qui allait se passer avec le label. 
Après ça j’ai laissé tomber. 
Vous étiez un jeune créateur, 
qui participe à son premier grand succès, 
puis on vous coupe les ailes. 
Comment se relève-t-on d’une telle expérience pour continuer ? 
J’ai commencé par m’éduquer sur ce business. 
Je suis devenu producteur exécutif chez Warner, 
avec pour tuteur David Kahne, un producteur. 
Il représentait tout le monde, de Fishbone à Paul McCartney. 
Un mec brillant. Je le surnommais « le nerd génial ». 
Ses connaissances sur le milieu étaient sans limites. 
À cette époque, je vivais toujours à New York 
Et mon bureau était dans le Rockefeller Center. 
Et juste en face de mon bureau se trouvait le département business et affaires. 
C’était parfait, chaque jour je pouvais discuter avec les avocats. 
Les grands de ce milieu. 
J’ai tout appris sur les contrats, les droits d’auteur… 
J’insiste vraiment les gars : apprenez tout ce que vous pouvez sur ce monde. 
Sinon on profitera de vous. 
Il existera toujours quelqu’un qui cherchera à profiter de vous. 
Mais ils n’y arriveront pas si vous vous éduquez. Il faut le faire. 
Il pourra toujours vous arriver de signer quelque chose que vous savez mauvais, mais ça sera votre décision. 
Au moins vous maîtrisez le sujet.  
Vous avez produit des groupes en Europe. 
Vous êtes devenu producteur exécutif. 
Vous avez été l’élève de Hans Zimmer. 
Je suis allé le voir chez lui. 
C’est très hip-hop ça aussi. On s’en fiche, on y va. 
Qui est Hans Zimmer pour celles et ceux qui ne le connaissent pas ?
Un compositeur allemand de légende. 
A ce moment-là, j’avais écrit la musique du film « Whiteboyz ». 
Un film très drôle avec Danny Hoch. 
Le réalisateur venait de terminer un film sur la poésie, « Slam », 
très apprécié du cinéma indépendant. Puis il a fait « Whiteboyz ». 
Danny Hoch était humoriste et le film était l’adaptation de son spectacle. 
Et je ne savais rien sur la musique de film ou comment s’y prendre. 
Mais c’était une super expérience. 
Je l’ai encore abordé avec une attitude « hip-hop ». 
Puis je me suis pointé chez Hans Zimmer : 
« Bonjour, je veux faire de la musique de film. ». 
Et lui « T’es qui toi ? ». 
On a fini par discuter après que sa sécurité ait voulu m’escorter dehors. 
On a trainé ensemble et nous sommes devenus amis. 
Je ne vivais pas à Los Angeles à l’époque, mais j’allais le voir dès que je passais. 
Puis j’ai fini par travailler dans sa boîte qui s’appelait « Media Ventures » à l’époque. 
Aujourd’hui c’est « Remote Control ». 
C’était un collectif créatif de compositeurs, des débutants comme des expérimentés. 
C’était le meilleur des environnements pour moi car j’y ai découvert la musique par ordinateur. 
Ce qui manquait à Hans c’était peut-être un John Williams : 
Quelqu’un de complètement formé de manière classique. 
Hans avait de l’expérience dans la composition, mais il aimait énormément l’artisanat. 
Il maîtrisait parfaitement la musique synthétique. 
Il fut un des premiers à embrasser la technologie 
Et les ordinateurs pour la création de musiques de films. 
Et moi, venant du monde du hip-hop, plus urbain, 
Je connaissais les ASR, les MPC, SP1200, les platines… 
Même quand j’utilisais un clavier, je m’enregistrais une fois, puis je bossais avec l’échantillonneur. 
Mais souvent je me samplais moi-même et je décomposais ensuite ce que j'avais joué
Donc les ordinateurs m’attiraient beaucoup. 
On était en 2001. 
Ces gars avaient des échantillonneurs partout. 
J’étais bouche bée, c’était très intimidant. 
Il y avait beaucoup d’allemands, parlant leur propre langue. 
On connaît ça. 
Ça bougeait de partout, et je n’y étais pas habitué. 
Mon quotidien c’était Wu-Tang et 22 types dans une même pièce. 
C’était l’équivalent de ça pour eux : affronter ses peurs, se surpasser. 
Ce fut une super expérience. J’y suis resté deux ans et demi. 
Comment cette expérience vous a-t-elle préparé à ça ? 
Il y avait quelque chose que j’ai appris en bossant avec Hans. 
Dans le hip-hop, dès qu’on avait besoin d’un effet sonore on le piochait dans un disque ou un vinyle. 
C’était avant YouTube. 
Dans la composition originale, s’ils avaient besoin d’un gamin coréen jouant des cuillères, 
ils le ramenaient et l’enregistraient. 
Ou encore un coiffeur africain en train de chanter. 
Pour « Higher », je rassemblais des samples. 
Pour créer ce son, je frappais l’intérieur d’un piano. 
Je ne sais pas si vous avez déjà joué avec ça. 
Et à cette époque on utilisait des supports ‘DAT’. Vous avez connu ça ? 
Je le plaçais à l’intérieur du piano, j’enregistrais, je le montais, et j’en faisais un rythme. 
Et « Higher » est née.  Il y a pas mal de Dre là-dedans aussi, il est excellent en orchestration. 
Il y a un côté très cinématographique. 
C’était « The Game », « Higher » de l’album « The Documentary ». 
Nous l’avions écrite pour 50 Cent. 
Il avait écrit l’accroche. 
« The Game » fut le premier projet, et 50 Cent y a contribué. 
Cette chanson fut celle qu’il choisit le jour des 81 points. 
Au Madison Square Garden ?
Non, à Los Angeles. 
Info exclusive sur Kobe Bryant. 
S’il y a bien quelque chose que vous avez beaucoup vécu pendant votre carrière, 
Ce sont ces collectifs, où l’on bosse ensemble. 
Vous avez rejoint « Good Music » après « Aftermath ». 
Vous avez évoqué ce phénomène qui consiste à créditer un grand nombre de personnes sur une seule production. 
Comment cela se fait selon vous ? 
À ce jour, c’est un de mes albums préférés. 
Petite anecdote : quand Kobe [Bryant] a marqué les 81 points. 
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Pendant sa carrière, il choisissait des chansons à jouer dans le stade quand il marquait. 
Car vous avez vécu l’inverse, quand trop peu de personne était créditées. 
Est ce qu’on peut parler de karma ou bien le monde a-t-il changé ? 
Un peu des deux, je pense. 
Kanye West y est pour beaucoup. 
Il a commencé en tant que producteur très performant, il pouvait tout faire seul. 
C’est comme ça qu’il a commencé. 
S’enfermer pour bosser des heures, seul. 
Quand notre collaboration a commencé, il était déjà au top. 
Et il avait déjà son équipe : 
Mike Dean, Jeff Bhasker, Anthony Kilhoffer et No i.d. 
Ils représentaient tous le meilleur dans leurs différents domaines, tous de grands producteurs. 
Je le trouvais du coup déjà bien entouré. 
Et il m’a expliqué que sa porte était toujours ouverte à de nouveaux talents, 
Ce que j’ai apprécié. 
C’était une priorité pour lui et je m’en suis nourri. 
Car la grande amélioration, comparé à Dre, c’est qu’il sortait des choses. 
Et à ce moment-là, j’étais comme un vampire en manque de sang: 
Ce besoin intense de créer de la musique. 
Durant les trois dernières années, Dre ne faisait sortir aucune musique. 
A part quelques trucs avec Eminem mais il était de moins en moins investi. 
C’était très étouffant. 
Par curiosité, même si ce n'est pas le sujet de notre discussion : 
Comment ce peut-il que Dr. Dre puisse sortir aussi peu de choses ?
S'en était même devenu une blague pendant des années 
Deux choses. 
Je pense qu’il protégeait ce qu’il laisserait derrière lui. 
Il en avait très conscience même s’il n’en parle pas beaucoup. 
Il me l’avait dit autrefois : 
« Jamais je n’enregistrerai quelque chose qui n’est pas spécial. » 
Je ne sais pas si c’est le cas pour « Compton » mais c’est un bon album ! 
Mais ce n’est pas son chef d’œuvre. Il ne se fait pas vraiment remarquer. 
Est ce qu’on aurait rendu l’album meilleur si j’étais resté ? Oui. 
Mais il avait conscience de son héritage. 
Pendant nos débuts, je lui ai posé des questions sur l’affaire Rakim. 
A quel point j’attendais qu’ils sortent quelque chose, 
C’est là qu’il m’a dit qu’il ne le faisait pas, tant que ce n’était pas quelque chose de spécial. 
C’est comme ça qu’il gère sa carrière.
Sans vouloir vous faire perdre le fil, mais ensuite 
vous avez commencé à travailler avec Kanye et avec un modèle plus collaboratif
Je me rappelle quand j’ai entendu « Watch the throne ». 
Nous nous étions rencontrés juste avant sa tournée. 
Je me rappelle que je roulais dans Los Angeles en écoutant « Otis ». 
Et même une fois que je l’avais écouté en boucle, j’étais toujours subjugué. 
C’était drôle, la situation ne m’intimidait pas du tout. 
Après avoir bossé avec Dre, on se sent comme un jedi, 
Avec toutes les bonnes capacités. 
Mais Kanye venait de sortir « Watch the throne » et « Dark Twisted Fantasy », 
Qui est à ce jour, pour moi, un des plus grands chef d’œuvre du hip hop. 
Notre première chanson ensemble fut « Mercy ». 
Je l’avais dans ma poche depuis ma rencontre avec ce producteur de Phoenix, qui me l’a fait écouter. 
Et j’ai voulu bosser dessus. 
Je l’ai récupérée, Kanye et moi avons bossé dessus et c’est devenu « Mercy ». 
Et après ça, j’ai su qu’entre nous, tout irait bien. 
Vous étiez d’abord président de « Good Records » et ensuite… 
Après des discussions, on a fini par se lancer : 
« Soyons créatifs, improvisons, discutons, passons du temps ensemble. » 
Je ne le connaissais pas encore très bien. 
Les deux premières années ont servi à apprendre à se connaître. 
Nous n’étions que de simples connaissances avec un grand respect mutuel. 
Tu as évoqué « Mercy » et je ne veux pas perdre de temps. 
Et nous l’avons évoqué plus tôt, alors allons y. 
Y’a un bon clip qui va avec si vous ne l’avez pas vu ! 
Vous avez dit plus tôt que ce fut une des premières choses que vous avez proposé à Kanye. 
Oui, quand on a commencé « Yeezus ». 
Mais c’était juste avant un de ses gros coups de gueule, 
Donc je me suis dit que ce n’était pas le bon moment. 
Ça fait partie du métier ? 
Assurer un bon timing entre la proposition d’une chanson et un de ses coups de gueule ? 
Le timing est toujours important quand on bosse avec des artistes en tant que producteur ou auteur. 
« Bitch better have my money » de Rihanna en est un parfait exemple. 
Elle fut écrite par une jeune auteure allemande, B.B. 
Une de mes jeunes talents les plus prometteurs. 
La version originale avait été écrite par Deputy, de Roc Nation. 
Elle avait été donnée à Rihanna qui n’y avait pas prêté attention. 
Et quand nous avons commencé à travailler avec elle, 
nous l’avons fait venir et avons réécouté la chanson. 
Et cette fois le timing était bon. 
Elle l’a entendue, y a réfléchi, 
Et du jour au lendemain, la chanson est née. 
L’humeur de l’artiste entre en jeu. Ce qu'il se passe dans
leur vie à ce moment-là, ce qu’ils veulent exprimer, leur état d’esprit. 
Certains projets de chanson sont reportés à trois ans plus tard 
Et finissent par être choisis. 
Le timing est hyper important. 
On me pose beaucoup de questions sur les samples de soul. 
Je pense que beaucoup de gens ignorent que nous jouons tous des instruments. 
On ne fait pas que se servir de samples. 
Mais à mon époque, la texture du hip-hop venait des samples. 
Aujourd’hui le hip-hop c’est du trap, 
et quand on voit des gars comme Drake, Future, Metroboomin & Southside : 
ce qu’ils peuvent apprécier dans notre travail 
c’est qu’on est capable de faire ce qu’ils font, mais en plus d’en faire autre chose. 
Un bon exemple de ça est l’album de Travi$ Scott. 
Grâce à son travail avec nous, il a chopé plein de petits trucs par-ci, par là. 
Et ce qui nous rend encore pertinents
Ce que je disais plus tôt, on met un peu plus de réflexion dans tout ça. 
Je n’ai pas besoin des samples,
Je peux vous programmer 10 000 rythmiques de trap, comme ça. 
Mais on en revient à nos sources, cette envie de dénicher ce groove. 
Il y a une boucle soul ici, mais beaucoup d’autres éléments. 
Quand l’album est sorti, 
Beaucoup de gens y ont reconnu « l’ancien son de Kanye. » 
Mais en écoutant bien, la chanson est en accord total avec l’esthétisme de l’album. 
Ce côté très schizophrénique, tous ces petits moments inattendus. 
Je ne sais pas si c’était l’effet recherché, mais pour moi, 
tout rentre en ligne avec le propos musical de l’album. 
Je trouve, aussi. Elle clôt l’album. 
Elle signifie que, malgré tout, au bout du compte, Kanye va bien. 
J’adore cette chanson.
Il y a Tony Williams, Charlie [Wilson], Mike Dean, Anthony Kilhoffer, 
No i.d., moi-même et cinq autres auteurs. 
Tout un village. 
Je démarre seul avec la chanson et on en arrive à ça. 
Je vais me faire l’avocat du diable : 
Vous avez dit pouvoir bosser des années sur quelque chose pour l’obtenir. 
Est-il possible aujourd’hui que les meilleures idées arrivent spontanément ? 
Bien sûr ! 
Kanye a créé une chanson la nuit dernière. 
Trois, à vrai dire. 
Des fois ça marche tout seul. 
Des fois ça prend plus de temps, mais ça arrive. 
Mais oui, 3 chansons en une nuit, c’était une bonne journée. 
Vous ne voulez pas nous les jouer ?
Non. 
Je me devais de poser la question. 
J’ai envie de garder mon travail... 
Est-ce une volonté, de votre part, qu’un album soit le langage musical principal ? 
Je viens de l’époque des albums, 
Mais ce n’est plus vraiment le cas aujourd’hui. 
Nous sommes plutôt dans l’âge de la playlist, des titres. 
Mais ces albums, et en particulier « Yeezus » donnent l’impression de vouloir dire quelque chose. 
C’est aussi parce que je suis plus âgé, et que je viens de cet ‘âge de l’album’. 
J’aime les grands albums classiques. 
J’aime donner un corps de travail aux gens. 
Faire un album est une tâche plus intimidante qu’un seul single. 
Le but reste le même quand on ne fait qu’une chanson : qu’elle soit la meilleure possible. 
Mais pour un album, il faut en faire 12. 
Aujourd’hui, le temps d’attention des gens est plus réduit. 
J’aime accrocher cette attention un peu plus longtemps. 
Beaucoup de gens m’ont dit qu’il leur avait fallu un an pour digérer « Yeezus », 
Le comprendre et l’apprécier. 
Et j’aime ça. 
Il nous faut parfois plus qu’un single pour dire quelque chose. 
J’ai trop de choses dans mon esprit, 
Et dans l’esprit collectif des 10 personnes travaillant dessus. 
On ne peut pas tout caser en une chanson. 
Trop d’informations. Il faut donc un corps de travail. 
Chaque album engendre un autre. 
7 albums peuvent naître de cette graine collective. 
Jouons une dernière chose. 
Elle était marrante celle-là. 
Chacun a fait sa propre version : Drake, Kanye… 
Comme beaucoup de mes morceaux, il était produit par Kanye. 
On y est, avec Mike Dean. 
Illangelo [collaborateur de The Weeknd] en a produit une partie un peu étrange, 
Que je ne trouve pas terrible. 
La chanson était de Kanye. 
Il prenait son temps sur la préparation, presque achevée, de son propre morceau. 
Il devait faire quelque chose avec Abel [Makkonen Tesfaye, AKA The Weeknd] 
et a fini par lui donner la chanson. 
De toute manière, elle était écrite pour nous. Elle est juste devenue une chanson d’Abel. 
Ce moment au milieu du morceau était celui où Kanye était censé chanter ? 
Oui. La mélodie est toujours sa voix modifiée par un clavier. 
Ce moment sonne bizarrement, je trouve. 
Ça aurait été mieux qu’il finisse sa partie et que ça fasse partie de la chanson.
Vous réagissez avec véhémence à ce passage en fin de chanson. 
Quand 10 personnes bossent sur la même chanson, 
Ce genre de situation doit finir par arriver. 
Comment gère-t-on les critiques des uns et des autres ? 
Ce genre de chose arrive quand beaucoup de personnes venant de pays différents, 
avec des tâches différentes, bossent ensemble. 
Tout le monde est dans un endroit différent, et nous devons construire la chanson. 
C’est dans ces moments que ça arrive. 
C’est délicat, car on aimerait pouvoir tout contrôler. 
Et si on est absent le jour où tout se décide, c’est fichu. 
Puis la date butoir arrive et c’est trop tard. 
« Merde ». 
Ce fut le cas pour celui-là. 
Mais j’étais globalement très content de la chanson. 
Toute l’intégrité du départ est toujours là. 
Et le clip est très cool. 
L’album de Lauryn est le seul auquel je suis sentimentalement attaché. 
Et une fois qu’il est parti, c’est fini. 
C’est comme un oiseau qu’on élève, soigne, et puis qu’on laisse s’envoler. 
Et on espère qu’il survivra. 
Le processus de travail me rend toujours un peu sentimental. 
Tout producteur est obsédé par l’idée de tout contrôler. 
C’est dur d’admettre que c’est fini. 
On veut toujours apporter des modifications. 
Je suis dans cette situation aujourd’hui, avec 5 morceaux à finir. 
Mais il faut parfois lâcher prise. Sinon on reste bloqué. 
Est-ce que quelqu’un a une question pour Che ? 
Attendez, le micro… 
Merci d’être avec nous aujourd’hui. 
Vous parliez du fait d’être intrépide. 
Est-ce que certains projets ou situations vous ont particulièrement effrayé ou fait douter ? 
Qui remet en cause le travail. 
On veut toujours faire du bon travail. 
Et il y aura toujours des moments où la chanson ne veut pas fonctionner. 
Où on est loin d’avoir terminé et le délai se rapproche. 
Mais on finit par trouver une solution, ou alors on laisse tomber. 
Quand quelque chose ne marche pas, je fais en sorte qu’elle ne soit jamais entendue. 
Mais mon pouvoir a des limites. 
Mais c’est une réalité. 
J’aimerai vous dire que tout se passe toujours à merveille mais ça serait mentir. 
C’est un puzzle dont il faut trouver la solution, ou bien tout recommencer. 
Mais j’essaye toujours de me débrouiller, surtout lorsque l’idée de départ est bonne. 
Cette intrépidité, explorer de nouvelles idées jusqu’au bout, 
Est-elle parfois sabordée par un élément extérieur ? 
C’est dur d’être intrépide. 
Il suffit de regarder autour de soi et d’observer tout ce que font les autres. 
Il est toujours possible que l’on ne vous réembauche plus. 
On peut bosser sur un morceau pendant que les Max Martin, et les Metro Boomin font leurs trucs. 
Et nous, on arrive avec quelque chose de totalement différent. 
L’album d’Abel par exemple. 
C’est assez courageux de notre part de lui proposer ce genre d’album. 
Et courageux de la sienne d’avoir embrassé ce projet. 
Il m’a déjà appelé pour son prochain album en me demandant 5 morceaux du même genre. 
Et tout part de notre audace. 
J’ai l’impression que cette intrépidité vous donne confiance en vous, 
Et vous permet d’attirer d’autres personnalités partageant les mêmes convictions que vous. 
Mais qu’en est-il de ce moment où vous libérez cet oiseau dont vous parliez ? 
Vous disiez de pas être sentimentalement trop investi, 
Mais cela vous affecte-t-il quand l’oiseau ne survit pas ? 
Vous mettez-vous à douter de vos capacités ? 
Non. Ça passe ou ça casse. 
J’ai toujours vécu ma vie ainsi. 
Je ne connais pas d’autres moyens de la vivre. 
Il est toujours possible de prendre de mauvais tournants et de s’adapter, 
Mais la formule de départ reste la même. 
Il faut toujours avoir confiance en soi. 
A partir du moment où l’on fait quelque chose de créatif, il y aura des mécontents. 
Il faut alors s’accrocher à sa confiance. 
C’est une attitude très hip-hop ça aussi. Très punk. 
Et c’est un peu dans mon ADN, ce sont mes sources. 
Une confiance en soi innée. 
Merci pour « Higher ». Elle est dingue. 
D’après vous, qu’est-ce qui permet à autant d’artistes aujourd’hui 
de proposer des albums repoussant toutes les limites ? 
Au-delà du côté social, l’aspect musical dépasse ce qu’on pourrait attendre d’artistes populaires. 
Et tout le monde semble accepter et embrasser ces nouvelles ouvertures musicales. 
C’est ce qu’on disait plus tôt. 
Si on possède cette conviction, d’autres la partageront. 
Kendrick en est un exemple, avec « To Pimp a Butterfly ». 
Il est produit par Top Dawg. 
Ils possèdent tous deux une forte personnalité, leur équipe également. 
Et on a besoin de ça. 
Si toi et ton équipe, vous y croyez, cela se ressentira quand l’album sortira. 
Kendrick est vraiment le meilleur exemple. 
Car il sortait d’un succès critique et financier. 
Et c’était très audacieux de sa part d’incorporer ce qu’il avait appris 
En côtoyant Flying Lotus ou Thundercat, au niveau qu’il avait atteint. 
Un autre exemple serait D’Angelo avec « Voodoo ».
Kanye également, en faisant participer Gesaffelstein. 
Si on y réfléchit hors contexte, ça n’a aucun sens. 
Mon père écoutait le dernier album de Kanye et n’en revenait pas. 
Ce morceau c’est également King Louie, en plus de Gesaffelstein. 
Le défi présenté par cet album était incroyable. 
J’aime toujours bosser sur un morceau, en studio, tout ça. 
Mais se lancer dans l’inconnu comme ça… 
C’était comme s’aventurer dans l’Arctique. 
Concernant le business et les labels, 
Vous disiez que le monde avait beaucoup changé ces 20 dernières années. 
Mais vous conservez toujours cette façon expérimentale de faire de la musique. 
Où on prend son temps. 
À votre niveau, et hormis l’aspect technique, 
comment la manière de faire un album a-t-elle évolué pendant votre carrière ? 
Il y a moins de ressources aujourd’hui. 
Avant on partait à Hawaï sur un coup de tête. 
On réservait 7 studios à l’hôtel Lanesborough de Londres, 
avec la famille royale à l’étage d’en dessous. 
C’est fini aujourd’hui. 
Il y a moins d’argent. 
Mais la technologie a facilité les choses. 
On peut énormément faire sur un ordi portable de chez soi, au lieu d’aller en studio. 
C’est toujours bien d’utiliser un studio, on peut jouer fort sans déranger les voisins. 
Mais tout est plus accessible. 
J’ai bossé pendant les 10h de vol qu’il m’a fallu pour venir ici. 
Ma voisine me regardait comme un fou 
car j’avais presque installé un studio complet sur mon siège. 
Mais les ressources ne sont pas les mêmes. 
Ce qu’on faisait du budget pendant la fin des années 90, 
comparé à aujourd’hui, c’est le jour et la nuit. 
Il faut maximiser ses chances en gérant intelligemment son budget. 
Des artistes du niveau de Kanye, de Madonna ou de Rihanna sont plus libres de faire ce qu’ils veulent. 
Mais on ne peut pas se le permettre en général, ou lorsqu’on débute. 
Vous avez travaillé avec beaucoup d’artistes. 
En tant que producteur, 
Comment faites-vous pour partager votre individualité avec d’autres artistes ? 
J’ai parfois une idée et je souhaite la réaliser d’une certaine manière. 
Et je n’ai plus ce contrôle quand je collabore avec d’autres. 
C’est parfois frustrant. 
Comment gérez-vous ces collaborations ?
Vous parlez du travail en commun ?
Oui. 
Je ne sais pas si vous avez déjà participé à des ‘camps de chanson’ ou autres. 
C’est un dialogue. 
Il est important de bien connaitre les personnes. 
Déjeuner ensemble, discuter. 
La communication est la clé. 
J’ai été dans un atelier du genre, en Corée. 
Beaucoup de fortes personnalités, et chacun avait son niveau de succès. 
Des numéro 1 de la K-pop, 
Des auteurs et producteurs coréens extrêmement talentueux, 
Des Américains également. 
Ce n’était pas évident, mais il fallait trouver un terrain commun. 
C’est la difficulté des compromis. 
C’est beaucoup de psychologie. 
Savoir quand s’écarter mais aussi quand être fort et défendre ses idées. 
Je suis très curieux d’en savoir plus sur la fabrication du clip de « Bound 2 ». 
Et je n’essaye pas d’être ironique ! 
Il s’agit de la vision du photographe de mode Nick Knight. 
Le but n’était pas d’en faire quelque chose de drôle. 
Mais c’est ce qui est arrivé. 
Beaucoup d’artistes ont des visions très majestueuses.  
J’étais là quand ils ont commencé à s’échanger des idées. 
Ça ne ressemblait pas à ce que ça a donné ensuite, dans leurs discussions. 
Ce n’était pas l’idée de départ de Kanye mais je pense qu’il en est content. 
Pareil pour Drake, et le clip de « Hotline Bling ». 
Je ne pense pas qu’il s’imaginait se transformer en mème. 
Je pense que si.
Vraiment ? Peut-être, alors. Il est très intelligent. 
« Bound 2 » reste un des meilleurs clips que j’ai jamais vu. 
Je l’aime bien. J’ai tout de suite trouvé ça marrant. 
Je pensais que c’était le but de départ. Il m’a révélé que non, par la suite. 
Je m’appelle John Pope, aucun lien. 
Après avoir travaillé avec autant de collectifs au fil des années, 
Quels sont les éléments communs à un environnement de travail stimulant ?  
Car je pense que beaucoup de personnes ici ont l’habitude de travailler seuls. 
Dans ces trois collectifs, il y avait beaucoup de fortes personnalités. 
Et une qui dominait les autres : Kanye, Dre, Hans… 
Avec des idées bien à eux. 
Quand on collabore, et qu’une décision doit être prise, 
Quelqu’un doit avoir le dernier mot. 
Puis par moment tout le monde est sur un pied d’égalité, c’est beaucoup de concessions. 
Parfois on gagne, parfois on perd. 
Mais au bout du compte, il reste la chanson. 
Tout le monde cherche à faire une bonne chanson. 
Merci d’être là. 
Vous avez dit que Dr. Dre était très protecteur de son héritage et en avait conscience. 
Quel rapport Kanye entretient-il à son héritage ? 
Nous le savons qu’il a des convictions très fortes sur un grand nombre de choses. 
Mais y a-t-il quelque chose dont il est très protecteur ? 
Je pense qu’il apprécie sa place de défenseur des créateurs. 
Et je le comprends. 
La majorité des créateurs n’ont aucune connaissance du business, 
Où chercher des financements, quels boulots accepter, quelle stratégie adopter. 
La question la plus récurrente que les créateurs me posent, c’est : « Comment ? » 
1:19:10.000,1:10:12.000
« Comment entrer dans le milieu ? » 
« Je suis allé à l’université, j’ai fait plein de choses, et maintenant ? ». 
Je pense donc que Kanye est protecteur de la communauté créative. 
Etre un porte-parole pour ceux qui ont des idées et des rêves et les empêcher d’abandonner. 
J’entends beaucoup parler de ses actions dans le monde de la mode en tant que célébrité. 
Et ce qu’il cherche à montrer c’est que même à ce niveau de succès, 
Il est toujours difficile d’être créatif. 
Notre but principal est de nous surpasser jour après jour. 
Et de ramener plus de monde avec nous, offrir plus d’opportunités. 
Ce qui peut faire peur quand on découvre tout l’aspect financier du business, 
Les labels, les investisseurs, les banques… 
On a beau avoir de grandes idées, trouver les moyens de les réaliser avec des amis,
Les hommes d’affaire arrivent et écrasent tes rêves. 
Il est une voix pour ce combat, et il est protecteur de tout ça. 
Mais bien évidement, il pense qu’il est Michael Jackson. 
Je pense qu’il le croit, oui. 
Vous avez longtemps travaillé avec Dre sur « Aftermath », 
Et laissé une trace dans les labels et les collectifs. 
Vous êtes maintenant avec Good Music. 
Quand vous écoutez un classique de Dre, 
Cela vous renvoie-t-il au son et à la période « Aftermath ». 
Quel est le son de Good Music ? 
On pourrait remonter jusqu’au GOOD Fridays entre autres. 
Mais on reconnaît tout de suite quand quelque chose vient de GOOD Music. 
C’est toujours un peu plus frais que le reste. 
C’est un fait, il n’y a pas débat. 
C’était un plaisir de vous entendre. 
Je suis toujours curieux d’entendre comment quelqu’un est passé
De consommateur de musique à fabriquant de musique. 
Particulièrement aujourd’hui, où il est possible de composer de la musique sur son téléphone. 
A quel moment cette transition a-t-elle eu lieu pour vous ? 
J’avais un ami. 
Directeur des programmes d’une grande chaîne new-yorkaise. 
Il a un an de moins que moi, et possède des platines depuis ses 13 ans. 
Je n’étais pas un super bon DJ alors que j’avais des platines, moi aussi. 
Et je me suis dit « Tu as des platines, j’ai un piano et une batterie : faisons de la musique. » 
Mais c’était un hobby. 
Ce n’était pas très sérieux.
Non, les choses se sont faites toutes seules. 
Je n’ai pas eu de matériel pendant longtemps d’ailleurs, j’utilisais celui des autres. 
Puis je suis devenu meilleur qu’eux. 
Et à quel moment avez-vous voulu étudier les finances ? 
Comme je disais, mes parents étaient des intellectuels, 
Et ils m’ont poussé à faire des études. 
Mon grand-père me soutenait énormément, contrairement à d’autres. 
Il m’a soutenu en me disant de revenir si ça ne marchait pas. 
Il doit être heureux aujourd’hui. 
1:23:29.000,1:23:30.000
Il l’est. 
C’est un de mes poulains en fait. 
J’ai peur d’entreprendre ce voyage. 
J’ai ce sentiment que les moments les plus importants et libérateurs sont lorsqu’on débute. 
Et je veux rester fidèle à moi-même, rester aussi libre que je le peux toute ma vie.  
Est-ce possible ? 
Quand on est au milieu, on est ni au top, ni tout en bas. 
Il en devient dur d’être libre. 
Tu devrais faire comme Hudson. 
Il avait une équipe assez forte pour rester soi-même. 
C’est comme ça que tu y arriveras. 
Car tu dois encore trouver le bon équilibre avec le côté business.
Je ne sais pas si vous le connaissez. C'est JABBA (participant à la RBMA)
Un incroyable producteur, auteur et peintre. 
Que nous allons accompagner dans l’inconnu. 
C’est ce genre de personne dont je crois la route qui me donne la motivation à continuer ce métier. 
Il m’a joué des choses impressionnantes. 
Il a piqué ma curiosité, et nous voilà aujourd’hui. 
Tu dois trouver des gens capables de protéger ta créativité et de la soutenir. 
Et ainsi, ta vision ne sera pas abimée. 
Car sans ces gens, d’autres se mêleront de tes affaires. 
Et tu leur succomberas. 
Et en parlant de peinture : 
Vous avez dit vous rendre au Louvre souvent avec Kanye. 
Y a-t-il une aile du musée ou une peinture qui vous inspire le plus ? 
Je ne me souviens plus du nom. 
Il était attiré par les œuvres religieuses les plus anciennes. Il allait les revoir souvent. 
J’étais plus attiré par la culture étrangère. 
Tout ce que je ne connaissais pas. 
Jusqu’au Moyen Orient. 
C’était découvrir tout cet art que je n’avais jamais vu de ma vie. 
Je pense que tout le monde en a retenu quelque chose de différent. 
C’est tellement grand.
Ça prend des jours.
