Les courants artistiques qui se succèdent au cours
du XXème siècle s’interrogent sur la définition de l’art.
Cubisme, abstraction, dada, surréalisme…
Ils remettent en cause ses formes traditionnelles,
ses codes et sa finalité.
Comme pour le XIXème siècle
nous avons dû faire des choix
et nous vous présentons trois chefs d’oeuvres
de cette période :
Fontaine de Marcel Duchamp,
New-York City de Mondrian
et un portrait de Marilyn Monroe par Andy Warhol.
 
Fontaine, présenté par Marcel Duchamp
sous un nom d’emprunt,
à la Société des Artistes Indépendants de New-York
compte parmi les oeuvres clés du XXème siècle.
Comment, un urinoir de fabrication industrielle peut-il
être considéré comme une oeuvre d’art fondamentale ?
C’est en 1916 que Duchamp utilise le terme de
ready-made pour désigner certaines de ses oeuvres.
Mais de quoi s’agit-il précisément?
Il s’agit d’un objet tout fait, que l’artiste s’approprie,
qu’il détourne de sa fonction première
et dont il décrète sa valeur artistique.
L’objet est jugé « immoral et vulgaire »,
qualifiée de « pièce commerciale ressortissant
à l'art du plombier ».
Duchamp s'ingénie à parodier
ce que doit être une œuvre.
Il la présente comme une sculpture
avec un titre, datée,
et c’est avec beaucoup d’humour et d’ironie que Duchamp signe son œuvre
sous le pseudonyme de R. Mutt.
Ce nom est la marque de fabrication.
En choisissant un urinoir,
Duchamp affiche ici sa totale indifférence
en matière d’esthétique ou de convenance.
Il remet en cause la pensée créatrice
et le savoir-faire de l’artiste.
Le choix de l’objet n’est pas innocent, il exprime
la volonté radicale de l’artiste de désacraliser l’art.
Qu’est-ce que l’art pour Duchamp ?
C’est l’idée de l’artiste qui fait l’œuvre,
Vinci l’avait proclamé avant lui.
Duchamp érige son urinoir en fontaine
par sa pensée artistique.
Si un objet usuel peut devenir une œuvre d’art,
la réciproque est vraie :
un tableau de Rembrandt pourrait
devenir une planche à repasser !
Duchamp est un artiste majeur qui
dès le début du XXème siècle
pose la question essentielle de la définition de l’art
et prépare le terrain
aux artistes conceptuel de la seconde moitié
du XXème siècle.
Il aura de nombreux adeptes du Pop Art
aux nouveaux réalistes.
 
New York City est une œuvre, réalisée en 1942
par le peintre hollandais Piet Mondrian,
fondateur du néoplasticisme.
Voyons en quoi cette peinture abstraite composée
de bandes de couleurs entremêlées
s’impose comme une œuvre du XXème siècle
radicalement avant-gardiste.
Le titre évoque un paysage de buildings,
or la peinture ne présente au regard qu’un assemblage
de forme géométrique.
Il n’y a aucune référence au réel, pas de perspective,
ni ombre, ni lumière.
Parmi les fondateurs de l’abstraction, Mondrian
propose une peinture détachée de l’imitation de l’objet
pour ne retenir que les fondamentaux
de la création picturale :
les lignes et les couleurs appliquées
sur une surface plane.
Des bandes jaunes, rouges et bleues se superposent
sur un fond blanc.
Voyez comme ces lignes enchevêtrées se rencontrent
à angle droit pour former des carrés et des rectangles.
La superposition des couleurs primaires créé un effet
de vibration optique.
Mondrian renonce radicalement
à toute ligne courbe ou diagonale.
Sa composition de grand format recouvre
toute la surface, on parle ainsi de peinture all over.
Pourtant cette peinture doit être vue comme
une perception de New York.
Par ces couleurs primaires vibrantes,
par le rythme des lignes aussi,
il restitue l’organisation géométrique de la ville,
ses lumières électriques et son agitation joyeuse.
Le peintre connaît bien la ville puisqu’il y est exilé
depuis 1940.
Par sa composition abstraite, par la force
de ses rythmes et son grand pouvoir de suggestion.
New York City est un chef d’œuvre du XXème siècle.
L’influence de Mondrian est telle qu’elle inspirera
entre autre la mode des années 1960.
Cette œuvre sérigraphique
réalisée en 1962 par Warhol,
artiste du Pop Art
est une œuvre des plus célèbres du XXème siècle.
Elle reproduit, en le multipliant, le portrait
de la vedette américaine Marilyn Monroe.
Comment une vedette américaine
peut-elle devenir une œuvre d’art ?
Cette peinture renoue avec la figuration.
En rupture avec l’expressionnisme abstrait
qui domine alors,
Warhol revient à un sujet identifiable
et surtout connu de tous.
C’est là une dominante du Pop Art.
Marilyn Monroe est alors une icône du cinéma américain, célèbre dans le monde entier.
Elle incarne un nouvel idéal de beauté, 
suscite désir et identification.
Issu du monde publicitaire, l’artiste se joue du monde
capitaliste et de la société de consommation
dont il est lui-même le produit.
Par sa technique industrielle, reproduisant en série
une même photographie,
il développe l’idée d’un art pour tous.
Mais l’art se doit d’avoir un prix, l’artiste une côte
et comme le dit Warhol :
« Gagner de l’argent est un art, travailler est un art, et
les affaires bien conduites sont le plus grand des arts »
aussi, le portrait sérigraphique même démultiplié
n’est accessible qu’au prix d’une œuvre unique !
La mort tragique en 1962, de la vedette hollywoodienne
touche le grand public.
Warhol s’empare alors du mythe. « La mort vous donne vraiment l’air d’une star » écrira-t-il.
Il décline son portrait à l’envie,
avec les couleurs vives de la publicité
et l’anime d’un maquillage à outrance pour rappeler
son légendaire « sex-appeal ».
Le cadrage resserré sur le visage de face
rappellent les icônes religieuses.
Elle est une icône de la société de consommation.
Par son procédé technique de reproduction,
par le détournement du sujet,
par la position de son auteur revendiquant
son appartenance au système consumériste,
le portrait sériel de Marilyn est une œuvre emblématique de la seconde moitié du XXème siècle.
