신디 셔먼의 이 사진 작품
다이크 블레어의 과슈 작품
조안 미첼의 유화
리처드 프린스의 사진
이 모든 작품의 제목들이 ‘무제’입니다.
우리는 미술관에 가서 작품을 보고
흥미가 생겼을 때
또는 도통 무슨 말을 했는지 이해하기 어려울 때
힌트를 얻고자 작품의 제목을 찾아보게 되는데요,
현대미술의 많은 예술작품들이
« 무제 untitled »라는 이름을 가지고 있습니다.
어떤 연구에 의하면
감상자들은 작품 제목이 « 무제 »일 때
작품에 대한 관심이 적어지며,
이해도 또한 낮아진다고 하는데요.
그럼에도 우리는 미술관에서
끊임없이 « 무제 »라는 제목의 작품들을 보게됩니다.
왜 일까요 ?
예술에 있어서 작품의 이름은
작가가 전하려는 아이디어나 주제를 소개하고
주제나 의미에 대한 모호성을 설명 할 수 있는
기회를 제공해 줍니다.
작품의 이해를 돕는 적절한 이름으로 얻을 수 있는
많은 이점에도 불구하고,
역사를 통틀어 많은 예술가들이
작품 제목을 정하지 않고
‘무제’로 남겨두었습니다.
작품의 제목을 ‘무제’로 하는 이유는 
작품 자체만큼 다양하겠지만
오늘은 예술작품에 ‘제목붙이기’에 대한
역사적 배경을 알아보고
현대에 와서 특히 ‘무제’ 작품이 자주 보이게 된 
경향에 대해
알아보겠습니다.
예일대 교수
루스 예젤은
그녀의 2015년 책
“서구의 그림이 어떻게, 그리고 왜 이름을 얻었는가"에서
18세기 이전 유럽에서는 예술가들이
그들의 작품에 이름을 붙일 필요가 없었다고 설명합니다.
왜냐하면 대부분의 작품들이
한 곳에 고정되어 전시 되었기 때문이죠.
예전에는 예술작품이 국가나 교회, 개인에 의해 주문되어
한 장소에 전시되면서
감상자들에게 스스로 설명이 되는 상태였습니다.
왜냐면 문화적으로 아주 친근한 주제였거나
또는 작품 주문자가 예술가에게 직접
원하는 주제의 그림을 요청하여 제작하였기 때문에
일일이 작품에 이름을 붙일 필요가 없었죠.
작품의 주제들은
주로 성경이나 그리스 신화
역사적 이야기
왕이나 귀족들의 초상화
일상의 풍경 등이었기 때문에
굳이 작품들은 특별한 제목이 필요하진 않았었습니다.
하지만 현대로 넘어오면서
작품들은 장소를 이동하여 전시되는 경우가 많아졌고,
국제적 아트페어 등과 같은 예술 시장 또한
옮겨 다니게 되었습니다.
따라서 작품을 구분하기 위한 라벨링이 필요해졌고
정보전달을 위한 카달로그가 필요하게 된 것이죠.
예술작품에 이름을 붙이는 것은
18세기 유럽의 미술관이 많이 생기기 시작하면서
본격화 되었습니다.
예를 들자면
1734년부터 대중에게 개방되기 시작한
시작한 이탈리아 로마의 카피톨리니 미술관과
1793의 프랑스 파리 루브르 Louvre 박물관이
대표적입니다.
이 시대 즈음에 예술시장도 성장하여
1744년에는 소더비 Sotheby’s가 만들어졌고
1766년에는 크리스티 Christie’s가 만들어졌죠.
예술작품들이 이동을 하기 시작하면서,
한 지역이나 가정에서 제작되어
한곳에서 전시되는 전통을 잃어버리게 되었고
제작한 예술가에게 직접 설명을 듣거나
대대손손 물려 내려온 가족을 통해
제작 배경을 알게 되는 것이 불가능해 졌습니다
작품들은 이동경로 등에 정확한 관리를 위해
그리고 작품의 창작배경이라든지 고유한 의미에 대해
설명이 필요해지게 되었고
작품의 이름이 붙기 시작했습니다.
또한 예술가들이 단체로 전시를 하거나
살롱전에 참여하게 되면서
작품의 이름은 조직의 운영을 편하게 해 주었죠.
따라서 18세기 이전에 제작된 작품들은
보통 작품 제목이 없었으나
점차 갤러리와 미술사학자
큐레이터 등에 의해
이름이 이어지게 된 것으로 이해할 수 있습니다.
예를 들어 모나리자의 경우도
다빈치가 직접 이름을 붙인 것은 아니었고
조르지오 바사리가
1550-68년경 쓴 책
미술가 열전에서
최초로 그 이름의 역사를 찾을 수 있는데요,
바사리는 이 책에서 이 작품을
프란체스코 델 조콘도의 아내
또는 마담 리자로 칭하면서
이름을 지어 주게 된 것이었습니다
렘브란트의 가장 유명한 작품중 하나인
야간 순찰도
현재 소장하고 있는 암스테르담 국립 미술관에서
원래 이름을
캡틴 프란츠 베닌크 코크의 지휘하에 있는 
2지구의 민병대 회사
라고 지었었습니다.
실제 이 작품은 낮의 풍경을 그린 것임에도 불구하고
여러 겹의 투명한 광택 바니쉬를 바르면서
점차 색이 어두워 져 담 같은 풍경이 되어
야간 순찰 이라는 예명을 얻게 된 것이
 재미 있는 작품이죠
예젤은 작품의 이름을 붙이는 일이
귀찮고 산만한 일이 될 수 있지만
쉽게 구분하고
기억을 떠올리게 하기 위해서는
꼭 필요한 일이었음을 지적했습니다.
그러나 작품에 실용적인 이름을 붙이는 일이
작가들의 원래 의도와 다르게 진행될 때가 생기면서
또한 작가들이 자신의 작품들을 
열린 해석으로 남겨두고 싶었을 때
특히 마찰이 생기기 시작했습니다.
작가들이 현실을 똑같이 그려 내거나 조각으로 만드는
재현 작업에서 멀어지기 시작하면서
작품의 이름을 붙이지 않은 것은
갈수록 의도적인 것으로 되어 갑니다.
예술가들은
예술가들은 예술작품들이 언어적 표현(제목을 붙이는 일) 밖에서도
그 뜻이 전달되는 것이 가능하다고
생각하기 시작했던 거죠.
대형 사이즈의 추상그림을 그린 화가
클리포드 스틸은
작품의 이름을 붙이는 것에 대해
자신의 견해를 정확히 드러내었습니다.
"나는 감상자들을 방해하거나 
도와주는 암시를 원하지 않는다."
그는 그의 작품이
로르샤흐 테스트처럼
자유로운 해석이 가능하길 바랬었습니다.
작품들 앞에서 작품의 뜻에 대한 제목 힌트 없이도
감상자가 스스로 존재하기를 바라며
만일 그들이 불친절하거나 불쾌하거나,
악한 이미지를 발견한다면
그가 스스로 자신의 영혼을 들여다 볼 수 있게 놔두자
라고 그는 말합니다.
피카소를 예로 들자면
그는 자신이 스스로 모든 작품에 이름 붙이기 보다는
갤러리나 작품 딜러들이 이름을 붙이도록 놔뒀지만
그보다 먼저 피카소 의 원래 뜻은
작품이 스스로 말하기를 원했던 것이었습니다.
설명을 한다는 것이 어디에 좋은 것인가?
화가는 하나의 언어만 가진다.
라고 했습니다.
피카소와 다른 아티스트들에게 언어란
작품의 이름을 붙이기 위한 도구가 아니라
작품에서 직관적으로 바로 보이는 것
비주얼한 것 자체가 작가가 말하고자 하던 언어였으며
모든 문화와 언어의 차이를 초월하는
하나의 공통된 커뮤니케이션 으로 통하는 것이었습니다.
예술가들이 나 현대미술 경향들은 이런 비슷한 이유로
작품의 라벨을 붙이는 것에서 벗어나고 싶어 합니다
미니멀리스트 들은 순수한 형태에 중점을 두고
재료의 성질을 강조하면서
사물의 재현을 거부하는 추상회화의 표현을
한 단계 더 발전시켰었구요,
오브제와 미학적 측면을 필수적인 요소만 
남기고 삭제하면서
언어 또한 필요하지 않게 되었습니다.
예를 들어 도널드 저드는
그의 작품 중 많은 수를 ‘무제’ untitled로 남겨두었었죠.
그럼에도 불구하고
우리 대다수의 관람자들은
극도의 미니멀리스트인 도널드 저드의 작품에도
“The lifeboat”나 “Letter box”와 같은
이름을 붙이고 싶어하는 경향을 가지긴 합니다.
한편, 작품에 “무제”로 이름을 붙이는 것은
미술관이나 갤러리의 입장에선 
“악몽”이 될 수도 있습니다.
카탈로그를 만들고 설명을 해야 하는데
"제목없음" 일 경우
굉장히 곤혹스러운 상황이 되는 것이죠.
현대미술 작가들은 작품의 이름을 붙이지 않음으로써
이 미술관이나 갤러리의 제도적 구조에
반항적인 태도를 보이는 것일 수도 있습니다.
추상주의자들에게는
재현의 회피 도구로 여겨질 수도 있고
또한 감성 자들이 스스로 자신의 해석대로
이해할 수 있도록
작가들이 공백은 남겨두는 의미가 될 수도 있구요.
많은 예술가들은 시간이나 공간 내에서
추가적인 맥락이나 배치없이
자신의 작품을 자신만의 용어로
세상에 무언가를 제공한다는 아이디어를 즐깁니다.
그러나 작품의 '제목없음'이 
선입견을 없애줄 수 있는 것처럼
제목 없음은 여전히 제목입니다.
또한 제목이 없는 작품은
자동으로 미스터리에 가려져서
감상자들은 작품의 이름에 대한 설명이 왜 없는지 
궁금해 하게 되고
때로 흥미를 반감시키기도 하죠.
예젤은 책에서
우리가 눈으로 본 것에 대해 이해하고 싶은 감정은
강력한 본능이며
이러한 노력에 반항하려는 것처럼 보이는 작업에서
감상자들은 친숙한 형태를 찾아내어 적용 시키려 하는데,
이 행동은 이상하게 사람들에게 위로를 가져다 준다 라고 말합니다.
이러한 경향이 무제라고 이름지어진 작품 옆에
괄호로 추가 설명을 더 않은 이유가 됩니다.
괄호 안 설명은 주로 갤러리에 의해
더해지는 경우가 많은데요.
하지만 개념미술 아티스트
펠릭스 곤잘레스 토레스의 경우에는
괄호 안 설명이 의도적인 것입니다.
그는 자신의 작품에
의도적으로 무제라고 이름 짓고
괄호 안에 설명을 넣음으로써
감상자들이 작품 뒤의 자신의 생각을 읽을 수 있도록
장치를 해두었죠.
우리가 보고 느끼는 것에 대해 자유를 주되
약간의 가이드를 해주는 셈입니다.
마르셀 뒤샹은
“제목은 보이지 않는 색깔이다”
"그리고 좋든 나쁘든
그것에 가장 저항하는 작품에 까지도 파고드는
하나의 색깔이다."
라고 말했습니다.
제목을 지어줌으로써
그것이 의미하는 방향으로
감상자들의 이해를 몰고 가는 
역할에 대해 말하고 있는 것이죠.
현대미술 아티스트인 한나 레비도
비슷한 의견을 가지고 있습니다.
나는 작품에 어떤 일이 일어나고 어떤 감정을 일으킬지
아이디어를 가지고 있지만
누군가 다른 반응을 보인다면
그것 또한 좋다.
나는 누군가의 경험을 어떤 방향으로
너무 많이 이끌고 싶진 않다.
신디 셔먼의 무제 영화 스틸 시리즈는
각각 무제라는 이름에 붙은 일련의 개별 사진으로
순서대로 번호가 붙어 있습니다.
이 시리즈 속 각각의 사진 작품들은
어떤 특정한 하나의 영화가 아니라
영화의 장르에 속하는 주제로 꾸며진 것이며
예를 들어 느와르영화, 유럽 하우스 영화 등등 -,
작가 자신이 다양한 의상과 배경에서
 연출되어 등장합니다.
설명적인 제목을 보류 시킨 셔먼의 선택은
감상자가
움직이거나 정지된 상황을 포착한 사진에서 
표현되는 묘사와
일상 사이의 연관성에 의문을 가지도록 부추깁니다.
어떤 하나의 영화 스틸컷 처럼 제한되는 것이 아니라
감상자가 누구든 원하는 캐릭터를 
설정된 배경에 대입하여
감상해 볼 수 있습니다.
오늘 우리는 예술가들이
예술 작품에 이름을 붙이지 않음으로써
감상자들이 스스로 보는 힘을 가지게 하고
그 창작배경과 동기에 대해 의견을 수립할 수 있도록 
놔둔다는 것을
알 수 있었습니다.
하나의 차원에서 하나의 해석으로 제한하는 것이 아니라
다양한 방면에서 고려될 수 있으며
상호 변경가능하도록 해둔 장치였던 셈이죠.
하지만 언어가 주는 제한적 성격을 
피하려 했음에도 불구하고
제목 없음 으로 지어진 작품들 조차도
결국은 언어로 이루어지는 학문적 비평이나 의견을
피할 수는 없습니다.
제목이 ‘무제’로 지었다 하더라도
우리가 보고 이해하는데 있어 ‘언어’라는 것은
결국 피할 수 없는 것이 아닐까
생각해보게 됩니다.
