Je m’appelle 
John Feldmann,
je suis le chanteur 
de Goldfinger
et je suis également 
producteur.
Les gars de Goldfinger aiment 
quelques-uns des groupes que je produis,
mais je ne pense 
pas qu’ils les aiment tous.
Je pense qu’ils aiment les membres de 
ces groupes mais pas forcément leur musique.
Je pense qu’ils aiment la 
musique de The Used ;
je ne pense pas qu’ils aient 
écouté D.R.U.G.S.
ou mes dernières 
sorties.
Mais évidemment ils sont amis avec 
Good Charlotte, Story Of The Year…
Je suis vraiment 
porté sur les batteries.
Quand j’étais enfant 
je voulais faire de la batterie
mais au lycée comme je fumais 
beaucoup trop d’herbe
j’étais trop fainéant pour trimbaler 
tous les fûts d’un kit de batterie.
C’était trop d’efforts,
c’est pour ça que je suis devenu chanteur, 
un micro c’est plus facile à porter !
Maintenant que 
je suis plus âgé,
j’aime m’assurer que les prises de 
batterie sont vraiment bonnes.
Je pousse toujours les batteurs des 
groupes dans leurs derniers retranchements et
je me suis sûrement fait quelques 
ennemis parmi ceux que j’ai produits
parce que je les ai tellement 
exploités qu’ils se disent sûrement
« Je ne peux plus bosser avec ce type, 
il est si difficile en studio ».
Je prends vraiment mon temps, 
peu importe combien de temps ça dure,
je peux bloquer une heure 
pour obtenir le son voulu.
Je suis vraiment très pointilleux 
sur la batterie car selon moi
c’est vraiment la colonne vertébrale 
d’une chanson, ses fondations.
Si la batterie est bonne, tout le reste 
suit et se met en place correctement.
Au fur et à mesure des années j’ai concocté mes 
propres samples de grosses caisses et de caisses claires,
qui font maintenant 
partie de mon son,
j’ai des plug-ins très particuliers et une façon bien à moi de 
compresser la batterie pour la faire sonner de cette manière.
C’est souvent grâce à ça que les personnes 
reconnaissent un de mes albums 
: « ça c’est le son de batterie 
de John Feldmann ».
Cette idée m’est venue alors que 
je passais mes vacances en famille ;
je dînais avec ma femme qui parlait de tout et de 
rien et je tapais simplement des doigts sur la table ;
c’est ainsi que 
m’est venu ce rythme.
Je l’ai enregistré sur mon téléphone portable puis je suis rentré 
à la maison et nous avons écrit la chanson entière autour de ce modèle.
J’avais cette idée en tête qui allait avec le reste 
et que je voulais enregistrer.
J’ai produit cet album de D.R.U.G.S. 
différemment du reste,
c’était une sorte 
d’erreur salvatrice.
Il y a eu un bug dans 
Pro Tools avec le plug-in Smack!,
Smack! étant un effet (compresseur) 
que j’utilise beaucoup sur mon bus de batterie.
Le bug a 
arrêté Smack!
Et ainsi sur cette chanson j’ai tout 
mixé sans qu’il n’y ait de compression
sur l’entièreté de la batterie 
parce que le bug l’avait supprimé.
Ce qui fait que la chanson sonne plus aérée, 
un peu comme sur le premier album de Slipknot
que j’adore où l’on ressentait cette 
sorte d’énergie brute.
Du coup j’ai gardé cet esprit et cette 
sonorité sur tout l’album.
Mais cette chanson particulièrement a quelque chose de  vraiment 
magique dans la manière dont tous les éléments se sont emboités.
Craig (Owens) m’a confié son carnet de textes 
complet que j’ai parcouru pour choisir le texte que je préférais.
C’est la première chanson que 
nous ayons faite ensemble
et c’est finalement grâce à ce tapotage de 
doigts qu’elle a fonctionné si parfaitement.
J’essaye de savoir à la première écoute quelle 
est la chose qui retient mon attention.
Evidemment Shape Of Punk To Come ou des éléments 
drum’n’bass m’ont influencé comme sur le premier album de The Used.
Je suis un fan de musique moderne, 
j’ai travaillé avec le groupe Letlive.
qui m’ont ramené à quelque 
chose de plus old-school.
Il n’y a pas d’orchestration, 
pas de production, pas de prise par prise…
Ils essaient de voir à quel point ils peuvent pousser 
leurs prises live tout en gardant un rendu énorme.
J’ai toujours était fan de tout ce 
qui est théâtralisé ou cinématographique,
un peu comme le côté épique de Braveheart 
mais appliqué à la musique punk-rock.
Et j’ai toujours distillé 
cette aura numérique,
je parlais avec Digidesign (Pro Tools) pour leur dire que 
j’avais besoin de plus de pistes, toujours plus de pistes.
Je peux avoir 250 pistes pour une chanson ce qui me permet 
d’élargir son paysage sonore et lorsque les kids écoutent ça au casque,
ils peuvent encore découvrir 
quelque chose à la 10ème écoute.
Je veux vraiment proposer des trucs classes et à la 
mode mais complexes dans leur construction.
Je n’ai pas envie de toujours faire la même chose,
 je crois que le premier album que j’ai produit devait être Mest en 1999.
Que ce soit la façon dont je compressais la batterie ou 
les micros que j’utilisais pour la caisse claire,
ça n’a plus grand chose à voir avec ce que 
je fais maintenant ; j’utilise d’autres méthodes.
Il faut que tu compares tes 
habitudes avec ce qui se fait maintenant ;
par exemple beaucoup de nouveaux groupes hardcore 
underground font tout platement avec des DI sur Pro Tools
avant de simuler les 
amplis avec Amplitube.
Ils peuvent gérer les transitoires à la perfection et 
les coupler à la batterie pour que tout soit carré.
C’est la nouvelle tendance…
Tout est fait avec Superior Drummer 
ou EZ Drummer, tous ces trucs de merde…
mais tu sais, 
j’aime les vraies batteries.
Mais donc pourquoi mon son change, c’est simplement que 
je m’ennuie avec mon vieux son, je veux l’améliorer…
Aaron (Stern) est un 
batteur phénoménal,
c’est l’un des meilleurs batteurs avec 
qui j’ai eu la chance de travailler,
il jouait dans 
Matchbook Romance.
Plus le batteur est bon, plus le 
son de batterie est pur
car je n’ai pas à faire 
plein de prises,
à recaler ses frappes 
avec Beat Detective,
je peux le 
laisser tel quel.
Je pense que c’est bien pour les plus jeunes qui 
commencent d’être capables d’apprendre comment enregistrer
et d’être capables de perfectionner leur son et de créer ce dont ils 
ont envie par eux-mêmes mais au final ce qui importe c’est la chanson.
La chanson doit avoir un gros 
refrain et de vraies paroles.
Quand je fais une chanson je dois ressentir quelque chose 
ça doit pouvoir me faire pleurer ou me mettre en colère
pour que le monde entier puisse 
ressentir la même chose.
Tous ces outils sont biens mais à la fin ce qui importe ce 
sont les paroles et la capacité à jouer devant son public.
Entre 8 et 11 pistes.
Je pense qu’il y aura moins de 
chansons et que ce sera en mp4,
avec ce format j’entends un peu mieux les cymbales et 
les fréquences extrêmes, il y a moins d’oscillation.
Tout ça va vraiment se passer sur 
internet en peer-to-peer,
les gens reviennent aussi 
quelque peu aux vinyles,
à la culture du 7 et 12 pouces mais le futur de 
la musique se passera sur Iphone.
Les fans veulent le plus de contenu possible, 
les jeunes veulent le plus d’informations que possible.
Ils veulent deux 
albums par an.
Avant on pouvait faire un album de 12 titres et 
tourner pendant 2-3 ans puis faire un nouvel album.
Maintenant nous devons faire 
deux albums par an et continuer à tourner.
Les fans veulent le plus possible de documentaires 
backstage, de clips, de photos, de tout…
Ils en veulent autant qu’ils peuvent en recevoir, 
désormais le mot d’ordre c’est « plus ».
Sûrement celui de City Sleeps, un groupe d’Atlanta, 
personne n’en a jamais vraiment entendu parler.
Le chanteur avait vraiment beaucoup de problèmes,
 il ne pouvait pas vraiment joindre les deux bouts,
il est SDF et vit dans la rue maintenant,
 il est accro à la drogue…
mais c’est un parolier 
extrêmement créatif.
J’écoute encore cet album et 
il me donne toujours des frissons
car il y a certaines chansons 
qui me touchent vraiment.
C’est l’album dont je suis le plus fier, 
City Sleeps.
Probablement, Peter Gabriel et son « So » 
qui m’a influencé plus que n’importe quel autre album en tant que producteur.
Daniel Lanois et Peter Gabriel ont produit ces albums 
dans les années 80 et ils n’avaient pas d’ordinateur, pas de Pro Tools,
rien de tout ça, ce 
n’était que des prises live.
Cette chanson « In Your Eyes », c’est un classique 
de Peter Gabriel et la production, la dynamique,
ça vient simplement de nulle part 
jusqu’à cet énorme son qui avale tout.
Je ne sais pas comment ils 
ont fait avec juste 24 pistes,
c’était encore sur 
bandes à l’époque.
J’adore 
cet album.
Peter Gabriel a toujours transgressé les codes,
 je sais qu’il maîtrise à fond Ableton.
J’utilise un peu Ableton au studio mais 
c’est plus fait pour les batteurs,
comme cet ami qui joue avec Jack Johnson 
et qui l’utilise en live pour ses pads.
C’est impossible mais bien sûr U2 
et Coldplay, rois parmi les rois.
Je me souviens qu’ils sont exceptionnels 
en live, j’aime ces énormes refrains.
Il y a toujours énormément de 
créativité dans la musique.
J’aime Pink, je trouve que c’est l’une 
des meilleures chanteuses de tous les temps,
j’aimerais 
travailler avec elle.
Max Martin est un 
fantastique compositeur,
toutes les chansons de 
Katy Perry sont bonnes,
j’adore les 
Vampire Weekend…
mes goûts n’ont 
pas de limites !
Je travaille avec Megan Joy (épouse de Quinn Allman) 
qui vient d’American Idol, c’est de la pure pop.
J’aime la musique pop, 
je ne dis jamais non…
J’ai travaillé avec les Veronicas qui sont très pop même 
si finalement c’est devenu plus rock avec les guitares…
C’est difficile à dire…
mais comme je l’ai dit, 
j’adorerais travailler avec Pink.
J’ai dû écrire dans les 
quinze chansons avec le groupe ;
quant à Butch Walker, il a co-écrit « Mona Lisa » 
puis il est venu me voir et je l’ai aidé à écrire le refrain.
Le  « Woh oh oh », 
cette partie-là.
Après il a fait son travail dans son 
studio et moi le mien de mon côté
mais nous n’avons jamais 
été ensemble dans la même pièce.
Par contre il a utilisé certaines des parties que 
j’avais enregistrées pour enregistrer par-dessus.
Je pense que les kids 
peuvent le deviner.
Je sais lesquelles d’entre 
elles sont les miennes.
En fait j’ai travaillé sur 
tous les titres sauf deux
et Butch a 
fait de même,
vous n’avez plus 
qu’à les trouver !
