
English: 
Translator: Tanya Cushman
Reviewer: Peter van de Ven
This is going to sound a bit
like a public service announcement,
but here goes:
Show of hands -
do you or anyone you love
suffer from an inability
to get contemporary art?
Anybody here? Yes. Me too.
Me too. I know.
You know, I've worked in the art world
for about 10 years now,
and I currently work
at a company called Artsy, where -
It's an online platform
where I try to make art accessible
to anyone who wants to learn more about it
and maybe start collecting it.
And, you know, this is something
that I encounter on a daily basis,
and I'm well aware of the fact
that a lot of people think
that contemporary art is a sham.
This is one of my favorite examples
of this sentiment in action.
This is a scene from the sitcom
"It's Always Sunny in Philadelphia,"

Spanish: 
Traductor: Stefany Alvarado
Revisor: Paula Motter
Esto va a sonar un poco como
un anuncio de servicio público,
pero aquí va:
levanten la mano
los que no entiendan el arte contemporáneo
o conozcan a alguien que no lo entienda.
¿Hay alguien?
Sí. Yo tampoco.
Yo tampoco. Lo sé.
Llevo trabajando unos 10 años
en el mundo del arte
y actualmente trabajo
en una empresa llamada Artsy.
Es una plataforma en línea
en donde trato que el arte sea accesible
para quienquiera que le interese aprender
o quizá empezar a coleccionar.
Esto es algo con lo que 
me encuentro a diario,
y soy muy consciente
de que mucha gente considera
el arte contemporáneo como una farsa.
Este es uno de mis ejemplos favoritos
de este tipo de recelo.
Esta es una escena de la comedia
"Colgados en Filadelfia",

Spanish: 
y Danny DeVito interpreta 
a un excéntrico coleccionista de arte
que deambula por el lugar
señalando las piezas y diciendo:
"Esto es una estafa.
Una farsa, muy ordinario".
Se detiene y ve una pieza 
que le encanta y dice:
"Me fascina, la quiero".
La galerista se inclina hacia él
y en voz muy bajita 
y sofisticada le dice:
"Eso es el aire acondicionado".
Sin desanimarse, le responde:
"Lo quiero, lo es todo para mí".
Creo que la moraleja aquí 
es muy sencilla, ¿verdad?
O bien el arte contemporáneo 
es una farsa total
o tienes que estar metido 
en la materia para entenderlo.
Y si no estás metido,
tal vez te sientas inferior
por no entenderlo.
Bueno, pienso que es 
una situación lamentable,
y por eso quería hablarles al respecto,
y, aunque bromeé con que esto 
sonaba a anuncio de servicio público,
en realidad, creo que el arte hoy en día
es un bien público,
y, por lo tanto, 
todos merecemos más de él.
Ahora, voy a mencionar 
algunas razones históricas
por las que el arte resulta 
tan inaccesible hoy en día.

English: 
and Danny DeVito is playing
this sort of eccentric, artsy collector.
So he goes around pointing at the art,
saying, "This is bullshit.
Bullshit. Derivative."
He comes over and finds a piece he loves:
"I love it. I want it."
And the gallerist
sort of leans over to him
and in this hushed, tasteful voice says,
"That's the air-conditioner."
Now, undeterred, he says,
"I want it. It's everything."
So, I think the takeaway here
is pretty clear, right?
Either contemporary art is a total sham,
or you have to be an insider to get it.
And if you're not an insider,
you might be made to feel inferior
for not getting it.
Now, I think that this is really
an unfortunate state of affairs,
so that's why I wanted to talk
to you today about this,
because I joke that,
you know, that this is a PSA,
but I really do believe that art,
especially art of our day,
is a public good,
and you deserve more from your art.
So I'm going to tell you today
about a few of the historic reasons
for why art today is so inaccessible.

Spanish: 
También les voy a dar algunos consejos
que les ayudarán a entender
el 99 % del arte que vean.
Antes de entrar en el tema, voy
a empezar con algunos conceptos básicos.
Voy a hablarles sobre el arte 
moderno y contemporáneo.
Las diferencias entre ellos
abarca tanto como para dar otra charla,
pero cuando hablo de "arte moderno",
me refiero al arte desde 1900.
Y cuando digo "contemporáneo",
son obras desde los años 60.
Y también hablaré del arte occidental,
el cual tiene su propia tradición 
que lo diferencia del resto,
lo que podríamos llamar
"arte no occidental",
una categoría amplia para lo que 
no sea de EE. UU. o Europa.
Bueno, ¡pues vamos a empezar!
¿Por qué no entendemos 
el arte contemporáneo?
En mi opinión, hay tres razones.
La primera es el mundo
del arte en sí mismo.
El mundo del arte 
se regocija en su exclusividad.
En lugar de intentar invitarte 
y ayudarte a involucrarte con el arte,
te prepara para fallar desde el inicio.

English: 
But I'm also going to give you a few tips
that I think will help you
better understand
about 99% of the art that you see.
Now, before I dive into this, I just want
to start with a few ground rules.
I'm going to be talking
about modern and contemporary art.
The difference between
the two of those is really a whole -
a topic for a whole other talk,
but when I say modern art,
I basically mean art since 1900.
When I say contemporary, I'm kind of
talking about art since the 1960s.
And the other one is that I am going
to be talking about Western art here.
It does have its own tradition,
which is different from
what we might call "non-Western art,"
you know, this umbrella category
of anything that's not the U.S. or Europe.
But, okay, so let's get started.
Why don't you get contemporary art?
I think there are three reasons for this.
The first is it's the art world.
Now, the art world
relishes its exclusivity.
You know, instead
of trying to invite you in
and helping you engage with the art,

Spanish: 
Como sabemos, la música, 
la televisión y los podcasts
pueden disfrutarse a pedido: 
vienen a nosotros.
Mucha gente los disfruta
de una manera muy especial e intensa.
Entonces, ¿por qué no puede pasar 
lo mismo con el arte contemporáneo?
Pienso que en parte se debe 
al modelo de servicio bajo demanda,
en el sentido de que, con el arte,
tienes que salir al mundo para vivirlo.
Tienes que ir a un museo o una galería,
y ya estando ahí encontrarás
galeristas y curadores
y así llegas al mundo del arte,
en cierto sentido.
En el arte, las instituciones
son el centro de todo,
y casi siempre son monumentales
como ciudades sobre colinas.
Así que primero tienes que pasar 
por todo lo anterior para llegar al arte.
Literalmente, tienes que subir la montaña,
como en el MET aquí en Nueva York,
para poder llegar al arte.

English: 
it sets you up to fail from the beginning.
You know, music and TV
and podcasts, as we just learned,
we can enjoy them
on demand - they come to us.
And, you know, many people have really
deep and meaningful experiences with them.
So why should contemporary art
be any different?
Well, I do think that part of this
is a little bit the on-demand model,
in the sense that with art,
you have to go out into the world
to experience it.
You have to go to a museum or a gallery,
and once you're there,
you're going to encounter
gallerists and curators,
and, you know, the art world, in a sense.
You know, with art, the institutions of it
are front and center,
and they're often monumental,
like cities upon a hill.
So you have to get past all of this
before you can actually get to the art.
You have to literally climb the hill -
like with the Met here, in New York -
to get to the art.
So, let's talk about the art a little bit.

English: 
The British artist Tracey Emin has said,
"Modern art is merely the means 
by which we terrorize ourselves."
Art today can be conceptual or cerebral;
it can be boring and difficult.
We're going to talk about why this is,
but before we do,
I want to get to the third reason
that you don't get contemporary art.
And this also happens to be the one thing
that's within your control to change.
It's you.
It is, in part, your fault.
But the flip side of that
is that art needs you to be got.
Right? It needs you, the viewer,
to interpret it and to add meaning to it.
You might be asking now,
"Okay, so how am I supposed to do that?"
And to answer this question, we really
need to go back to the beginning;
we need to go back to a time before art
meant really what it does today.
Okay. I'm going to ask you
to think right now about artists.

Spanish: 
Vamos a hablar un poco de arte.
La artista británica Tracey Emin afirma:
"El arte moderno es solo el medio
por el que nos aterrorizamos 
a nosotros mismos".
El arte hoy puede ser
conceptual o cerebral;
puede ser difícil y aburrido.
Vamos a hablar sobre el porqué,
pero antes les diré la tercera razón
por la que no entendemos
el arte contemporáneo.
Y resulta que es lo único
que podemos cambiar a voluntad.
Nosotros mismos.
En parte es nuestra culpa,
pero la cara de la moneda es que 
el arte necesita ser comprendido.
Nos necesita, al espectador,
para interpretarlo y darle significado.
Y ahora uno se pregunta:
"¿Cómo se supone que haga eso?".
Para poder responder esa pregunta
necesitamos regresar al principio;
a cuando el arte no significaba
lo que significa hoy.
Muy bien.
Ahora voy a pedirles 
que piensen en los artistas.

English: 
Think about some of the traits
you might associate with them.
Right, I think a lot of us will think
they might be creative or original.
They might even be genius.
They're probably also difficult
and passionate about what they do.
They act as if the normal rules
of society didn't apply to them.
Well, we only have to go back
about 250 years
to encounter an entirely
different conception
of what it means to be an artist.
We can actually see this change happening,
right before our eyes,
when we compare two encyclopedias
from the 18th century.
So, right here we're looking at
Ephraim Chambers' Table of Knowledge
from 1728.
And over here, where he's mapped out
all of sort of human achievement,
under what we would normally
consider the arts,
we see two totally different groupings.
We see one for architecture,
sculpture and manufacturing,
and those are grouped
under the mechanical arts.

Spanish: 
Piensen en las características 
con las que los asocian.
La mayoría pensamos que
los artistas son originales o creativos.
Podrían ser genios.
Quizás difíciles de carácter,
pero apasionados por su trabajo.
Actúan como si las normas 
sociales no aplicaran para ellos.
Solo tenemos que remontarnos
250 años para tener
una percepción totalmente distinta
de lo que significa ser un artista.
Este cambio sucede ante nuestros ojos
si comparamos dos enciclopedias 
del siglo XVIII.
Aquí vemos, de 1728, 
"Los mapas del conocimiento"
de Ephraim Chambers.
Y aquí...
en donde lista todos los tipos
de logros humanos,
en donde buscaríamos el arte, 
hay dos grupos muy diferentes.
Uno para arquitectura, 
escultura y manufactura,
llamadas "las artes mecánicas".

Spanish: 
Y en una categoría aparte
vemos la pintura y la perspectiva
bajo el título de "óptica".
La idea de homogeneidad
en un artista o en las artes plásticas
aún no existe.
Si nos adelantamos a 1751,
observamos la enciclopedia de Diderot.
Y por primera vez, las artes se agrupan
tal y como las conocemos hoy.
Música, pintura, escultura,
arquitectura y grabado
aparecen en el mismo grupo.
Y, es más, las agrupó 
en el ámbito de la imaginación.
La imaginación es, pues, como 
un reino superior del logro humano
mucho más alto que la memoria y la razón,
los otros dos grupos de Diderot.
¿Y qué sucede al elevar el arte 
al ámbito superior de la imaginación?
Se convierte casi en una religión,
y los artistas en una especie
de sacerdotes seculares.

English: 
Now, in a separate category,
we have painting
and perspective under optics.
So, in other words,
this idea of like a unified artist,
a unified set of fine arts
doesn't yet exist.
Now, if we fast forward
a mere 23 years, to 1751,
we're looking at
Diderot's "Encyclopédie" here.
And now, for the first time,
we have a real grouping of art
as we know it today.
So music, painting, sculpture,
architecture, engraving -
these are all grouped together,
and what's more,
Diderot grouped them under
the realm of the imagination, right?
So the imagination,
it's this like higher realm
of human achievement
than even memory and reason,
which were Diderot's other two categories.
Now, what happens when we elevate the arts
to this higher transcendent realm
of the imagination?
It basically becomes a quasi-religion,
and artists become
these sort of secular priests.

English: 
And, you know, like all religions,
art starts to develop
its own institutions,
its own way of thinking,
its own behaviors,
and it's own intermediaries -
these people who can speak
directly to the gods
and translate for the rest of us laymen.
So it's these intermediaries
that I'm kind of calling "the art world,"
And again, just like in religion,
they have their own liturgical language.
You might recognize this, or you
might have encountered it elsewhere.
Here's an example:
"Humanity has aspired to elevation
and desired to be free from alienation
and subjugation to gravity.
The physical and existential dialectic,
which is in a permanent state
of oscillation between height
and willful falling,
drives us to explore
the limits of balance."
So, if you need an interpretation here,
this is kind of just saying
something about standing up.
Now, quite recently, two researchers,
Alix Rule and David Levine,

Spanish: 
Y, como en todas las religiones,
el arte comienza a desarrollar
sus propias instituciones,
su manera de pensar,
sus propias conductas 
y sus propios intermediarios,
que son quienes pueden hablar
directamente con los dioses
y transmitirlo al resto de nosotros.
Son estos intermediarios
a los que llamo "el mundo del arte",
y como en la religión, 
tienen su propio lenguaje litúrgico.
Quizás reconozcan esto
o lo hayan visto en alguna parte.
Este es un ejemplo:
"La humanidad aspira a la grandeza,
al deseo de ser libre de la enajenación
y a la dominación de la gravedad.
Una dialéctica física y existencial,
que está en un estado 
permanente de oscilación
entre el ascenso y el descenso voluntario,
nos impulsa a explorar
los límites del equilibrio".
Podemos interpretar esto
como "ponerse de pie".
Recientemente, dos investigadores,
Alix Rule y David Levine,

English: 
discovered that this type of language
has enough unique linguistic traits
to be considered its own dialect:
It has its own syntax;
it has its own vocabulary, so it uses
words like "aporia" and "transversal,"
that none of us use in everyday language.
Now, you might ask,
"Why does the art world speak like this?"
And, you know, in good faith,
there are some historic reasons
that have to do with theories
on the way that art produces meaning.
But really, this type of language
is a social marker;
it designates an inside
and an outside group,
which means that language like this,
whether it's in
a press release or an article,
it's generally not written for you.
Now, I know this is frustrating, okay.
I find it frustrating too.
I don't get this type of language often.
And the thing that I find
most frustrating about it
is, actually, the fact
that it's often used
to cloud what might otherwise be
a very simple work of art.

Spanish: 
descubrieron que este lenguaje
tiene rasgos propios suficientes
para considerarse un dialecto
en sí mismo:
tiene su propia sintaxis,
su propio vocabulario con palabras
como "aporía" y "transversal",
que nadie utiliza en el día a día.
Y, claro, nos preguntamos: ¿por qué 
el arte habla de esta manera?
A decir verdad, hay
algunas razones históricas
relacionadas con la teoría 
sobre cómo el arte crea significado.
Pero en realidad, este tipo
de lenguaje es un indicador social
que designa a un grupo 
interno y a uno externo,
es decir que si uno lo lee
en un boletín o en un artículo,
generalmente no está escrito para ti.
Sé que esto es una frustración,
y para mí también lo es.
A veces tampoco lo entiendo.
Y lo más frustrante es que se usa
casi siempre para complicar
lo que de lo contrario sería
una obra de arte sencilla.

English: 
And what's unfortunate about this
is that it makes it easy to dismiss art
that might be simple or that we don't like
as bullshit.
So, for example, if I see
the cult horror movie,
"Leprechaun: Back 2 tha Hood," -
it's a - if you haven't seen it,
it's about some hip-hop performers
who accidentally unleash a leprechaun
from his magic prison,
and, you know, if I saw this,
I would probably feel empowered to say
that I don't like it, right?
But if someone presented it to me
as being about the existential plight
of urban youth and the barriers,
both real and imagined,
physical and uncanny,
that problematized their post-capitalist
pursuit of fame and wealth,
I'm going to call, "Bullshit."
Again, this is really unfortunate
because what it does
is it allows us to dismiss art
that we don't like as a sham,
and it would be preferable
if you felt empowered to just say
that you don't like this art.

Spanish: 
Y es lamentable que esto haga
que el arte simple se desestime
como si fuera una porquería.
Por ejemplo, en la película de terror
"El duende maldito: 
de vuelta en el barrio",
si no la han visto, se trata
de unos artistas de hip-hop
que liberan por accidente
a un duende de su prisión mágica.
Si yo la viera, creo
que me sentiría capacitada
para decir: "No me gusta", ¿verdad?
Pero si me la plantearan como la lucha
existencial de la juventud urbana
para superar las barreras,
tanto reales o imaginarias,
físicas y misteriosas que se interponen 
en su búsqueda poscapitalista
de fama y riquezas... pues
yo lo llamaría "una porquería".
Como dije, esto es lamentable
porque nos lleva a despreciar
el arte que no nos gusta
y llamarlo una "farsa".
Y quizás sería preferible decir
"no me gusta ese tipo de arte",

Spanish: 
porque si dices que no te gusta,
insinúas que hay otro arte que sí.
Y eso quiere decir que tienes una opinión,
y ese es uno de los primeros 
pasos para entender el arte.
Voy a hablar un poco
sobre ese tipo de arte.
Son casi 250 años en que el arte
no se trata de belleza,
ni de destreza.
Si recordamos los grupos de Diderot,
se trata imaginación, ¿verdad?
Y si el arte es imaginación e ideas,
y si las ideas son lo primordial,
esto implica que sus formas 
y técnicas son secundarias.
En los años 60 surgió el arte conceptual,
que llevó esta premisa
a su conclusión lógica.
Les muestro un ejemplo:
"Una y tres sillas" de Joseph Kosuth.
Lo que en realidad expone es
¿cómo sabemos qué es una silla?
Parece una pregunta simple,
pero Kosuth se la hace.
¿Es porque entendemos
la reproducción fotográfica de una silla

English: 
Because if you don't like it,
it follows that there's art that you like.
And that means you have an opinion,
which is one of the first
steps of getting art.
I'm going to talk a little bit
about that art now.
So, again, you know,
about 250 years it's been now
that art has not been about beauty.
It hasn't been about craftsmanship.
It's really been about
the imagination - right? -
if we recall Diderot's groupings.
And if art is about the imagination,
about ideas, and the idea is primary,
then it follows that its form
and techniques are secondary.
Now, there was actually an entire movement
of art - conceptual art - in the 1960s
that took this premise
to its logical conclusion.
We see an example here.
This is Joseph Kosuth's
One and Three Chairs.
And the work is really asking,
how do we know what a chair is?
It seems like a simple question,
but, you know, Kosuth is wondering,
is it because we understand
photographic reproductions of a chair?

Spanish: 
o porque conocemos su estructura,
o simplemente por la palabra "silla",
cuya definición todos compartimos?
Si extrapolamos esta obra,
en realidad pregunta:
¿por qué las cosas significan
lo que significan?
O como Kosuth dijo: "El arte no trata
de colores o formas, sino de significado".
Voy a suponer que después
de esta explicación, la mayoría de Uds.
entienden esta obra.
Puede que no sea atractiva 
o interesante, y concuerdo con Uds.
Pienso que en esta obra las ideas
son demasiado claras, casi perfectas,
que en realidad se vuelve aburrida.
El arte contemporáneo
no tiene que ser así.
Y lo que me resulta más interesante
sobre el arte no son las ideas en sí,
sino cómo se expresan.
Este "cómo" es lo que
los historiadores del arte

English: 
Is it because of its physical form?
Or because of the word "chair,"
whose definition
we agree upon by convention.
Now, if we extrapolate out the work,
it's really asking,
why do things mean what they mean?
Or as Kosuth has said,
"Art isn't about colors and forms,
it's about meaning."
Now, I'm going to guess
that after this explanation,
most of you get this work.
But you might not find it
particularly compelling or interesting,
and I have to say I would
sort of agree with you there.
You know, I think that the work is -
the ideas are a little bit too clean,
almost too perfect for me,
that they become a little boring.
And contemporary art
doesn't have to be like this.
You know, in fact, what I often find
most interesting about art
are not the ideas themselves,
but how they're expressed.
This "how" is something

English: 
that art historians might call
"strategies" or "modes,"
if you've ever heard those terms before.
And it's with these strategies, often,
that we find some of the most interesting,
creative solutions and great innovations.
I want to share five of these
strategies with you right now.
So, artists might just want to create
a new sensory experience,
simple as that.
James Turrell, whose work
we see here installed in the Guggenheim,
he said, "I wanted to create a light
that was like the light
you see in your dreams."
That's really what this work is;
you go in and it is
this revelatory experience of light.
Simple as that.
Artists might embed meaning in materials.
So, in 2014, Kara Walker took over
the Domino Sugar factory in Brooklyn.
This was a 130-year-old abandoned factory.
And she created this monumental sphinx.
So you might notice here that this sphinx,
it has what we could call
these traditional "mammy" features,

Spanish: 
llaman "estrategias" o "modos"
si es que han escuchado esos términos.
Y dentro de las estrategias
es donde vemos las soluciones
más interesantes y creativas,
y las mayores innovaciones.
Voy a compartir con Uds.
cinco de estas estrategias.
Quizá los artistas solo quieran buscar
una nueva experiencia sensorial,
así de simple.
James Turrell, con obras
en el Guggenheim de Nueva York,
dijo: "Quería crear una luz,
como la que se ve en los sueños".
Y es lo que muestra en esta obra:
es como una experiencia reveladora
sobre la luz al entrar. Así de simple.
Los artistas pueden incorporar
el significado en los materiales.
En 2014, Kara Walker, ocupó la refinería
de azúcar "Domino" en Brooklyn.
Es una fábrica abandonada de 130 años,
y creó esta esfinge monumental.
Se aprecia que la esfinge tiene
rasgos típicos de la criada negra;
es la imagen estereotipada
de una esclava negra.

Spanish: 
Walker usó más de 30 toneladas
de azúcar para hacer esta obra.
Usó azúcar. ¿Cuál es su significado?
Por supuesto, es la conexión
con el lugar, la refinería "Domino",
y también el azúcar fue un factor 
importante en la trata de esclavos.
Walker quiere que hagamos nuestras
propias asociaciones con el azúcar;
su significado en la vida diaria
y en nuestra violenta historia.
Quizá, cómo esta historia se relaciona
con nuestra vida en el presente.
Los artistas a veces solo
tratan de evocar emociones,
ya sea alegría o nostalgia
de los globos de la infancia.
Para toda emoción, hay siempre
una obra que la expresa.
[Arte sobre el arte]
Este es un tema más difícil, pero 
los artistas se la pasan creando arte,
se implican en él y con su historia.
Esta obra de Mark Flood se titula
"Another Painting" [Otro cuadro más].

English: 
so it's very much a stereotypical image
of a black female slave.
Now, Walker used over 30 tons of sugar
to produce this work.
So, sugar. What does it mean?
I mean it connects the work
to its site, of course,
the Domino Sugar factory,
but sugar was also
a major driver of the slave trade.
So Walker is really trying
to get us to think about
our associations with sugar.
What it means in our everyday lives,
what it means in our violent history.
And then, maybe, how that history relates
to our present day and our own lives.
Artists sometimes
just want to evoke emotions,
whether it's joy or maybe nostalgia
for the balloon animals of our youth.
You know, whatever emotions
exist out there,
there's a work of art that expresses it.
[Art About Art]
Now, this is a little bit
more of a difficult one,
but artists spend their lives making art;
they're going to engage with it
and engage with its history.
This is a work of art by Mark Flood
called "Another Painting."

Spanish: 
Si nos imaginamos en una feria 
de arte, el lugar donde las galerías
venden sus obras,
y ya has visto miles de obras 
en venta, puesto tras puesto,
y al final ves esto: "otro cuadro más".
Aquí vemos a Niki de Saint Phalle.
En la década del 60 empezó
a dispararles a sus lienzos.
Es un gran acto de nihilismo:
literalmente dispararle
al soporte esencial del arte
de los últimos 500 años.
Los artistas también 
expanden sus posibilidades,
yendo más allá de los soportes
y espacios convencionales del arte.
En 1970, Robert Smithson
crea "Muelle en espiral",
una masa terrestre artificial
que penetra casi 500 metros
dentro del Gran Lago Salado.
Aquí, Smithson usa la tierra
como su soporte y su museo.
Vemos a Azuma Makoto,
que se asoció con JP Aerospace

English: 
Now, imagine that you
are going to an art fair,
which is where galleries
sell their works of art,
and you've seen thousands
of works all for sale,
booth after booth,
and you finally see this:
it's like another painting.
Here's Niki de Saint Phalle.
In the 1960s, she started shooting
her canvasses with a gun.
So this is this great act of nihilism;
this literally taking aim
at the medium that has dominated art
for the past 500 years.
Artists also expand possibilities,
moving beyond just the normal mediums
of art and the normal spaces of art.
So Robert Smithson's
Sprial Jetty, from 1970 -
it's a man-made land mass that juts out
1500 feet into the Great Salt Lake.
So Smithson, here,
is literally making the earth itself
his medium and his museum.
Or here we see Azuma Makoto,
who teamed up with JP Aerospace

English: 
to blast bonsais out
into earth's stratosphere -
91,000 feet -
and filmed them with GoPros.
So, these artists are showing that,
literally, art could be about anything,
and it can be experienced anywhere,
whether on earth or even beyond.
This brings us to you.
So, I bet you're asking at this point,
how are you going
to start experiencing this art?
Well, I think a really good
first place to start
is that we saw now
that art can be about anything,
which means that, chances are,
there's a work of art out there
that's relevant to something
that you care about
or that's relevant to your own life.
Whether you're interested
in topics of gender and identity,
or maybe politics and
the Black Lives Matter movement,
maybe technology
or maybe just a fun and interesting
new way of interacting with people.
This is one of my favorite works.

Spanish: 
para lanzar un bonsái 
a la estratosfera, a más de 27 700 metros,
y filmarlo con cámaras GoPro.
Estos artistas muestran que el arte
puede ser sobre cualquier cosa
y experimentarse en cualquier parte,
ya sea en la Tierra, o más allá.
Esto nos lleva a ustedes.
Supongo que se preguntan:
¿Cómo voy a empezar
a experimentar este arte?
Un buen comienzo es saber que 
el arte puede ser sobre cualquier cosa,
y es probable que en algún lugar
haya una obra relevante
relacionada con algo de nuestra
vida, algo importante para uno,
ya sea un interés por temas
de género e identidad, o política
y el movimiento 
"Las vidas negras importan",
quizá tecnología o solo como una forma
nueva y atractiva de interactuar.

English: 
It's by the collective
Electronic Disturbance Theater,
and it's called
the Transborder Immigrant Tool.
Now, this artwork actually consisted
of a series of burner phones
that were handed out
to undocumented immigrants
crossing the Mexican border
into Southern California.
And the phones contained GPS units
that could lead them to water
in the Southern California desert.
Now, the phones
also included poetry, right?
Because they're works of art.
And because these phones were being used
to aid undocumented immigrants,
this group came under investigation
by the FBI cyber crimes unit,
and during an interrogation,
the FBI asked them, you know,
why was there poetry on the phones.
"Is this poetry encrypted?"
And the group's response was,
"Well, isn't all poetry encrypted?"
So, art is a lot like this, right?
It's an encrypted form of meaning.
But there's not just one meaning, right?

Spanish: 
Esta es una de mis obras favoritas
del colectivo de arte
"Teatro de Disrupción Electrónica"
y se llama "Artefacto
de inmigración fronteriza".
Consiste en una serie
de teléfonos de prepago distribuidos
a los inmigrantes indocumentados
que cruzaban la frontera de México
para entrar al sur de California.
Los teléfonos incluían sistemas GPS
que los guiaba al agua en el desierto.
Los teléfonos también incluían
poesía, porque son obras de arte.
Y como eran para ayudar 
a los inmigrantes indocumentados,
este grupo fue investigado
por la unidad de ciberdelitos del FBI,
y durante un interrogatorio
el FBI preguntó por qué había poesía.
"¿Es poesía encriptada?".
Y la respuesta fue:
"¿No está toda poesía encriptada?".
El arte se parece mucho a esto ¿verdad?
Es una forma encriptada de significado.
Y no siempre tiene
solo un significado, ¿verdad?

English: 
There's not the meaning
that the FBI expected to find,
some kind of code word;
there's multiple meanings.
And to try to understand this art,
to try to decrypt it, so to speak,
we just need to think about
the strategies that I discussed,
right? those five strategies,
and we can use those
to reverse-engineer the questions
that you can ask next time you see art.
So first ask yourself,
what do I see here?
what am I experiencing?
can I touch the art? can I go into it?
If you're experiencing something new,
it might be enjoyable, it might not be,
but if you can notice that,
that might be it,
you might already get the art.
Another thing - what are the materials?
This is Damien Hirst's
For the Love of God.
It's a skull that includes
8,000 flawless diamonds.
So what is Hirst trying to say
by using this material?
What do I feel? Why?
What is the artist doing
that makes me feel that?

Spanish: 
No es la respuesta que el FBI buscaba,
algún tipo de palabra clave.
Hay varios significados.
Y para tratar de entender esta obra, 
o por así decirlo, descifrarla,
solo necesitamos pensar en esas 
cinco estrategias que expliqué,
y "desmontar" las preguntas que 
puedes tener la próxima vez que veas arte
Al ver una obra, pregúntense:
¿qué veo aquí?, ¿qué siento?,
¿puedo tocar el arte?,
¿puedo entrar en él?
Si se siente algo nuevo,
puede ser agradable o no,
pero si se nota eso, sin más,
puede bastar para entenderlo.
Otra pregunta. ¿Qué materiales se usan?
Esta obra de Damien Hirst
se titula "Por el amor de Dios".
Es un cráneo que contiene
8000 diamantes impecables.
¿Qué trata de expresar Hirst
al usar este material?
¿Qué siento? ¿Por qué?
¿Qué hace el artista para provocar
ese sentimiento en mí?

Spanish: 
Y, por último, ¿qué es lo que esta obra
dice sobre otras obras?
Esta puede ser la pregunta más difícil
porque requiere conocimiento previo,
pero se puede leer un artículo,
la ficha en la pared.
Y ahora que ya sabemos
cómo funciona este lenguaje,
el tipo de lenguaje que se usa
en un artículo de arte,
quizá se pueda "traducir".
Y si eso permite captar
una idea, ya es gran avance.
Creo que el 99 % del arte
que seguimos sin "captar"
al hacernos estas preguntas,
quizás la cuestión es 
que no nos gusta, sin más.
¿Y saben qué?
Probablemente haya personas
a las que les pasa lo mismo.
¡Y no pasa nada!
Vayan a ver obras de arte
y no hace falta que les gusten,
que no les agraden muchas de ellas,
porque sobre la marcha

English: 
And lastly, what does this art
say about other art?
Granted, this might be
the most difficult question to answer
because it does require
some prior knowledge,
but you can, you know,
look at a press release, look
at a wall label, try to read about it.
And now that you know a little bit
about how this type of language works,
the type of language that you're going
to encounter in a press release,
maybe you can translate that into English,
and if you can take one idea from it,
that's a great place to start.
Now, I'm going to guess
that for about 99%
of the work that you see,
if you ask yourself these questions
and you still don't get it,
it might be that what's going on
is that you don't like it.
And you know what?
There's probably other people
out there who feel the same way,
and that's okay.
You know, I think, by all means,
I want you to go out there
and dislike art,
dislike a lot of art
because along the way,

English: 
you might actually find art that you like.
Thank you.
(Applause)

Spanish: 
encontrarán arte que sí les guste.
Gracias.
