No recuerdo cuando decidí ser cinematógrafo.
No fue un momento específico en el que decidí que era lo que quería hacer.
Estudié cinematografía durante muchos años
y un día decidí que ese era el camino que quería tomar.
Y eso es todo: empezó mi viaje.
ORÍGENES
Vengo de un pequeño pueblo en los Estados Unidos
que se llama Little Kentucky.
Es un pueblo realmente pequeño.
Mis abuelos eran forenses, trabajaban en casa.
Pasé la mayor parte de mi vida en ese entorno, en ese mundo.
En mi familia había muchos artistas.
Había algunos artistas en mi comunidad.
El arte me ha gustado desde siempre.
Y específicamente me gustan las imágenes.
De joven no era un gran lector de libros.
Siempre miraba el centro del libro.
Recuerdo que si elegía un libro era una autobiografía.
Y si elegía una autobiografía buscaba el centro del libro porque
es donde están todas las fotos del protagonista del libro.
Siempre había una parte bien editada de imágenes en el centro del libro.
Y esos son los primeros momentos conscientes de creador de imágenes.
Cuando creces en una funeraria…
las funerarias se centran en la estética, en el diseño, en hacer que las personas que vienen
a despedirse de sus seres queridos se sientan cómodos.
Se trata de crear un espacio y una vibración donde
podemos cambiar nuestra asociación mental con la muerte.
La funeraria en la que crecí fue decorada por mi abuela
a la que le encantaba la estética.
De joven no sabía lo que era un cinematógrafo,
pero crecí rodeado de mucha imagen,
en un entorno intenso.
CULTURA Y CONTEXTO
Siento que para mi la cultura es el centro de todo.
Mi cultura local, mi cultura como hombre negro en los Estados Unidos,
mi cultura como persona que viene de Little Kentucky
es muy importante en mi forma de conceptualizar imágenes.
Lo percibo como relevante en mi forma de ayudar a crear imágenes.
La cultura para mi es el inicio.
En la cultura tenemos acceso al arte, a los símbolos,
y muchas otras cosas que nos ayudan a acelerar nuestra forma de ver el mundo,
de contar las historias visualmente.
Mi cultura local es mi tintero para cuando ayudo a desarrollar imágenes.
Mi profesor decía que tendríamos que desarrollar una tecnología capaz de ir al espacio
y capturar la voz de nuestros antepasados.
Cuando las personas hablan, mueren, cantan o tocan un instrumento
esas ondas de sonido no desaparecen.
Simplemente salen al espacio.
Él veía la cinematografía como un medio para elevarse a la atmósfera,
al espacio y conseguir extraer de esas voces en la estratosfera
y traerlas nuevamente a la tierra.
Esperaba que la cinematografía fuera una buena herramienta para conseguirlo.
Me gusta pensar que la cinematografía es un buen aparato, capaz de contener energía,
energía que te haga sentir en casa, energía que te haga sentir humano.
Cada cultura tiene una forma de imaginarse a sí misma.
Puede ser con pinturas rupestres, jeroglíficos,
estas son culturas que intentan crear una serie de dibujos
que cuenten la historia de su existencia.
Espero que la cinematografía sea una continuación de creación de esas imágenes
para poder contar la historia de nuestra existencia.
SER DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA
Esa es una pregunta muy difícil.
Para ser honesto, no sé qué significa ser cinematógrafo.
Es una parte de mí con la que sigo luchando.
Creo que la cinematografía lleva un montón de equipaje
y yo estoy todavía deshaciendo ese equipaje
No he llegado al núcleo para poder saber lo que estoy intentando decir
a través de esta forma de arte.
Por eso encuentro difícil definir en este momento de mi carrera
lo que significa ser un cinematógrafo.
Sé que un cinematógrafo es un artista, y sé que cada artista vive la vida de artista.
Los que son fieles y sinceros hacia esta forma de arte
están viviendo una vida de artista.
Eso significa que comemos, dormimos, bebemos y soñamos imágenes todo el tiempo
y eso es el principio de lo que hace un cinematógrafo.
Pero el significado de ser cinematógrafo creo que todavía es un trabajo en curso.
No creo que pueda contestar a esa pregunta.
ANALÓGICO O DIGITAL
Como comenté antes, el cine está cargado de problemas económicos.
Si no tienes el dinero, no puedes hacer una película.
Cuando grabamos en analógico, eso era más real que nunca.
Los laboratorios tenían el poder.
Podías adquirir o robar un rollo de película,
podías pedirle una cámara a un amigo y podías grabar el rollo de película.
Pero cuando lo dejabas en el laboratorio, tu negativo se transformaba en un rehén.
Necesitabas dinero para liberar tus piezas, para liberar tu negativo,
para liberar tus copias.
Vengo de un país que tiene muchas diferencias económicas.
Algunos viven mejor que otros.
En ese sentido el cine es cine.
El cine como material tangible siempre ha sido para mi un material de élite
porque no incluía a todo el mundo,
no todo el mundo tenía acceso a ello.
Si venías de cierto contexto cultural o comunidad podrías no tener acceso al capital
o la economía necesaria para comprar el rollo de película
y enfrentarte con todo el proceso y elementos creativos necesarios una vez grabado el rollo.
A lo mejor no tenías el dinero para poder hacerlo
Con lo digital ahora no tienes el mismo problema.
Hemos eliminado muchas barreras entre nosotros, los artista y ellos, los distribuidores
Y ahora más que nunca somos nosotros los artistas
y nosotros los distribuidores de la película.
El cine tenía la tendencia de ser sexista, de ser racista,
de ser etno-céntrico porque no era accesible a todo el mundo.
Lo digital creó una democracia interesante donde con pocos dólares
todo el mundo puede comprar una cámara y contar sus historias.
No tenemos que lidiar con laboratorios y con el coste de un rollo de película.
Era dificultoso cuando queríamos grabar nuestra película
porque no era accesible a todo el mundo.
Lo digital lo ha hecho accesible para todos. Y eso es revolucionario.
Eso significa que habrá más películas,
habrá más voces porque podemos comprar cámaras por muy poco,
dárselas a los jóvenes para que cuenten su historia
y lo pueden hacer de forma bastante profesional.
ATMÓSFERA
El cine es una de esas formas de arte que no puedes tocar,
no puedes tocar la pantalla y sentir algo.
No puedes sentir nada tocando la pantalla.
Pero lo que sí puedes sentir es una relación invisible
entre lo que vemos en la pantalla y cómo nuestros cuerpos responden a ello.
Eso hace que tengamos que trabajar duro para recrear cierta atmósfera en la película,
para que sea una sensación intensa.
No podemos tocar el material.
Creamos el material que se proyecta en una dimensión plana,
pero no la podemos tocar,
no podemos poner las manos encima.
Tenemos la gran responsabilidad de crear una atmósfera,
crear una vibración, una energía en forma de arte
para que la gente tenga una experiencia intensa,
unas sensaciones fuertes cuando ven una película.
Lo que puedo hacer es leer el guión y entender dónde me encuentro yo en la historia.
Cuando entiendo dónde me sitúo yo en la historia
puedo ayudar a aportar atmósfera a la historia.
La casa de mi abuela en Chicago,
Illinois, tenía su atmósfera particular.
Entras, hueles un olor particular.
Había una energía palpable en la habitación, un calor.
Ella tenía la casa caliente.
Éstas son cosas que sientes, son energías, la vibraciones.
Y si volviera a su casa hoy, aunque ella no estuviera o si entrara en casa de otros
y sintiera un olor parecido al de la casa de mi abuela, me transportaría a su casa.
Y no importaría donde me encontrara.
Si estuviera en una casa en España y hubiera ese olor
me sentiría transportado instantáneamente a la casa de mi abuela.
Por eso, lo que puedo hacer es leer el guión y entende
r dónde se encuentra la casa de mi abuela.
Qué parte del guión puede estimular recuerdos en mi subconsciente
y llevarlo a un paisaje visual.
La sensación que una persona consigue
con esa atmósfera es universal, es una sensación universal.
INFLUENCIAS
Creo que el fotógrafo que ha formado mi manera de ver el mundo
como creador de imágenes es Roy DeCarava.
Roy DeCarava
trabajaba de una manera que espero poder conseguir en mi trabajo.
Es difícil de explicar lo que conseguía comunicar en cada imagen.
Había algo muy firme a nivel técnico y detrás de cada toma.
Su ojo, su capacidad de conectarse con la humanidad en el momento perfecto,
en el instante ideal ha sido y sigue siendo una grande inspiración para mi trabajo.
Si miras cualquier imagen de Roy DeCarava, de John Coltrane o Elvin Jones,
sólo la forma en la que existió, como cada toma existió en la oscuridad,
es una resonancia perfecta en la sombra.
En cada película intento conseguir eso.
En cada película intento conseguir esa resonancia perfecta de vida y energía en la sombra.
Y él lo conseguía sin esfuerzo. Era un maestro en eso.
Representa una gran referencia para mí.
Literalmente no iría más lejos de Roy DeCarava.
Siento que después de Roy DeCarava, vienen otros, pero él para mí es el árbol de la vida.
Es mi primer punto de partida.
Luego lo que hago es descubrir nuevos fotógrafos
basados en mi libre asociación con Roy DeCarava.
Estoy seguro que Harris Savides Loe o Gordon Willis
conocían el trabajo de Roy DeCarava
y si no era así creo que accedían a ello inconscientemente.
Esos tres artistas conversaban entre ellos de forma muy parecida.
Como puedes llegar en un momento de la existencia humana,
y fotografiar ese momento sin mucha interrupción
por parte del artista o el creador de imágenes.
Eso es lo que amo del trabajo de Roy DeCarava, de Harris Savides y de Gordon Willis.
Me gusta cómo esos artistas llegaron a ese momento de la humanidad,
y llegar como artista sin intentar implementar mucha tecnología en sus vidas.
Se quedaban a la espera del momento para capturarlo así como es.
Hay un pintor que uso como referencia ahora
porque una vez más tengo una relación muy parecida.
La historia entre las sombras,
la historia que explica cómo uno existe en relación con una historia unidimensional,
una superficie unidimensional de historias que se cuentan.
Chris Ofili es una gran inspiración para mí ahora.
Empezó con ‘Mother of George’ y desde entonces me ha fascinado,
emocionado e inspirado su trabajo como pintor
y su forma de hacer que la perspectiva
sea una parte de la experiencia al descubrir una pieza de su trabajo.
Tienes que verlo desde un ángulo preciso par ver el detalle
de la pintura que cuenta la historia.
Y si no estás alineado perderás el matiz. Es una referencia importante para mí.
SER SELECTIVO
Ya lo he dicho antes: esto es todo lo que tengo
Esto es plan A, B, C y D.
Si la cinematografía no funciona correctamente no tengo mucho más que dar, que ofrecer.
Sé que podría ser un buen padre y marido pero si no tengo una buena compañera...
si no tengo la cinematografía eso sería muy difícil.
Me mantiene vivo.
Cuando llega el momento de elegir un proyecto tengo que pensar en todas estas cosas.
Pienso constantemente en mi herencia cultural y lo que dejaré atrás como artista.
Y no sólo lo que dejo atrás como artista para los espectadores que ven mi trabajo,
si no también para mi hijo.
¿Qué es lo que dejo atrás para mis hijos, para las personas a las que más quiero?
Sé que mis seres queridos estarán orgullosos, haga lo que haga
pero quiero que estén más que orgullosos, quiero que digan:
Brad tomó las decisiones adecuadas, siempre eligió bien.
Esto de todas formas es relativo.
No creo que todas las películas que elija sean las adecuadas.
Solo puedo decir que cuando leo un guión, la representación
es algo muy importante para mí.
Cuando leo un guión, quiero estar seguro de que cada personaje de la peli
tiene un tiempo justo para ser ellos mismos en el contexto de una película.
No muchos guiones que leo son capaces de cumplir con esto.
Y esa es mi forma de juzgar entre qué voy a hacer y qué no voy a hacer.
se basa en que está intentando contar la película, quién está en la película,
qué está intentando hacer el director con estos personajes.
Todos los personajes de la película tienen un pasado,
una historia, una cultura, tienen padres, tienen su propia historia que contar.
Mi esperanza es que todas estas películas puedan y sean intentos de contar historias.
La historia de un personaje en particular no existe a costa de otro.
A cada uno se le da su momento para contar su historia.
De éstas historias no hay muchas, pocas tienen un buen equilibrio.
Además está el saber qué puedo ofrecer.
Yo tengo mi gusto personal en el tipo de cinematografía que quiero perseguir
y conseguir en cada película.
Cuando leo un guión me pregunto si la película será capaz de nutrir
mi gusto personal como cinematógrafo.
Y una vez más, eso no pasará en todas las películas, solamente en unas pocas.
Si rechazo una película no significa que el guión sea malo,
significa que no me habló, en el sentido de poder crear imágenes
y ayudar a tener una conversación y colaboración.
con otros artistas en el objetivo común de contar una historia
que tiene que expresarse a través de imágenes.
Elijo atentamente.
Si morimos en este coche ahora mismo quiero pensar
que mi trabajo habla por sí mismo, que diga:
hizo pocas películas, pero las que hizo las intentó hacer
con todas sus cualidades para superarse a sí mismo.
Para superarme a mi mismo.
No es cuestión de superar a los demás, no tengo ningún interés en eso.
Intento superarme a mí mismo.
Espero poder crecer con cada película que hago.
Quiero ser un anciano de 80 años que aún siga grabando películas y poder decir:
he crecido gracias a esta película. Pero si no puedo hacer eso, no estoy interesado.
UN CONSEJO.
El consejo que le daría a un joven cinematógrafo sería que esto no es una competición.
No dejes que te digan lo contrario...
No es un deporte, no estamos jugando un deporte.
Esto es la vida. No es un juego.
Coge cada oportunidad para hacer lo mejor que puedas.
No te dejes distraer o persuadir por la opinión de otros sobre qué es
y qué deja de ser lo bueno.
Eres la única persona que puede determinar qué es y qué deja de serlo.
Eres responsable de cada fotograma que creas.
Tú eres la persona que tiene que vivir y morir con cada fotograma que has generado.
La única manera para sentirnos cómodos con lo que hacemos
es si somos fieles a nosotros mismos y a quienes somos.
Mohamed Alí decía: ‘No voy a ser lo que tú quieres que sea, voy a ser el que yo quiero ser.’
Y creo que es lo que un cinematógrafo tendría que decir.
Un cinematógrafo tendría que ser capaz de perder su carrera por un fotograma.
Estoy dispuesto a no trabajar nunca más porque creo
que es tan importante crear este fotograma,
que si me quitan la comida de la mesa, no pasa nada.
Ésta es la conexión que tenemos que tener con esta forma de arte.
Si estás allí para grabar, ganar dinero y volver a casa, me parece bien,
¿qué te puedo decir? No sé qué significa eso.
Para mí, cada imagen representa el principio y el fin.
Por eso, si realmente amas lo que haces,
tienes que estar preparado para darlo todo
por encima de todos los obstáculos.
