
English: 
A few years ago, I saw an exhibition at the
Met Breuer Museum in New York about unfinished art.
The show included work from the Renaissance
through the 21st century, and it really moved
me--like, so much that I bought the hulking
book that accompanied the show.
I mean you could do bicep curls with this
thing and get reasonably fit.
But when I look at a painting like The Virgin
and Child with St. John and Angels, I am reminded
first that art is made by people.
We don’t know why this was left unfinished--it
may have been that a patron flaked, or that
a more interesting opportunity arose.
Artists are not like geniuses who are fundamentally
different from the us, but human beings who
live in time and space.
Like any of us, great artists are both making
history and being subjected to it.
Like us, they sometimes fail to finish things
because they get bored, or because they discover
a problem they can’t figure a way around,
or because they receive word that a loved

Portuguese: 
Alguns anos atrás eu vi uma exposição no museu Met Breuer em Nova York sobre arte inacabada.
A exposição incluía arte da Renascença até o século XXI e realmente me
moveu. Tanto que eu até comprei o livro enorme que acompanhava.
Quer dizer, você poderia exercitar os bíceps com esse negócio e ficar razoavelmente fitness.
Mas quando eu olho para uma pintura como "A Madonna e a Criança com São João e Anjos", eu me lembro
primeiramente que a arte é feita por pessoas.
Nós não sabemos porque ela foi deixada inacabada -- um patrono pode ter largado ou
uma oportunidade mais interessante apareceu.
Artistas não são gênios que são fundamentalmente diferentes de nós, mas seres humanos
que vivem no tempo-espaço.
Como qualquer um de nós, grandes artistas estão fazendo história e sendo parte da História.
Como nós, eles às vezes falham em acabar as coisas porque ficam entediados, ou porque descobrem
um problema que não conseguem contornar, ou porque recebem notícias

English: 
one is sick and they must abandon the work
to care for them.
Still, there can be so much wonder and beauty
to unfinished art--the figures to our left
just coming into being, almost sculptural
in their outline.
In the center of the picture, Mary is trying
to hold a book away from the baby Jesus, which
16th century viewers would’ve known to be
the part of the Book of Isaiah that foretells
of a messiah “pierced for our transgressions”
and “crushed for our iniquities.”
Even when your kid is the son of God, I guess
you still want to protect him from suffering.
Other times, the historical significance of
an artwork is not so much the work itself
as its context.
Like, in the United States, we have a tradition
of the Official Presidential Portrait.
And with the major exception of Kehinde Wiley’s
portrait of President Obama, most of these
portraits are--I’ll put this charitably--competent
but uninteresting.
It’s like, I’m touching papers; I’m
also touching papers; I prefer holding my

Portuguese: 
de que um ente querido está doente e precisam abandonar o trabalho para cuidar dele.
Ainda assim, existe uma beleza e maravilhosidade em arte inacabada -- as figuras à nossa esquerda
estão começando a existir, quase esculturais em seus contornos.
No centro da imagem, Maria está tentando segurar um livro longe do bebê Jesus, que
no século XVI as pessoas saberiam que era parte do Livro de Isaías, que prevê
um messias "furado por nossas trangressões" e "derrubado por nossas injustiças".
Mesmo quando seu filho é o filho de Deus, acho que você quer protegê-lo do sofrimento.
Outras vezes, o significado histórico de uma peça de arte não é tanto a arte em si
mas seu contexto.
Nos Estados Unidos, nós temos a tradição do Retrato Presidencial Oficial.
E, com exceção do retrato do presidente Obama por Kehinde Wiley, a maior parte desses
retratos são -- vou colocar isso gentilmente -- competentes, mas desinteressantes.
É tipo, estou encostando em papéis; também estou encostando em papéis; prefiro

English: 
paper; as do I; I’m touching papers while
holding my place in a book; and so on.
Anyway, Franklin Delano Roosevelt’s official presidential portrait is exactly as you’d expect.
It’s, you know, competent.
But by far my favorite painting of FDR is
this unfinished watercolor, painted by the
Russian-American artist Elizabeth Shoumatoff
in April of 1945.
FDR was seated at a card table, and Shoumatoff
had only been painting for a little while
when the President said, “I have a terrific
pain in my head,” and collapsed.
He died later that afternoon.
Shoumatoff never completed the painting, but
she later made a finished portrait based from
memory.
And in that finished portrait, of course,
the President is holding paper.
Both portraits romanticize a frail old man--I
mean the day before, Roosevelt looked like
this in a photograph.
But to me anyway Shoumatoff’s unfinished
portrait is more arresting and powerful than
her completed one--it’s a fierce and riveting
reminder that, to quote the last words of

Portuguese: 
segurar meus papéis; eu também; estou tocando papéis enquanto marco meu ponto em um livro e aí em frente.
Enfim, o retrato oficial de Franklin Delano Roosevelt é exatamente como você esperaria.
É, bem, competente.
Mas minha pintura do FDR favorita é essa aquarela inacabada, pintada pela
artista russo-americana Elizabeth Shoumatoff em abril de 1945.
FDR estava sentado a uma mesa de carteado e Shoumatoff só estava pintando há pouco tempo
quando o presidente disse "eu tenho uma grande dor na minha cabeça" e colapsou.
Ele morreu naquela mesma tarde.
Shoumatoff nunca completou a pintura, mas depois ela fez um retrato finalizado baseado
na sua memória.
E naquele retrato, claro, o presidente está segurando papéis.
Ambos os retratos romantizam um homem velho e frágil -- quer dizer, no dia anterior Roosevelt estava
assim em uma fotografia.
Mas para mim, de qualquer forma, o retrato inacabado de Soumatoff é mais impressionante e poderoso que
o terminado -- é um lembrete feroz e firme de que, para citar as últimas palavras de

Portuguese: 
outro presidente americano, "todos nós vamos".
O poder da pintura inacabada está parcialmente no contexto histórico, claro -- se a
artista tivesse desistido nesse momento porque ela teve cãimbra nas mãos, a imagem não significaria
tanto.
Mas até então, toda arte depende de contexto.
Na verdade, tudo depende de contexto.
Na mesma linha, eu adoro a pintura inacabada de Benjamin West, "American Commissioners of the Peace Negotiating", que
deveria retratar o tratado que terminou a Guerra da Independência dos Estados Unidos.
Líderes do movimento da Independência, incluindo Benjamin Franklin, estão representados
aqui, mas a delegação britânica se recusou a posar para uma pintura comemorando sua derrota.
Outras vezes, trabalhos ficam inacabados porque o artista morre.
Esse foi o caso o retrato inacabado por Laura Knight de Vijaya Lakshmi Pandit,
presidente da Assembleia Geral da ONU.
Ou essa pintura de Gustav Klimt chamada "A noiva", que foi deixada incompleta quando Klimt faleceu

English: 
another U.S. President, “we are all going.”
The unfinished painting’s power is partly
in its historical context, of course--if the
artist had quit at this moment because she
had a hand cramp, the picture wouldn’t mean
as much.
But then, all art is context-dependent.
Really, all everything is context-dependent.
In a similar vein, I love Benjamin West’s
unfinished painting Treaty of Paris, which
was supposed to commemorate the treaty ending
the U.S. Revolutionary War.
Leaders of the American independence movement,
including Benjamin Franklin, are depicted
here, but the British delegation refused to
pose for a picture commemorating their defeat.
Other times, work goes unfinished because
the artist dies.
Such was the case with Laura Knight’s Unfinished
Portrait of Vijaya Lakshmi Pandit, former
president of the UN General Assembly.
Or this Gustav Klimt painting called The Bride,
which was left incomplete when Klimt died

English: 
in 1918, as a result of a global flu pandemic.
And then there is the gut wrenching story
behind Ford Maddox Brown’s painting “Take
Your Son, Sir,” which showed his wife Emma
holding their newborn son Arthur.
Brown abandoned the painting in 1857, when
Arther died at just ten months old.
In this way, an unfinished painting can be
a kind of memorial to an unfinished life.
When I look at this painting, I’m reminded
of Kafka’s novel The Castle, which was left
unfinished when Kafka died at 40 of tuberculosis.
The Castle ends, “She spoke with great difficulty,
it was difficult to understand her, but what
she said”.
And that’s the end.
We’ll never know what she said, just as
we’ll never know what Arthur’s life might
have been.
Unfinished paintings can also be important
to curators and conservators trying to understand
art history.
Like, take for example this Perino del Vaga
painting of the Holy Family with Saint John
the Baptist.

Portuguese: 
em 1918, como resultado de uma pandemia de gripe global.
E aí tem a história comovente por trás da pintura de Ford Maddox Brown "Take your Son, Sir!",
que mostra sua esposa Emma segurando o filho recém-nascido deles, Arthur.
Brown abandonou a pintura em 1857, quando Arthur faleceu com apenas dez meses de vida.
Nesse sentido, uma pintura inacabada pode ser um tipo de memorial para uma vida inacabada.
Quando eu vejo essa pintura, me lembro do romance "O Castelo" de Kafka, que foi
deixado inacabado quando Kafka faleceu aos 40 anos de tuberculose.
"O Castelo" termina com: "Ela falou com grande dificuldade, era difícil de entendê-la, mas o
que ela disse ".
E esse é o final.
Nós nunca saberemos o que ela disse, assim como nunca saberemos como a vida de Arthur
teria sido.
Pinturas inacabadas também podem ser importantes para curadores tentando entender
História da Arte.
Tipo, pegue como exemplo essa pintura por Perino del Vega da Sagrada Família com São João
Batista.

Portuguese: 
Você consegue ver o mapa que o artista deixou, conhecido como "underdrawing", e nisso pode vislumbrar algumas
das técnicas usadas para construir perspectiva e feições.
Como a curadora do Met Kelly Baum colocou, "Uma imagem inacabada é quase como um raio X, o que permite
que você você além da superfície da pintura, o que está por trás: versões anteriores, rascunhos
preparatórios, toda a arquitetura fundamental que normalmente está disfarçada ou suprimida."
Nesse sentido, pinturas inacabadas podem se tornar um tipo de arqueologia.
Quase dois mil anos atrás, Pliny, o Velho, escreveu em "História Natural" que "Os últimos
trabalhos de artistas e suas imagens inacabadas ... são mais admiradas que as que eles
terminaram, porque nelas são vistos os desenhos preliminares e os pensamentos
verdadeiros dos artistas".
E aí, claro, inacabamento também pode ser uma escolha artística -- como é nesse retrato
de Kerry James Marshall, onde não há preto na paleta da artista e os números de pintura

English: 
You can see the map the artist laid out, known
as underdrawing, and in doing so glimpse some
of the techniques used to construct perspective
and facial features.
As Met curator Kelly Baum put it, “An unfinished
picture is almost like an X-ray, which allows
you to see beyond the surface of the painting
to what lies behind: earlier versions, preparatory
sketches, all the underlying architecture
which is normally disguised and suppressed.”
In that sense, unfinished paintings can become
a kind of archaeology.
Almost two thousand years ago, Pliny the Elder
wrote in his Natural History, “The last
works of artists and their unfinished pictures
… are more admired than those which they
finished, because in them are seen the preliminary
drawings left visible and the artists’ actual
thoughts.”
And then of course unfinishedness can also
be an artistic choice--as it is in this portrait
by Kerry James Marshall, where there is no
black in the artist’s palette and the paint-by-numbers

English: 
work in the background remains unfinished.
The tradition of intentionally not finishing
something--sometimes known in art history
circles as the “non finito”--is widespread
in art history.
The art historian Carmen Bambach has argued,
for instance, that this astonishing portrait
was considered complete if unfinished by Leonardo
da Vinci.
And this gets at a complex question in art
and in life--does something have to look finished
to be complete?
My favorite artwork that explores that question
is Alice Neel’s James Hunter Black Draftee
from 1965.
Neel met James Hunter less than a week before
he was scheduled to fight in Vietnam after
being conscripted into the U.S. Army.
Hunter only showed up for one sitting with
Neel, who eventually decided to sign the painting
and declare it complete.
You can feel the worry and the weight of being
forced into a war not just in the detailed
face of the portrait, but also in its sketched
lines.

Portuguese: 
do trabalho ao fundo continuam inacabados.
A tradição de intencionalmente não terminar algo -- às vezes conhecida nos círculos de História da Arte
como "non finito" -- é difundida na História da Arte.
A historiadora de arte Carmen Bambach argumenta que, por exemplo, esse retrato estonteante
foi considerado completo, se ainda inacabado, por Leonardo da Vinci.
E isso leva a uma pergunta complexa na arte e na vida -- algo deve parecer acabado
para ser completo?
Minha peça de arte favorita que explora essa questão é "James Hunter Black Draftee" de Alice Neel,
de 1965.
Neel conheceu James Hunter menos de uma semana antes que ele fosse à guerra no Vietnã depois
de ser recrutado para o exército americano.
Hunter só apareceu para uma sessão com Neel, que eventualmente resolveu assinar a pintura
e declará-la completa.
Você pode sentir a preocupação e o peso de ser forçado a uma guerra não só no rosto
detalhado do retrato, mas também nas linhas esboçadas.

Portuguese: 
E ainda que as pinturas terminadas de Neel brilhem com ferocidade emocional, essa pintura
é especialmente assustadora por causa de seu acabamento incompleto.
E isso vai bem além na História da Arte, como a Renascença, muitos artistas usavam
a chamada assinatura pliniana, em que eles usavam a palavra em latim "faciebat"
ao assinar seus trabalhos.
Traduzida livremente, ao invés de dizer em latim "Essa escultura foi feita por mim", eles
assinavam "essa escultura estava sendo feita por mim", implicando um inacabamento permanente
sobre ela.
Na verdade, na única vez em que Michelangelo assinou um trabalho, a Pietà, ele usou
esse pretérito imperfeito.
A Pietà, claro, parece bem, bem, termianda --  o Jesus crucificado sendo segurado por sua mãe é
tão bem trabalhado que você enxerga suas costelas visíveis por sua pele.
O Cristo exposto e esquelético é drasticamente um contraste aos robes flutuantes e esvoaçantes de Maria.

English: 
And while Neel’s finished paintings often
shimmer with emotional ferocity, this painting
is especially haunting because of its incomplete
finishedness.
And this goes way back in art history, like
in the Renaissance, several artists employed
the so-called Plinian signature, wherein they
would use the Latin word “faciebat” when
signing their work.
Roughly translated, instead of saying in Latin
“This sculpture was made by me,” they
would sign, “this sculpture was BEING MADE
by me,” implying a permanent unfinishedness
about it.
In fact, the only time Michelangelo ever signed
a work, the Pieta, he used that imperfect
tense.
The Pieta, of course, looks very very finished--the
crucified Jesus being held by his mother is
so finely wrought that you can see his ribs
visible beneath his skin.
The gaunt, exposed Christ is starkly contrasted
with Mary’s flowing, billowing robes.

English: 
The abundance of life is holding the emaciation
of death.
It’s a hell of a sculpture.
But so are these, four famous unfinished sculptures
also attributed to Michelangelo.
The Pieta is made from marble, but these figures
seem encased in marble, almost as if they
are trying to emerge from it.
In these sculptures, known as “prisoners,
or slaves.”
chisel and mallet marks are still evident.
Michelangelo’s friend Giorgio Vasari wrote
that the figures are emerging from the marble
“as though surfacing from a pool of water.”
You can feel how hard it is to make a sculpture,
but you can also feel how hard it is to be
a person--especially in this sculpture, commonly
called “Atlas,” because the headless figure
is carrying so much weight.
Who among us hasn’t on occasion felt a bit
Atlas-y?

Portuguese: 
A abundância da vida está segurando o definhamento da morte.
É uma incrível de uma escultura.
Mas essas quatro famosas esculturas inacabadas, também atribuidas a Michelangelo, também são.
A Pietà é feita de mármore, mas essas figuras parecem encaixadas em mármore, quase como se
elas estivessem tentando emergir dele.
Nessas esculturas, conhecidas como "Prisioneiros" ou "Escravos",
marcas de talhadeira ainda estão evidentes.
O amigo de Michelangelo Giorgio Vasari escreveu que as figuras estão emergindo do mármore
"como se saindo de uma piscina de água".
Você pode sentir quão difícil é fazer uma estátua, mas você também pode sentir quão difícil é ser
uma pessoa -- especialmente nessa escultura, comumente chamada de "Atlas", porque a figura sem cabeça
está carregando tanto peso.
Quem entre nós nunca se sentiu um pouco Atlas?

Portuguese: 
Michelangelo famosamente uma vez escreveu que "Beleza é a purgação de excesso".
A Pietà perfeitamente polida e que tira o fôlego de tanta riqueza foi livrada de toda a superfluidade,
mas eu diria que os prisioneiros ou escravos também.
O suficiente do mármore sai para que nós sintamos a humanidade dessas esculturas -- um lembrete
que arte não precisa estar terminada para ser significativa.
Obrigada a todos os nossos apoiadores do Patreon por ajudar o The Art Assignment, especialmente os "grandmasters
of the arts" David Golden e Divided by Zero Collection.

English: 
Michelangelo famously once wrote that, “Beauty
is the purgation of superfluities.”
The perfectly polished, breathstealingly rich
Pieta has been purged of all that is superfluous,
but so I would argue have the prisoners or
slaves.
Just enough of the marble is gone for us to
feel the humanity of these sculptures--a reminder
that art need not be finished to be meaningful.
Thanks to all of our patrons for supporting
the art assignment, especially our grandmasters
of the arts David Golden and Divideby Zero
Collection.
