
French: 
Wassily Kandinsky est considéré comme le créateur de la «peinture abstraite», une révolution dans l'histoire de l'art.
Dans ce travail sont encore visibles des références dans le monde réel.
En fait, vous pouvez voir deux montés Cosaques avec des chapeaux de fourrure rouge-orange, corps jaunes, engagés dans des combats avec des épées.
Bien que les objets de la composition sont à peine reconnaissable, le sentiment de bataille est exprimée par des lignes diagonales qui entrent en collision et se croisent.

Italian: 
Wassily Kandinsky è considerato l’ideatore della “pittura astratta”, una vera rivoluzione per la storia dell’arte.
In quest’opera sono ancora visibili riferimenti al mondo reale.
Si possono infatti vedere due cosacchi a cavallo con i cappelli di pelliccia rosso-arancione, i corpi gialli, impegnati in un combattimento con le spade.
Anche se gli oggetti della composizione sono appena riconoscibili, la sensazione di battaglia è espressa dalle linee diagonali che si scontrano e si intersecano.

English: 
Wassily Kandinsky is considered the creator of the "Abstract Painting", a revolution in the history of art.
In this work are still visible references to the real world.
In fact you can see two mounted Cossacks with red-orange fur hats, yellow bodies, engaged in combat with swords.
Although the objects of the composition are barely recognizable, the feeling of battle is expressed by diagonal lines that collide and intersect.

Spanish: 
Wassily Kandinsky es considerado el creador de la "pintura abstracta", una revolución en la historia del arte.
En este trabajo son todavía visibles referencias al mundo real.
De hecho se puede ver a dos cosacos montados con rojo-naranja gorros de piel, los órganos de color amarillo, que participan en el combate con espadas.
Aunque los objetos de la composición son apenas reconocible, la sensación de batalla se expresa por las líneas diagonales que chocan y se cruzan.

Spanish: 
elemento central de toda la composición son los dos caballos blancos sobre el arco iris y el castillo, que se describe con líneas negras gruesas.
Es muy probable que el artista se refiere a la revolución rusa estalló en 1905 que dio lugar a profundos cambios sociales y políticos mediante el cobro de un precio muy alto en vidas humanas.
Los collages son la culminación de la carrera de Henri Matisse.
El artista después de 1948 que ya no podía trabajar en el caballete, ya postrado en cama por problemas de salud.
Una manera de seguir produciendo arte, entonces fue crear una serie de collages.
El título proviene de la forma en que se organizan por recortes de color que crean una espiral exactamente igual que la concha de un caracol.
Matisse aquí combina los colores complementarios como el rojo y el verde, azul y naranja, amarillo y púrpura obtener un fuerte efecto, vibrante.

French: 
élément central de l'ensemble de la composition sont les deux chevaux blancs sur l'arc en ciel et le château, décrit avec d'épaisses lignes noires.
Il est très probable que l'artiste fait référence à la Révolution russe a éclaté en 1905 qui a conduit à de profonds changements sociaux et politiques en facturant un prix très élevé en vies humaines.
Les collages sont le point culminant de la carrière de Henri Matisse.
L'artiste, après 1948, il ne pouvait plus travailler au chevalet parce alités pour des problèmes de santé.
Une façon de continuer à produire l'art a été ensuite créer une série de collages.
Ce titre provient de la façon dont ils sont disposés par des découpes de couleurs qui créent une spirale exactement comme la coquille d'un escargot.
Matisse ici combine couleurs complémentaires telles que le rouge et le vert, bleu et orange, jaune et violet obtenant un effet fort, dynamique.

English: 
central element of the whole composition are the two white horses over the rainbow and the castle, described with thick black lines.
It is very likely that the artist refers to the Russian Revolution broke out in 1905 that led to profound social and political changes by charging a very high price in human lives.
The collages are the culmination of the career of Henri Matisse.
The artist after 1948 he could no longer work at the easel because bedridden for health problems.
One way to continue producing art was then create a series of collages.
The title comes from the way in which they are arranged by color cutouts that create a spiral exactly like the shell of a snail.
Matisse here combines complementary colors such as red and green, blue and orange, yellow and purple obtaining a strong, vibrant effect.

Italian: 
Elementi centrali di tutta la composizione sono i due cavalli bianchi sopra l’arcobaleno e il castello, descritti con spesse linee nere.
È molto probabile che l’artista faccia riferimento alla rivoluzione russa scoppiata nel 1905 che portò profondi cambiamenti sociali e politici facendo pagare un prezzo molto alto in vite umane.
I collage costituiscono il coronamento della carriera di Henri Matisse.
L’artista dopo il 1948 non riuscì più a lavorare al cavalletto perché costretto a letto per problemi di salute.
Un modo per continuare a produrre arte fu quindi realizzare una serie di collage.
Il titolo dell’opera deriva dal modo in cui sono disposti i ritagli di colore che creano una spirale proprio come fosse il guscio di una lumaca.
Matisse qui accosta colori complementari come il rosso e il verde, il blu e l’arancione, il giallo e il viola ottenendo un effetto forte e vibrante.

English: 
The artist had no intellectual concerns, just chasing what reality suggested the
and it is nice to think that an elderly and sick man has been able to create a work of such joy, preserving to the last one as a child look.
Degas was known to the general public mainly as a painter, but the reality is quite different.
atelier artist who carved to paint better, were found after his death, one hundred and fifty models in wax or clay that were never exposed.
The only of these works to be performed was the dancer of 14 years you see here in the bronze version, presented by Degas Impressionist exhibition of 1881.
This dancer is a bronze statue, but also includes the use of other materials to give more realistic effect:

French: 
L'artiste avait pas de préoccupations intellectuelles, juste courir ce que la réalité a suggéré la
et il est agréable de penser qu'un homme âgé et malade a été en mesure de créer une œuvre d'une telle joie, conservant jusqu'au dernier comme un coup d'oeil de l'enfant.
Degas était connu du grand public en tant que peintre, mais la réalité est tout à fait différente.
atelier artiste qui a sculpté à peindre mieux, ont été trouvés après sa mort, cent cinquante modèles en cire ou d'argile qui ne sont jamais exposés.
Le seul de ces travaux à réaliser a été la danseuse de 14 ans, vous voyez ici dans la version en bronze, présentée par Degas exposition impressionniste de 1881.
Cette danseuse est une statue de bronze, mais comprend également l'utilisation d'autres matériaux pour donner effet plus réaliste:

Italian: 
L’artista non aveva preoccupazioni intellettuali, semplicemente rincorreva ciò che la realtà gli suggeriva
ed è bello pensare che un uomo anziano e malato sia stato in grado di realizzare un’opera di tale gioia, conservando fino all’ultimo uno sguardo da bambino.
Degas è conosciuto al grande pubblico principalmente come pittore, ma la realtà dei fatti è ben diversa.
Nell’atelier dell’artista che scolpiva per dipingere meglio, furono trovati, alla sua morte, circa centocinquanta modelli in cera o in argilla che non vennero mai esposti.
L’unica di queste opere a essere esibita fu la Ballerina di 14 anni che vedete qui nella versione in bronzo, presentata da Degas alla mostra impressionista del 1881.
Questa ballerina è una statua in bronzo, ma include anche l’utilizzo di altri materiali per dare un maggior effetto realista:

Spanish: 
El artista no tenía inquietudes intelectuales, simplemente persiguiendo lo que la realidad sugiere la
y es agradable pensar que un hombre anciano y enfermo ha sido capaz de crear una obra de tal alegría, preservando a la última como una mirada infantil.
Degas era conocido del público sobre todo como un pintor, pero la realidad es muy diferente.
atelier del artista que talló para pintar mejor, se encontraron después de su muerte, ciento cincuenta modelos en cera o arcilla que nunca fueron expuestos.
La única de estas obras a realizar fue la bailarina de 14 años que se ve aquí en la versión de bronce, presentada por Degas exposición impresionista de 1881.
Esta bailarina es una estatua de bronce, pero también incluye el uso de otros materiales para dar un efecto más realista:

French: 
les couleurs sont, cheveux authentique très naturel, est vêtu d'un tutu et réelle satin chaussures.
Le boîtier en verre est un élément juste voulu Degas que de cette manière ils ont reconnu son danseur l'état des travaux d'art.
Une œuvre touchante à la grande dignité exprimée par cette jeune femme.
En Janvier 1937, Picasso a été demandé de peindre une œuvre pour le pavillon espagnol de l'Exposition universelle à Paris et l'inspiration est venue d'un événement dramatique.
Le 26 Avril de cette année, les bombardiers allemands, envoyés par Hitler pour aider Franco, attaqué et dévasté la ville basque de Guernica, Espagne.
Deux jours plus tard, Picasso a commencé son célèbre tableau Guernica. Pour une partie du travail, qui est une femme qui pleure avec son bébé est mort dans mes bras, Picasso a fait plusieurs études comme celle-ci.
point focal de la composition est la zone accidentée autour de la bouche et des dents, serré sauvagement sur un mouchoir.

Italian: 
i colori sono molto naturali, i capelli autentici, è vestita con un tutù e con delle vere e proprie scarpette di raso.
La teca di vetro è un elemento voluto proprio da Degas che, in questo modo, riconosceva alla sua ballerina lo statuto di opera d'arte.
Un lavoro toccante per la grande dignità espressa da questa giovane donna.
Nel gennaio 1937 a Picasso fu chiesto di dipingere un’opera per il padiglione spagnolo alla Fiera mondiale di Parigi e l’ispirazione arrivò da un evento drammatico.
Il 26 aprile di quello stesso anno i bombardieri tedeschi, inviati da Hitler in aiuto a Franco, attaccarono e devastarono la città basca di Guernica, in Spagna.
Due giorni dopo, Picasso iniziò il celebre dipinto di Guernica. Per una parte dell’opera, che rappresenta una donna in lacrime con il suo bambino morto tra le braccia, Picasso fece numerosi studi come questo.
Punto focale della composizione è la zona frastagliata intorno alla bocca e ai denti, stretti selvaggiamente su un fazzoletto.

Spanish: 
los colores son, cabello muy natural auténtica, está vestido con un tutú y satén real de los zapatos.
La vitrina es un elemento sólo querían Degas que de esta manera se reconocen a su bailarín de la situación de la obra de arte.
Una obra conmovedora a la gran dignidad expresado por esta joven.
En enero de 1937, Picasso se le pidió a pintar una obra para el pabellón español de la Exposición Universal de París y la inspiración vino de un acontecimiento dramático.
El 26 de abril de ese año, los bombarderos alemanes, enviados por Hitler para ayudar a Franco, atacado y devastado la ciudad vasca de Guernica, España.
Dos días más tarde, Picasso comenzó su famoso cuadro Guernica. Por parte de la obra, que es una mujer llorando con su bebé murió en mis brazos, Picasso realizó varios estudios como éste.
punto focal de la composición es el área rugosa alrededor de la boca y los dientes, apretado violentamente en un pañuelo.

English: 
the colors are very natural, authentic hair, is dressed in a tutu and real satin shoes.
The glass case is an element just wanted to Degas that in this way they recognized her dancer the status of work of art.
A touching work to the great dignity expressed by this young woman.
In January 1937, Picasso was asked to paint a work for the Spanish pavilion at the World's Fair in Paris and the inspiration came from a dramatic event.
On April 26 of that year the German bombers, sent by Hitler to help Franco, attacked and devastated the Basque town of Guernica, Spain.
Two days later, Picasso began his famous painting Guernica. For part of the work, which is a crying woman with her baby died in my arms, Picasso made several studies like this.
focal point of the composition is the rugged area around the mouth and teeth, tight wildly on a handkerchief.

Italian: 
Il resto del volto è frammentato come se la donna fosse letteralmente spezzata dal dolore.
L’immagine di questa donna in lacrime diventò icona della sofferenza di tutti i popoli sotto il giogo delle dittature.
In quest’opera Dalì, il principe del surrealismo, scelse di rappresentare con un effetto allucinatorio la trasformazione di Narciso:
da figura in ginocchio a sinistra nello stagno, a fiore che spunta dall’uovo tenuto a destra da una mano gigante.
Nel paesaggio roccioso che fa da sfondo, spicca a destra una statua di Narciso su un piedistallo che ci mostra com’era il giovane prima della sua trasformazione.
L'artista creò l'opera per coinvolgere lo spettatore nella metamorfosi del protagonista facendo in modo che, per chi osserva il dipinto, Narciso svanisse a poco a poco, fino ad arrivare alla sua massima trasformazione.
Jackson Pollock è stato una figura chiave per il movimento espressionista astratto, nato negli Stati Uniti.

English: 
The rest of the face is fragmented as if the woman was literally shattered by grief.
The image of this woman in tears became an icon of the suffering of all the peoples under the yoke of dictatorships.
In this work Dalí, the prince of surrealism, chose to represent with a hallucinatory effect the transformation of Narcissus:
by kneeling figure on the left in the pond, a flower growing from the egg held on the right by a giant hand.
In the rocky landscape as a backdrop, stands on the right a statue of Narcissus on a pedestal that shows us as it was the young man before his transformation.
The artist created the work to involve the viewer in the metamorphosis of the protagonist making sure that, for those who keep the painting, Narciso vanish gradually, up to the maximum transformation.
Jackson Pollock was a key figure in the abstract expressionist movement, born in the United States.

Spanish: 
El resto de la cara está fragmentado como si la mujer estaba literalmente destrozada por el dolor.
La imagen de esta mujer en llanto se convirtió en un icono del sufrimiento de todos los pueblos bajo el yugo de las dictaduras.
En ella, Dalí, el príncipe del surrealismo, eligió para representar con un efecto alucinatorio la transformación de Narciso:
arrodillándose figura de la izquierda en el estanque, una flor que crece del huevo se sostuvo a la derecha por una mano gigante.
En el paisaje rocoso como telón de fondo, se encuentra a la derecha una estatua de Narciso en un pedestal que nos muestra como lo fue el joven antes de su transformación.
El artista creó la obra de involucrar al espectador en la metamorfosis de la protagonista de asegurarse de que, para aquellos que guardan la pintura, Narciso se desvanecen poco a poco, hasta la transformación máxima.
Jackson Pollock fue una figura clave en el movimiento expresionista abstracto, nacido en los Estados Unidos.

French: 
Le reste du visage est fragmenté comme si la femme a été littéralement brisé par le chagrin.
L'image de cette femme en pleurs est devenue une icône de la souffrance de tous les peuples sous le joug des dictatures.
Dans ce travail Dalí, le prince du surréalisme, a choisi de représenter avec un effet hallucinatoire la transformation de Narcissus:
par agenouillé figure à gauche dans l'étang, une fleur de plus en plus de l'œuf tenue sur la droite par une main géante.
Dans le paysage rocheux comme toile de fond, se dresse sur la droite une statue de Narcisse sur un piédestal qui nous montre comme il était le jeune homme avant sa transformation.
L'artiste a créé l'œuvre d'impliquer le spectateur dans la métamorphose de la protagoniste faire en sorte que, pour ceux qui gardent le tableau, Narciso disparaître progressivement, jusqu'à la transformation maximale.
Jackson Pollock était un personnage clé dans le mouvement expressionniste abstrait, né aux États-Unis.

Spanish: 
Pollock, desarrolló una técnica que le permitió expresarse con toda libertad, dejando caer gotas de pintura sobre el lienzo estirada en el suelo a través de la acción vigorosa de su cuerpo.
Esta forma de pintar se llama "pintura de acción".
Desde 1947, Pollock utilizó su técnica para producir pinturas abstractas coloridas y rítmicas.
Sin embargo, después de cuatro años, el artista comenzó a darse cuenta de las pinturas más homogéneas, eliminando los colores, tal como se ve en esta obra.
Elija un motivo único y reanudar sin descanso, al amanecer o al atardecer, en cada estación, calentado por el sol o azotado por la lluvia.
Eso es lo que hizo Claude Monet, muy a menudo utilizado para pintar en serie.
El trabajo que se ve aquí es parte de la serie "Nenúfares", que tiene un total de alrededor de 250 variaciones de un mismo tema.

English: 
Pollock, he developed a technique that allowed him to express themselves in complete freedom, dropping drops of paint on the canvas stretched on the floor through the vigorous action of his body.
This way of painting was called "action painting".
Since 1947, Pollock used his technique to produce colorful and rhythmic abstract paintings.
However, after four years, the artist began to realize more homogeneous paintings, eliminating the colors, just like you see in this work.
Choose a single plea and resume tirelessly, at sunrise or late afternoon, in every season, warmed by the sun or lashed by rain.
That's what did Claude Monet, very often used to paint in series.
The work you see here is part of the "Water Lilies" series, which has a total of about 250 variations of the same theme.

French: 
Pollock, il a développé une technique qui lui a permis de s'exprimer en toute liberté, laissant tomber des gouttes de peinture sur la toile tendue sur le sol par l'action vigoureuse de son corps.
De cette façon, de la peinture a été appelé "action painting".
Depuis 1947, Pollock a utilisé sa technique pour produire des peintures abstraites colorées et rythmiques.
Toutefois, après quatre ans, l'artiste a commencé à réaliser des peintures plus homogènes, ce qui élimine les couleurs, tout comme vous voyez dans ce travail.
Choisissez un moyen unique et reprendre inlassablement, au lever du soleil ou en fin d'après-midi, en toute saison, réchauffé par le soleil ou fouetté par la pluie.
Voilà ce que fait Claude Monet, très souvent utilisé pour peindre en série.
Le travail que vous voyez ici fait partie de la série "Nymphéas", qui a un total d'environ 250 variations sur le même thème.

Italian: 
Pollock mise a punto una tecnica che gli consentì di esprimersi in totale libertà, facendo cadere gocce di vernice sulla tela stesa sul pavimento attraverso l’azione vigorosa del suo corpo.
Questo modo di dipingere venne chiamato “action painting”.
Dal 1947 Pollock impiegò questa tecnica per produrre dipinti astratti colorati e ritmici.
Tuttavia, dopo quattro anni, l’artista cominciò a realizzare dipinti più omogenei, eliminando i colori, proprio come si vede in quest’opera.
Scegliere un motivo unico e riprenderlo instancabilmente, al sorgere del sole o a fine pomeriggio, in ogni stagione, scaldati dal sole o sferzati dalla pioggia.
È questo che faceva Claude Monet, abituato molto spesso a dipingere in serie.
L’opera che vedete qui fa parte della serie “Ninfee” che conta in tutto circa 250 variazioni dello stesso tema.

Spanish: 
El lienzo delante de usted es llenado por los lirios de agua y el agua, que evoca un mundo aparte, una inmersión total en la naturaleza.
Esta versión como las otras pinturas de este tipo, no fue muy apreciado por el público de la época.
No fue sino hasta décadas después de que la importancia de estas obras fue concedida, y varios artistas americanos y europeos siguieron los pasos de Monet en sus investigaciones hacia la abstracción.
Las pinturas de Rothko del último período se basan en la búsqueda de relaciones entre los colores que tienden a un oscurecimiento progresivo, a través de tele compuesto por dos rectángulos negros
y de color gris o marrón, equilibrada por la inclusión de una banda de contorno blanco.
En sus pinturas que parecen envolver al espectador, Rothko exploró con un dominio poco común de los matices del potencial expresivo de los contrastes de color:

Italian: 
La tela davanti a voi è riempita dall’acqua e dalle ninfee, evocando un mondo a parte, in totale immersione nella natura.
Questa versione come le altre tele di questo tipo, non fu molto apprezzata dal pubblico dell’epoca.
Fu solo nei decenni successivi che l’importanza di queste opere venne finalmente riconosciuta e diversi artisti americani ed Europei seguirono le orme di Monet nelle loro ricerche verso l’astrattismo.
I dipinti di Rothko dell’ultimo periodo sono basati su una ricerca di rapporti tra colori tendenti a un progressivo incupimento, attraverso tele composte da due rettangoli neri
e grigi o marroni, equilibrati dall’inserimento di una banda bianca di contorno.
Nei suoi dipinti che sembrano inghiottire lo spettatore, Rothko ha esplorato con una rara padronanza delle sfumature le potenzialità espressive dei contrasti di colore:

French: 
La toile en face de vous est rempli de nénuphars et de l'eau, évoquant un monde à part, une immersion totale dans la nature.
Cette version que les autres peintures de ce genre, il n'a pas été très apprécié par le public de l'époque.
Il a fallu attendre des décennies plus tard que l'importance de ces travaux a finalement été accordée, et plusieurs artistes américains et européens ont suivi les traces de Monet dans leurs recherches vers abstractionnisme.
Les peintures de Rothko de la dernière période sont fondées sur une recherche de relations entre les couleurs qui tendent à un assombrissement progressif, grâce à la télé composée de deux rectangles noirs
et gris ou brun, équilibrée par l'inclusion d'une bande de contour blanc.
Dans ses peintures qui semblent engloutir le spectateur, Rothko exploré avec une rare maîtrise des nuances dont le potentiel expressif des contrastes de couleurs:

English: 
The canvas in front of you is filled by water and water lilies, evoking a world apart, a total immersion in nature.
This version as the other paintings of this kind, it was not much appreciated by the public of the time.
It was not until decades later that the importance of these works was finally granted, and several American and European artists followed in the footsteps of Monet in their research towards abstractionism.
The Rothko paintings of the last period are based on a search for relationships between colors tending to a progressive darkening, through tele composed of two rectangles blacks
and gray or brown, balanced by the inclusion of a white contour band.
In his paintings that seem to engulf the viewer, Rothko explored with a rare mastery of the nuances the expressive potential of color contrasts:

English: 
visual elements such as brightness, darkness, the wide spaces and the color contrast, have been linked by the artist himself to profound themes like the tragedy, ecstasy and sublime.
Rothko, however, never explained the content of his work, believing that the abstract image protected directly represent the fundamental nature of the "human drama".
Its vibrant color works affirm the power of abstract painting in conveying an emotional and spiritual content.
The portraits of movie stars and American music, are endlessly repeated in the works of Andy Warhol.
The mentality of disposable consumer society led to instant use of the images and a cannibalism of the persons depicted in them:
Once it minimized the individual is a slave to the shallowness of the public gaze and the laws of the show.
And is a little 'what happened to Marilyn Monroe, who died prematurely, and in still unexplained circumstances in 1962.
In subsequent years, Warhol made a series of works on her, all based on the same photographic advertising created for the film Niagara.

Italian: 
elementi visivi come la luminosità, l'oscurità, gli ampi spazi e il contrasto dei colori, sono stati collegati dall'artista stesso a temi profondi come la tragedia, l'estasi e il sublime.
Rothko, tuttavia, non spiegò mai il contenuto del suo lavoro, credendo che l'immagine astratta protesse rappresentare direttamente la natura fondamentale del "dramma umano".
Le sue vibranti opere di colore affermano il potere della pittura astratta nel trasmettere un contenuto emotivo e spirituale.
I ritratti dei divi del cinema e della musica americana, sono infinitamente ripetuti nelle opere di Andy Warhol.
La mentalità usa e getta della società dei consumi portò a un utilizzo istantaneo delle immagini e a un cannibalismo delle persone raffigurate in esse:
una volta ridotto a icona l'individuo è schiavo della superficialità dello sguardo del pubblico e delle leggi dello spettacolo.
Ed è un po’ quello che capitò a Marilyn Monroe che morì prematuramente e in circostanze ancora non chiarite nel 1962.
Nei successivi anni Warhol realizzò una serie di opere su di lei, tutte basate sulla stessa pubblicità fotografica realizzata per il film Niagara.

Spanish: 
elementos visuales tales como el brillo, la oscuridad, los espacios amplios y el contraste de color, se han relacionado por el propio artista a temas profundos como la tragedia, éxtasis y sublime.
Rothko, sin embargo, nunca explicó el contenido de su obra, en la creencia de que la imagen abstracta protegida directamente representan la naturaleza fundamental del "drama humano".
Sus trabajos de colores vibrantes afirman el poder de la pintura abstracta en la transmisión de un contenido emocional y espiritual.
Los retratos de estrellas de cine y música americana, se repiten sin cesar en las obras de Andy Warhol.
La mentalidad de la sociedad de consumo desechables condujo a su uso inmediato de las imágenes y un canibalismo de las personas que aparecen en ellas:
Una vez que se minimiza el individuo es un esclavo de la poca profundidad de la mirada pública y las leyes de la serie.
Y es un poco lo que le pasó a Marilyn Monroe, que murió prematuramente, y aún en circunstancias no aclaradas en 1962.
En los años siguientes, Warhol hizo una serie de trabajos sobre ella, todos ellos basados ​​en la misma la publicidad fotográfica creada para la película Niagara.

French: 
éléments visuels tels que la luminosité, l'obscurité, les grands espaces et le contraste des couleurs, ont été liés par l'artiste lui-même à des thèmes profonds comme la tragédie, l'ecstasy et sublime.
Rothko, cependant, n'a jamais expliqué le contenu de son travail, estimant que l'image abstraite protégée directement représenter la nature fondamentale du «drame humain».
Ses œuvres aux couleurs vives affirment la force de la peinture abstraite dans la transmission d'un contenu émotionnel et spirituel.
Les portraits de stars du cinéma et de la musique américaine, sont sans cesse répétés dans les œuvres d'Andy Warhol.
La mentalité de la société de consommation jetables a conduit à une utilisation instantanée des images et un cannibalisme des personnes représentées dans les:
Une fois minimisé l'individu est esclave de la superficialité du regard public et les lois du spectacle.
Et est un peu ce qui est arrivé à Marilyn Monroe, qui est mort prématurément, et des circonstances encore inexpliquées en 1962.
Dans les années suivantes, Warhol a fait une série d'ouvrages sur elle, tous basés sur la même publicité photographique créée pour le film Niagara.

French: 
Ce diptyque, que le travail se compose de deux panneaux, est le plus grand dédié à la diva et est considéré comme le point culminant de la série.
Warhol Marilyn se trouvait dans une fusion de deux de ses thèmes les plus récurrents: la mort et le culte de la célébrité.
Fontana est l'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste français Marcel Duchamp et est largement considéré comme une icône de l'art du XXe siècle.
Le travail présente à la Tate est une réplique de 1964 et est fait d'argile peinte pour ressembler à l'original, alors que la signature est reproduite à la peinture noire.
Il est le parfait exemple de ce qui a été défini comme un «ready-made» et qui est un objet commun transformé par l'artiste dans une œuvre d'art.
Vous pouvez imaginer la réaction du public et des critiques de l'époque:
tous se sont éloignés de Fontana affirmant qu'un urinoir ne pouvait pas être considéré comme une œuvre d'art, et il était tout simplement dégoûtant.

English: 
This diptych, that work consists of two panels, is the largest dedicated to the diva and is considered as the culmination of the series.
Warhol Marilyn found herself in a fusion of two of his most recurrent themes: death and the cult of celebrity.
Fontana is one of the most famous works of the French artist Marcel Duchamp and is widely considered an icon of the twentieth century art.
The work present at the Tate is a replica of 1964 and is made of painted clay to resemble the original, while the signature is reproduced in black paint.
It is the perfect example of what was defined as a "ready-made" and that is a common object transformed by the artist into a work of art.
You can imagine the reaction of the public and critics of the time:
all distanced themselves from Fontana claiming that a urinal could not be considered a work of art and it was just gross.

Spanish: 
Este díptico, que el trabajo se compone de dos paneles, es la más grande dedicada a la diva y se considera como la culminación de la serie.
Warhol Marilyn se encontró en una fusión de dos de sus temas más recurrentes: la muerte y el culto a la celebridad.
Fontana es una de las más famosas obras del artista francés Marcel Duchamp y es ampliamente considerado como un icono del arte del siglo XX.
El trabajo actual en la Tate es una réplica de 1964 y está hecho de arcilla pintada para asemejarse a la original, mientras que la firma se reproduce en la pintura negro.
Es el ejemplo perfecto de lo que se definió como un "ready-made" y que es un objeto común transformado por el artista en una obra de arte.
Se puede imaginar la reacción del público y la crítica de la época:
todos desistieran Fontana alegando que un urinario no se podía considerar una obra de arte y que era simplemente asqueroso.

Italian: 
Questo dittico, cioè opera costituita da due pannelli, è la più grande dedicata alla diva ed è considerata come il culmine della serie.
Warhol trovò in Marilyn una fusione di due dei suoi temi più ricorrenti: la morte e il culto della celebrità.
Fontana è una delle opere più famose dell’artista francese Marcel Duchamp ed è ampiamente considerata un’icona dell'arte del XX secolo.
L’opera presente alla Tate è una replica del 1964 ed è realizzata in terracotta dipinta per assomigliare all’originale, mentre la firma è riprodotta in vernice nera.
È l’esempio perfetto di quello che venne definito come un “ready-made” e cioè un oggetto comune trasformato dall’artista in opera d'arte.
Potete ben immaginare la reazione di pubblico e critica dell’epoca:
tutti presero le distanze dalla Fontana sostenendo che un orinatoio non potesse essere considerato un'opera d'arte e che fosse semplicemente indecente.

Italian: 
Sicuramente Fontana segnò un punto di non ritorno nella storia dell’arte e accettarla tra i capolavori significa giocare con ironia,
accettando di non prendersi mai troppo sul serio; un modo per togliere quell’alone di sacralità che spesso circonda le opere d’arte e che forse, a volte, le allontana dalla gente comune.

French: 
Fontana certainement marqué un point de non-retour dans l'histoire de l'art et de l'accepter parmi les chefs-d'œuvre signifie jouer avec ironie,
acceptant de ne pas se prendre trop au sérieux; un moyen de supprimer cette aura de sacralité qui entoure souvent les œuvres d'art et que peut-être, parfois, loin des gens ordinaires.

English: 
Fontana definitely marked a point of no return in the history of art and accept it among the masterpieces means playing with irony,
agreeing not to take herself too seriously; a way to remove that aura of sacredness that often surrounds the works of art and that perhaps, at times, away from the common people.

Spanish: 
Fontana definitivamente marcó un punto de no retorno en la historia del arte y aceptar que entre las obras maestras significa jugar con la ironía,
comprometiéndose a no tomar a sí misma demasiado en serio; una manera de eliminar esa aura de sacralidad que a menudo rodea a las obras de arte y que tal vez, a veces, lejos de la gente común.
