Hola, soy MJ, bienvenidos a la séptima entrega
de la serie “La Comida En El Cine”. Hoy
hablaremos de King Vidor, uno de los pioneros
y mayores innovadores de la historia del cine.
Veremos como Vidor usó la comida en sus películas
y recrearemos tres recetas sureñas que aparecen
en ellas. ¡Estoy segura de que este programa
os va a encantar!
King Vidor empezó a hacer cine de forma independiente
en 1913 en su Galveston natal, en el estado
de Texas. Lo primero que rodó fue un huracán.
Tenía 18 añitos. Doce años después ya
estaba plenamente establecido en Hollywood,
cuando presentó “El gran desfile”, su
primera obra maestra y un enorme éxito comercial.
Es esta una película sobre la guerra, la
amistad, la familia y la fugacidad de la vida,
pero ante todo es una historia de amor. Su
final rivaliza con el de “Luces de la ciudad”
de Chaplin como el más grande jamás filmado.
John Gilbert llega a Francia como soldado
para combatir en la Primera Guerra Mundial.
Antes de entrar en batalla conoce a una chica
francesa de la que se enamora, a pesar de
estar comprometido en América. Su historia
de amor comienza cuando él decide no ir a
comer para estar con ella. Continúa cuando
él la enseña a masticar chicle. Ella se
lo traga, sin entender muy bien la gracia
del invento. El chicle era aún desconocido
en Francia y Europa antes de la Gran Guerra.
Se besan por primera vez cuando bajan a la
bodega a por vino. Gilbert tiene que partir
al frente y pierden el contacto. Cuando más
tarde vemos a Renée Adorée en primer plano
jugando con un chicle no hace falta poner
ningún cartel para saber en quién está
pensando. Antes de todo esto, hemos visto
a Gilbert intentar comer una tarta que le
ha enviado su novia. La tarta, dura como una
piedra, la reparte entre sus dos amigos y,
tras darle un par de bocados, se duerme. Ese
es el efecto que le provoca el recuerdo de
su novia americana.
“El pan nuestro de cada día” debe ser
una de las películas más gastronómicas
de la historia. El propio Vidor, durante la
promoción de la película, llegó a decir
que había una cosa en la vida más importante
que el sexo. ¿Adivináis qué? En efecto:
la COMIDA. Y no lo dijo por casualidad, porque
la relación que se establece en el film entre
sexo y comida es, cuanto menos, sospechosa.
John y Mary son dos jóvenes sin trabajo en
plena Gran Depresión. Su apartamento se está
vaciando de objetos porque los necesitan cambiar
por comida. Mientras él va a por un raquítico
pollo, ella prepara lo que parece un apple
pie con escaso relleno. Cuando se instalan
en el campo comen patatas y sardinas asadas.
A él se le quema el pan, fruto de la emoción.
Son felices, sin duda, pero su vida sexual
(en relación a lo que comen) no parece ser
muy animada. Al día siguiente se disponen
a cenar lo mismo con resignación y buen humor,
pero finalmente serán invitados por su nuevo
socio Chris a probar el estofado de conejo
de su mujer. Parece que a Chris le va mejor
en la cama y en la mesa, y prueba de ello
son los 3 hijos que tiene. Este momento agudizará
el ingenio de John, que pasará de sentirse
siempre frustrado a convertirse en todo un
líder. Si Mary es un ángel, Sally es el
demonio. Cuando llega al campamento los hombres
están hablando de comida. Mirad que pasa
poco después: John y Mary hablan con el plato
en la mano, entonces Vidor inserta un plano
subjetivo de John, que observa a Sally recogiendo
su ración. Aquí tenemos a las dos mujeres
en la siguiente secuencia revisando las escasas
existencias de comida que quedan. La posición
de ambas en el encuadre muestra claramente
lo alejada que está una de la otra. Es gracias
a la falta de escrúpulos de Sally que la
despensa se llena como nunca antes, justo
cuando inicia una relación con John. Y John,
con la barriga ahora satisfecha, se dejará
llevar. Cuando los campos de maíz, símbolo
del esfuerzo creado con Mary, se empiezan
a secar, John tendrá su momento de debilidad
y posterior revelación. Como una expiación,
volverá al hogar para trabajar más duro
que nunca. La película, obviamente, tiene
más capas de lectura de las expuestas aquí.
Este tipo de conflictos personales sirven
para darle mayor complejidad y sentido a la
historia general, la de la creación de una
cooperativa de agricultores en una época
muy dura en Estados Unidos, con gente que
se volvió extremadamente pobre de la noche
a la mañana, y que solo a base de coraje
y esperanza pudo seguir adelante. La escena
final es antológica. Vidor la coreografió
con absoluta precisión. Con ello, consiguió
transformar una acción tan simple y repetitiva
como excavar una zanja en una larga y emocionante
intriga con clímax final. Una manera de rodar,
montar y usar el sonido muy imitada hasta
hoy día. Cuando veáis algo así en una película
pensad que King Vidor lo hizo mucho antes.
En “La calle” el personaje de la madre
de Sylvia Sidney es clave en la trama y su
relación con la comida resulta muy interesante.
Primero da dinero a su hijo, al que critican
que tiene muy mimado, para que se compre un
helado. Su amante es el cobrador de la leche,
quien pasa a verla con la excusa de ir a comprar
un refresco. Los vecinos chismorrean sobre
esta relación, opinan de todo tipo de temas
y comen cucuruchos de helado, mientras miran
a otro lado ante los problemas de los demás.
En el segundo acto el niño arrastra el pan
por el suelo, como una expresión de la humillante
situación que está viviendo en casa. Finalmente,
la mujer compra un pollo para hacerle un caldo
a una vecina recién parida, lo que demuestra
su buena fe. Un caldo de pollo que veremos
al final de la película como último testigo
de la tragedia que ha sucedido en esa casa.
Vidor no quiso renunciar al escenario único
de la obra de teatro original, pero logró
una obra absolutamente cinematográfica al
plantear toda clase de planos y ángulos de
cámara diferentes. También lo logró, una
vez más, con el uso innovador del sonido.
Con ello, el film lograba mostrar un microcosmos
que reflejaba de la vida en los barrios de
clase media-baja de una gran ciudad.
“Aleluya” reunió por primera vez a un
elenco exclusivo de actores negros, algo impensable
en la época en una producción de Hollywood.
Por ello, más que un hito, esta película
fue un milagro. El uso creativo del sonido
fue tan innovador e influyente que cada vez
que alguien habla de “Aleluya” es para
destacar ese hecho. Así que, más allá de
los actores y el sonido, vamos a adentrarnos
en un terreno nuevo: el de la comida. Hay
tres cenas a lo largo de la película, una
en cada acto. La primera, en la gran mesa
del jardín de la familia Johnson, donde comen
todos juntos en completa armonía. Acaban
de comer chinchulines y reciben la visita
de un vecino con su banjo y un reloj. Los
miembros de la familia se asombran ante el
reloj, seguramente el primero que tienen tan
cerca. Esto demuestra la vida tan modesta
que llevan y también su falta de formación,
pues ni siquiera saben leer la hora. Zeke,
el protagonista, es además una persona directa
e impulsiva (como veremos poco después, dentro
de la misma escena). Mientras recogen la mesa,
los niños bailan encima de ella. Un momento
de alegría y exaltación que queda interrumpido
por los ladridos de los perros. La familia
deja de bailar y se pone en guardia. Tienen
una visita totalmente inofensiva, pero este
hecho demuestra que no todo es baile y felicidad.
La secuencia sirve, por tanto, para mostrar
las estrechas relaciones que hay entre la
familia, pero también para dar credibilidad
a todo lo que tiene que llegar. En la segunda
cena vuelven a haber chinchulines, que serán
mencionados otras dos veces en la película,
como si fueran el vínculo que une a Zeke
con su familia. Esta vez se están haciendo.
El espacio es cerrado y la pequeña mesa no
llega nunca a estar totalmente ocupada. La
diferencia con la cena anterior es bastante
evidente. Zeke, tras la tragedia que ha azotado
a la familia, ha ocupado su mente en busca
de redención. La felicidad de la familia
ha quedado reprimida, pero Zeke sigue dejándose
llevar por sus impulsos, lo que desencadenará
los acontecimientos del tercer acto.
El plato que sirven en la película son unos
chinchulines criollos, típicos del sur de
Estados Unidos. Allí se les conoce como Chitterlings
o Chitlins, y se hacen con el intestino del
cerdo o la ternera. Siempre he querido cocinar
un plato genuinamente sureño, y este tan
curioso va a ser el primero. Vamos allá...
Aquí tenemos 1.100 g de chinchulines, si
os gusta la casquería y la receta os recomiendo
hacer mucha más cantidad, porque luego menguan
una barbaridad. Estos chinchulines son de
ternera. La receta criolla original se hace
con cerdo, pero por aquí son más fáciles
de encontrar los de ternera o cordero. Ya
vienen limpios, pero para esta receta debemos
quitarle toda la parte blanca que es la grasa
y darles un buen enjuague por el interior.
Los chichulines son muy típicos en Argentina
y suelen hacerse a la brasa. Allí les dejan
la grasa y no los limpian por dentro. Es una
preparación totalmente diferente a la que
vamos a hacer. Quitar la grasa es bien fácil,
solo tenemos que tirar de ella y prácticamente
sale toda.
Una vez limpios, los dejamos un par de horas
en agua con sal. Mientras tanto vamos a preparar
el condimento criollo. Es bien fácil, necesitamos
un molinillo de café y las especias que lleva
el condimento criollo:
2 cucharadas y media de paprika (si no tenéis
podéis sustituirla por pimentón dulce),
2 cucharaditas de sal, 2 cucharaditas de ajo
en polvo, 1 cucharadita de granos de pimienta
negra, 1 cucharadita de cebolla en polvo,
1 cucharadita de cayena en polvo, 1 cucharadita
de orégano seco y 1 cucharadita de tomillo
seco. Trituramos bien con el molinillo y reservamos
hasta que lo vayamos a utilizar.
En una olla echamos abundante agua y metemos
los chinchulines, llevamos a ebullición,
retiramos y desechamos el agua. Con este primer
hervor los hemos acabado de limpiar. Los enjuabamos
bien bajo el grifo con agua fría y vamos
ya a cocinarlos.
Para ello pelamos 1 patata mediana y la echamos
en la olla. Picamos medio pimiento verde y
a la olla con la patata. Cortamos un trozo
de apio con hojas que lavamos bajo el grifo
y que también vamos a picar. Directo a la
olla. Picamos muy finamente media cebolla
y a la olla también con el resto de ingredientes.
Incorporamos los chinchulines, ya veis lo
poquito que nos ha quedado una vez limpios.
Salamos al gusto, echamos unas escamas de
chile, incorporamos 1 cucharada de postre
de nuestro condimento criollo y cubrimos de
agua, Tapamos y dejamos que rompa a hervir.
En ese punto incorporamos 1 hoja de laurel
y 50 ml de vinagre de manzana. Volvemos a
tapar y dejamos cocinar a fuego bajo durante
3 horas.
Ya tenemos nuestros chinchulines criollos
listos. Servimos y cortamos en trozos más
pequeños si vemos que son muy grandes. Un
plato curiosísimo, que hará las delicias
de los amantes de la casquería.
El sacrificio es uno de los temas capitales
en el cine de King Vidor. Lo hemos visto en
parte en las cuatro películas comentadas
anteriormente. Y es el tema principal en “El
campeón”, la historia de un ex campeón
mundial de boxeo arruinado, alcohólico y
jugador que vive con su hijo, quien lo admira
e idolatra. La película muestra el vuelco
que se da en la relación padre-hijo, cuando
el hombre al fin empiece a madurar, a la par
que el pequeño se vuelve el niño que nunca
ha sido. Justo en el centro de ese vuelco
ambos comen en un restaurante, gracias al
dinero dado por la exmujer y madre. El boxeador
le ofrece comida al niño, le unta el maíz
con mantequilla y le pregunta como desea condimentarlo.
Le habla por primera vez como un adulto a
un niño, manipulándolo sin excesiva sutileza.
Nada que ver con la relación de “amigos”
y sin rodeos que había tenido con él hasta
ahora. De hecho, el niño ejercía más el
papel de padre que el propio padre. El trabajo
de dirección de Vidor con los actores (especialmente
con el pequeño Jackie Cooper) es admirable,
y con sus gestos, interacciones y movimientos
dentro del encuadre entenderemos la relación
entre ambos, su transformación y el porqué
de la decisión final del padre. Una decisión
que implica el sacrificio por el bien del
hijo.
También sobre sacrificio va “Stella Dallas”,
uno de los más grandes melodramas filmados
en Hollywood. Barbara Stanwyck es Stella,
una chica de familia humilde que aspira a
formar parte de la alta sociedad. Lo consigue
tras casarse con Stephen Dallas, pero sus
formas delatan su origen. Cuando son padres
de una niña, él se marcha a Nueva York,
donde se reencontrará con un antiguo amor.
Ella se queda al cuidado de la pequeña, renunciando
no solo a sus sueños, sino prácticamente
a todo. Hay tanta comida y bebida en esta
película y su función es tan importante,
que habría que explicar el film entero. Así
que nos centraremos en una única secuencia.
Cumpleaños de Laurel. Lo sabemos por la tarta
que le acaban de preparar. Madre e hija están
emocionadas por la fiesta que van a dar, y
en la que están invitadas la profesora y
mejores amigas de Laurel. Poco a poco se van
cayendo una tras otra sin aparente explicación.
Stella no lo sabe, pero el motivo es ella,
que ha sido vista en el tren por la profesora
en compañía de un amigo, amante de la bebida,
la juerga y poco dado a las apariencias. Mirad
qué manera de visualizar la relación entre
ambas. Laurel no para de moverse emocionada
por la estancia y es la madre la que la sujeta
una y otra vez, manteniéndola en su mismo
plano. Cuando se anuncia la primera baja,
Stella sale del plano y deja sola a Laurel.
Esta primera vez, por muy poco tiempo, apenas
1 segundo. Segunda baja y Stella vuelve a
salir del plano. Esta segunda vez se alarga
mucho más, hasta el punto de que parece que
la hija entiende porqué no han venido sus
amigas. Laurel necesita alejarse de su madre
si quiere escalar de posición social. La
madre lo entenderá más adelante. Pero el
vínculo que las une es tan fuerte que solo
un enorme sacrificio lo podrá romper. Separadas
por planos, es ahora la hija la que entra
en el plano de la madre y la lleva consigo
hasta la mesa, donde las dos juntas celebrarán
el cumpleaños. El fundido a negro no solo
marca una elipsis, también expresa que hay
un antes y un después tras esta situación.
El tren de la secuencia siguiente en el que
viaja Laurel nos muestra que ella ya va a
otra velocidad con respecto a su madre. Ojalá
se pudieran comentar todas las secuencias
con comida de la película, entender como
se relacionan entre ellas y ver como Vidor
las trabaja para que todo el conjunto sea
tan creíble y tenga tanta coherencia. Anteriormente
comentamos que el mejor final de la historia
del cine era el de “Luces de la ciudad”
o el de “El gran desfile”. No es verdad,
no hay ninguno mejor que el de “Stella Dallas”.
Como no parece haber una actriz mejor que
Barbara Stanwyck tras acabar de ver esta película.
“Y el mundo marcha” es una de las cumbres
del cine mudo y la, posiblemente, mejor película
en la carrera de King Vidor, lo que la situaría,
sin lugar a dudas, en el top 10 de todos los
tiempos. Su título original es “La multitud”,
lo que ayuda a entender bastante mejor las
intenciones del director. John Sims es uno
más entre los millones de personas que sueñan
con destacar por encima de las demás. La
película admite múltiples lecturas, desde
una critica al capitalismo más feroz, hasta
el cruel retrato del mediocre que, en cierto
sentido, casi todos somos. Pero hay momentos
desgarradores, en los que Vidor parece querer
decirnos que solo la tragedia te hace realmente
destacar de la multitud. ¿Cómo se explican
sino estos dos planos?
La comida aparece en cuatro secuencias. Un
enorme pavo asado de Nochebuena en el coqueto
apartamento de la pareja. Un pomelo, una botella
de leche y unas tostadas en el desayuno varios
meses después, donde el mismo apartamento
ha pasado de coqueto a diminuto y terriblemente
incómodo. Un beicon friéndose y un Devil's
Food Cake durante un accidentado picnic con
los niños en la playa. Finalmente, una Layer
Cake, aparentemente de coco, y un montón
de comida destinada para otro picnic. Cuatro
secuencias en las que John decepcionará enormemente
a Mary, aunque en todas ellas el marido será
perdonado. Durante el picnic en la playa John
toca el ukelele y se desentiende, una vez
más, de tareas como hacer la comida o cuidar
a los niños. El pequeño corre alrededor
de la madre. Vemos un plano detalle del Devil's
Food Cake, señal de que algo va a pasar con
él. Cuando el pastel es malogrado por las
correrías del niño estalla una nueva crisis
en la pareja. Mientras discuten en plano medio,
tienen de fondo al resto de familias que,
como ellos, han ido a pasar el día en la
playa. Esa multitud de la que John y Mary
sueñan con despegarse algún día. La reconciliación
llega cuando John se quema el dedo y Mary
lo cura con mantequilla. Luego, mientras come
un sándwich, los niños devuelven la alegría
a la pareja y John hace malabares con unas
manzanas, algo que tendrá su importancia
más adelante. El final parece esperanzador,
pero Vidor usa un recurso visual demoledor
para ponerlo en duda: John y Mary ríen a
carcajadas mientras la cámara se aleja y
los muestra, como al principio del film, fagocitados
por la multitud.
El Devil's Food Cake era un pastel muy de
moda en Estados Unidos en los años 20, época
en que se hizo la película. ¿Sabéis que
su origen es sureño y que una de sus versiones
dio pie al también popular Red Velvet Cake?
No me digáis que no estáis deseando ver
como se hace...
Empezamos preparando el frosting. Ponemos
un cazo con agua al fuego y colocamos encima
un bol grande con 375 g de chocolate negro,
yo he aprovechado restos de una tableta y
pepitas de chocolate. Agregamos 430 ml de
nata para montar o crema para batir. Mezclamos
con ayuda de unas varillas hasta que ambos
ingredientes se hayan integrado totalmente.
En este punto echamos una pizca de sal y 125
g de nata fresca o creme fraiche.
Retiramos el bol del cazo y batimos hasta
conseguir una mezcla homogénea. Ya tenemos
nuestro frosting que utilizaremos para el
relleno y para cubrir la tarta, ahora simplemente
tenemos que dejar que se atempere y luego
reservarlo en la nevera para que endurezca.
Ya veréis que textura más ideal nos queda.
Mientras tanto preparamos los bizcochos. Para
ello empezamos haciendo una buttermilk. Vertemos
15 ml de zumo de limón en 360 ml de leche,
mezclamos bien y dejamos reposar 15 minutos.
En un bol tenemos 330 g de harina de trigo
a la cual incorporamos 90 g de cacao en polvo,
10 g de levadura química o polvo de hornear,
12 g de bicarbonato de sodio y 4 g de sal.
Mezclamos bien y reservamos.
En el vaso de la batidora echamos 185 g de
mantequilla sin sal a temperatura ambiente
y empezamos a batir con unas varillas a velocidad
baja durante 3 minutos. A continuación incorporamos
300 g de azúcar moreno. La receta original
de la casa Williams Sonoma llevaba 500 g,
pero me parecía too much.
Incorporamos también dos cucharaditas de
extracto de vainilla. Empezamos a añadir
4 huevos tamaño L de uno en uno. Echamos
el siguiente huevo cuando el anterior se haya
incorporado bien.
Aunque parezca que la mezcla se ha cortado,
no os preocupéis, es lo normal. Ahora toca
incorporar la mezcla de harina y cacao y la
buttermilk. Lo haremos por tandas y alternando
una con otra. Empezaremos por la harina. Tamizamos
1/3 aproximadamente de la mezcla de harina
y cacao y batimos hasta integrar. A continuación,
seguimos con la mitad del buttermilk, ¿veis
el aspecto de leche cortada que tiene? Pues
así es como tiene que estar. Batimos para
integrarlo y continuamos con otro tercio de
mezcla de harina y cacao. Batimos e incorporamos
el resto de buttermilk. Volvemos a batir y
terminamos con el último tercio de mezcla
de harina y cacao. Una vez todo bien integrado
mezclamos con una espátula arrastrando el
fondo por si hubiera quedado algún resto.
Tenemos un par de moldes de 20 cm con el fondo
desmontable que hemos forrado con papel vegetal
y cuyas paredes rociamos con spray desmoldante.
Echamos la mezcla repartida por igual en cada
molde, podríais hacer toda la mezcla en un
molde y luego partirlo por la mitad, pero
así quedarán mejor los bizcochos y se harán
en menos tiempo. Movemos un poco los moldes
para que se reparta uniformemente la masa
y directos al hornos.
Horno precalentado a 180 ºC durante 30 minutos.
Pasado el tiempo pinchamos el centro con un
palillo para comprobar que está hecho, sino
lo dejamos 5 minutos más hasta que esté
totalmente hecho. Sacamos del horno, dejamos
enfriar 10 minutos y desmoldamos. Lo dejaremos
enfriar boca abajo sobre una rejilla. Si os
queda con mucha barriga podéis serrar el
bizcocho para enderezarlo antes de rellenar.
Ya tenemos los bizcochos totalmente fríos
y fijaos que textura más maravillosa tiene
el frosting, es perfecta y sin necesidad de
batir y batir.
Colocamos el primer bizcocho con la panza
hacía arriba, como veis ha quedado bastante
bien, así que no es necesario serrarlo. Echamos
una cantidad generosa de frosting y cubrimos
toda la superficie.
Colocamos encima el siguiente bizcocho, pero
esta vez con la parta de la panza boca abajo,
así nos quedará perfecto. Ajustamos y empezamos
a cubrir de frosting por arriba. Una vez cubierto
por arriba, cubrimos los laterales, debemos
rellenar todo el hueco que queda entre los
dos bizcochos. No hace falta dejarlo perfectamente
liso, puesto que la decoración final no requiere
ninguna finura y, además, es muy fácil de
hacer.
Una vez que tenemos toda la tarta cubierta
y lisa empezamos a poner cucharadas de frosting
con la parte convexa de la cuchara. Vamos
haciendo movimientos circulares a nuestro
gusto, sin ningún orden ni técnica concreta.
A vuestro rollo, vamos. Empezamos por arriba
y seguimos por todo el lateral.
No me digáis que no es fácil... Una de las
mejores tartas de chocolate, con permiso de
la Sacher, que podéis probar. El bizcocho
queda tierno y húmedo, con un absoluto sabor
a chocolate y la cantidad de frosting suficiente
para disfrutarlo. Y el corte es muy, muy vistoso.
“Duelo al sol” es la película de mayor
éxito comercial en la carrera de King Vidor.
La produjo el gran David O. Selznick, uno
de los productores más meticulosos y entrometidos.
Vidor cuenta en sus memorias como Selznick
le hacía repetir escenas prácticamente a
diario con cambios absurdos que no hicieron
más que retrasar y encarecer el rodaje. Pero
la película es fascinante y destaca, muy
especialmente, por el extraordinario uso del
color. Jenifer Jones come una manzana roja
tras hacer esperar caprichosamente a Joseph
Cotten. Más adelante restriega mermelada
de fresa sobre la cara de Gregory Peck, tras
quedar avergonzada ante la madre de este,
interpretada por Lilian Gish. El color rojo
en “Duelo al sol” es la viva representación
del deseo, encarnado primero en la camisa
de la madre india de Jenifer Jones, que lo
transmite a su hija como si fuera una enfermedad
hereditaria. Y ella, con su ropa, su manzana
y su mermelada de fresas pondrá el rancho
de Pequeña España patas arriba. Hasta cuando
va de blanco inmaculado, la luz roja baña
su vestido. Habíamos quedado en que el mejor
final de la historia del cine era el de “Stella
Dallas”, ¿no? Quizás también el del “El
gran desfile” o el de “Y el mundo marcha”.
¿Tenemos que volver a rectificar? O que alguien
me diga que final puede ser mejor que el de
“Duelo al sol”.
Mirad como empieza “Cenizas de amor”.
Un hombre de posición acomodada baja de buena
mañana a desayunar. Le sirven un zumo, un
huevo, unas tostadas y un café con leche
mientras lee el periódico. Toda esta acción
se muestra con planos detalle y sin diálogos,
aunque luego veamos que justo a su lado estaba
su mujer. ¿Se puede expresar más claramente
la incomunicación de una pareja? Posteriormente
la sirvienta le da dos cacahuetes que él
dará a un par de ardillas de camino al trabajo.
Lo que viene a reforzar otra de las ideas
expresadas a lo largo de toda la secuencia:
una rutina matutina llena de actos monótonos
que se repiten día tras día. Un reflejo,
en definitiva, de su rutinaria vida. Bien
avanzada la película, hay otro desayuno en
las mismas circunstancias. Harry Pulham se
ha pasado todo el día recordando como conoció
a su esposa y su primer noviazgo con una compañera
de trabajo, cuyo recuerdo ha idealizado con
el paso del tiempo. Esto cambiará su rutina
habitual: llega tarde, no le interesa el periódico
y su mujer le pregunta si le duele la cabeza.
Incluso varios ruidos ajenos alteran su tranquilidad.
Vidor filma ahora este excepcional momento
en plano general. Un pequeño travelling de
acercamiento encuadra al matrimonio Pulham
en plano medio, justo cuando él le pide a
ella romper con la rutinaria vida que llevan.
Una silla, justo entre ambos, los separa visualmente
dentro del encuadre. Es este un diálogo aparentemente
anodino, pero que encierra una enorme profundidad.
Harry se cuestiona toda su vida, mientras
su mujer no acaba de entender su preocupación.
Para ella, ahora mismo es más importante
su participación como jurado en un concurso
de jardines. Y la manera tragicómica que
tiene Harry de rebelarse es ahuyentando a
las ardillas que alimenta cada mañana, que
se quedan con la misma cara de sorpresa que
la esposa. No adelantamos más, pues merece
la pena disfrutar de esta película sin destripar
en exceso su desarrollo y final.
La comida también puede servir para describir
personajes y avanzar comportamientos que tendrán
su importancia más adelante. Por ejemplo,
en “Esposa de guerra japonesa”, un soldado
americano vuelve a casa casado con una chica
japonesa que le cuidó mientras estuvo herido.
Nada más entrar en la casa se dirige a la
cocina y se recrea con el olor de los platos
recién cocinados por su madre: pollo, albóndigas
y un Strawberry Shortcake de postre, su menú
favorito. La acción muestra el enorme apego
que el soldado siente por su familia y la
fuerza que esta ejerce sobre él, lo que a
la larga dificultará la integración de su
mujer. Cuando acabada la cena, las mujeres
limpian los platos, la madre se enfada con
su nueva nuera por romper un plato. Pero en
realidad, está enfadada por la decisión
impetuosa de su hijo y preocupada por el que
dirán.
Antes de entrar en el saloon a beber ya sabemos
que Kirk Douglas en “La pradera sin ley”
solo posee una silla para montar, que dejará
de fianza para un préstamo. También sabemos
que es un tipo valiente, habilidoso y honesto.
Gracias a la bebida completaremos la descripción
del personaje: sociable, con don de gentes
y con una presencia intimidante. También
veremos como acoge a un joven inexperto como
discípulo y amigo, al que niega el whisky
y pide que solo le sirvan zarzaparrilla. Nos
quedará un secreto por descubrir que acabará
de darnos el perfil definitivo. Un hombre
marcado por una tragedia que lo ha convertido
en lo que hoy es: “Un hombre sin estrella”,
según su propia definición. Pero antes de
descubrir ese secreto, Vidor nos ha ido dejando
pistas a través de la iluminación y los
encuadres. La culpa y el dolor atormentan
al personaje.
Hay ciertas similitudes entre “Esposa de
guerra japonesa” y “La luz brilló dos
veces”. Mujeres ingenuas y enamoradizas
que caen en brazos de hombres desconocidos,
y quedan atrapadas en sus entornos. La famosa
hospitalidad tejana es usada por los lugareños
para engatusar y manipular a una actriz de
teatro que ha venido del Este para descansar
y repensar su carrera. Primero, una cena en
la habitación a las dos de la madrugada.
Luego, un copioso desayuno nada más levantarse:
huevos, beicon, mermelada, tostadas y café.
A continuación, un pollo frito para el viaje,
que la mujer devora con ansia tras conocer
al hombre del que se enamorará prácticamente
de inmediato. Vidor se sirve de una intriga
con crimen sin resolver para abordar temas
más importantes de forma sutil, siempre al
margen de la acción principal. El fracaso,
la vergüenza, la obsesión, la culpa y, nuevamente,
el sacrificio aparecen como temas de fondo
a lo largo de todo el film. Contado así parece
una obra de Ingmar Bergman más que de Hollywood.
Es evidente que el pollo frito que come Ruth
Roman en “La luz brilló dos veces” ha
de estar cocinado al más puro estilo sureño.
Una receta muy popular en todo Estados Unidos
extendida a buena parte del mundo gracias
a las cadenas de fast food. Vamos a hacer
nuestra versión...
Necesitamos un pollo entero cortado en 8 trozos:
muslo y contramuslo, pechugas en dos trozos
cada una y las dos alitas. Hemos de dejarle
la piel. Salpimentamos al gusto por ambas
caras.
Vamos con el marinado. Los americanos lo hacen
con un buttermilk bastante espeso, como en
España es muy difícil encontrar buttermilk,
lo he sustituido por 250 g de yogur griego
natural, al que le voy a echar 45 ml de leche
para aligerarlo un poco. Mezclamos bien y,
de esta forma tan sencilla, conseguiremos
el toque lácteo y ácido que le dan ellos
con la buttermilk.
Hemos de asegurarnos de embadurnar bien todos
los trozos, por eso lo vamos echando por partes.
Tapamos y dejamos reposar de un día para
otro en la nevera.
Preparamos el rebozado. Las especias, si os
fijáis, son parecidas a las que llevaban
los chinchulines criollos: paprika, cayena
molida, ajo y cebolla en polvo. En un bol
tenemos 250 g de harina de trigo. Incorporamos
½ cucharada de sal, ½ cucharada de pimienta
negra molida, 1 cucharada de ajo en polvo,
1 cucharada de cebolla en polvo, 1 cucharada
de paprika o pimentón dulce y ½ cucharadita
de cayena molida. Mezclamos bien y ya podemos
rebozar nuestro pollo, que ha estado marinando
toda la noche en la nevera. Enharinamos bien
cada trozo de pollo y ya lo podemos freír.
El tiempo de duración de la fritura serán
unos 25 minutos. Es importante utilizar abundante
aceite de girasol para evitar que el pollo
se queme, si utilizáramos aceite de oliva
no podríamos tenerlo tanto tiempo a tan alta
temperatura sin que se quemara el rebozado.
Hemos de utilizar una sartén o cacerola grande
para poder cocinar todo el pollo a la vez.
Y, muy importante, hemos de intentar mantener
una temperatura constante de 180 ºC aproximadamente,
por lo que conviene disponer de un termómetro.
Otra opción es hacer trozos más pequeños,
de esta manera el pollo estará cocinado en
menos tiempo, sin necesidad de controlar tanto
la temperatura.
Al principio procuramos no mover el pollo
para no destrozar el rebozado, luego podemos
moverlo dándole un meneo a la cacerola. Os
debe quedar así, con un crujiente y apetitoso
color dorado, pero sin que llegue a tostarse.
Sacamos el pollo sobre papel de cocina para
que escurra el exceso de aceite. Lo pasamos
al plato o cuenco de presentación y acompañamos
con nuestra salsa favorita: lo habitual es
usar kétchup o salsa barbacoa.
Un bocado, todo hay que decirlo, no demasiado
sano, pero absolutamente delicioso. Para abusar
solo muy de vez en cuando.
Si hacéis la receta no os olvidéis de compartirla
conmigo a través de mi cuenta de Instagram.
El John Sims de “Y el mundo marcha” era
un hombre preparado y con talento, pero demasiado
holgazán para todo lo que ambicionaba. La
multitud lo acabó fagocitando. El otro John
Sims, el de “El pan nuestro de cada día”,
estaba mucho menos preparado, pero era trabajador
y su ambición estaba a la altura de lo que
era capaz de dar. Su esfuerzo lo llevó al
éxito, todo y que fuera un éxito colectivo.
En “El manantial”, el arquitecto Howard
Roark tiene preparación y talento, y es muy
trabajador. Pero además posee otro valor
que, conjugado con los anteriores, lo llevan
a la cima de su profesión: la integridad.
Dos cenas mostrarán la diferencia entre el
mediocre y el triunfador, entre el que se
vende a los deseos de la multitud y el que
siempre será fiel a sí mismo. En la primera
el poderoso dueño de un periódico sensacionalista
invita a la chica con la que se quiere casar
y a su prometido, un arquitecto del montón
que ha conseguido una buena posición a base
de contentar a todo el mundo. El magnate consigue
que el hombre rompa su compromiso con la mujer
a cambio de un nuevo y suculento trabajo.
En la segunda, el mismo magnate, ahora casado
con la mujer, cae rendido a las exigencias
de Howard Roark, implacable en su deseo de
construir sus edificios únicamente a su modo.
En la primera ocasión la cena ya ha pasado
y estamos en la hora de las copas y el café.
Los personajes permanecen estáticos, tan
solo el arquitecto se levanta para quedar
prácticamente atrapado entre las velas de
un candelabro. Ella, lejos de quedar impresionada,
parece confirmar sus sospechas de que el mundo
está podrido y desprecia al magnate por ello.
Acabarán casándose tiempo después. Él
porque la ama y desea poseerla. Ella por sacrificio,
para proteger a Roark. En la segunda ocasión
ni siquiera los veremos sentarse a comer.
Roark es el centro de atención de ambos,
su figura domina las miradas y la composición
del encuadre. Al final de la secuencia este
pequeño y rápido acercamiento a cámara
de ella refuerza su sentimiento interior.
Aún ama a Roark. Está claro que a King Vidor
se le daba bien filmar grandes finales. El
de “El manantial” es de una fuerza sobrecogedora.
El triunfo de la individualidad expresado
con este plano mítico a Gary Cooper, precedido
por la subida a los cielos del éxito de Patricia
Neal, con la ciudad de Nueva York absolutamente
a sus pies.
Hasta aquí el episodio de hoy, espero que
os haya gustado y os atreváis con los platos
que hemos hecho. Nos vemos en la próxima
entrega de 'La Comida En El Cine', con más
películas y nuevas recetas... ¡no faltéis!
