Dans cette séquence, nous allons entrer dans le détail de la photographie pure,
que l’on appelle aussi "Straight photography".
Comme nous l’avons vu dans la séquence précédente, Alfred Stieglitz
est le grand maître du pictorialisme américain.
A l’écoute des avant-gardes européennes, il dirige depuis 1905, à New York, la Galery 291
et expose Picasso, Matisse, Brancusi ou Picabia.
Stieglitz souhaite maintenir la photographie à la pointe de l'innovation artistique
et s'engage dans un rapport plus direct avec le réel.
À partir de la découverte du travail du jeune photographe Paul Strand,
il pose les bases d'une photographie moderniste,
qui ne fait plus référence à la peinture,
mais qui utilise les possibilités techniques et esthétiques
des nouveaux appareils photographiques instantanés.
Parallèlement au cubisme et aux recherches de Marcel Duchamp sur le ready-made,
dont il photographie l’urinoir en 1917,
Stieglitz cherche à autonomiser la photographie des autres arts.
La voie de la photographie pure est ouverte !
Alors, observons de plus près la photographie de Stieglitz intitulée "The Steerage" (l’Entrepont)
Elle est datée de 1907 et cristallise cette rupture stylistique.
En une seule prise de vue,
Stieglitz saisit, grâce à une plaque instantanée,
l’opposition entre les différentes classes sociales de ce paquebot en partance pour l’Europe.
Ce "document" est par ailleurs structurée par des lignes de forces
qui mettent en lumière la capacité du photographe
à construire une image directement à partir du réel.
Ce style photographique repose ainsi sur la captation directe d’un sujet,
d’un événement visuel,
en utilisant les seules ressources techniques de l’appareil de prise de vue,
à savoir :
le cadrage, le réglage de la profondeur de champ, la vitesse d’obturation, le contraste lumineux.
Le négatif est utilisé sans manipulation au tirage,
de manière "pure",
d’où le nom de photographie pure.
Cette pratique se radicalise en Californie entre 1932 et 1935 avec les membres du groupe f/64,
qui mettent en avant la netteté et la précision absolue de leurs photographies.
Les objets sont sublimés par la photographie.
Edward Weston ose même faire une analogie
entre la pureté formelle de sa photographie représentant un sanitaire
et la Victoire de Samothrace.
Un photographe comme Ansel Adams saisit ici la beauté des paysages d’Alaska
ou de Californie.
Parallèlement, en Europe se développent deux courants la Nouvelle Vision et la Nouvelle Objectivité
qui expriment les multiples ressources esthétiques propres à la photographie.
Nous aborderons la Nouvelle Objectivité dans notre prochaine vidéo,
car elle est en lien avec la photographie documentaire.
La Nouvelle Vision, quant à elle, est profondément expérimentale.
Elle émerge notamment dans la Russie postrévolutionnaires de 1917
et s’illustre par de nouvelles perspectives :
des choix de cadrage novateurs
et des gros plans affirmés
comme ici, sur le travail de Rodctchenko
ou bien par des points de vue extrêmes, comme sur ce cliché de Lazlo Moholy-Nagy.
Si cet élan novateur sera largement brisé par la seconde guerre mondiale,
les leçons formelles de la Nouvelle Vision
opèrent un bouleversement complet
des règles traditionnelles de l’esthétique photographique.
Elles auront une influence au-delà même de la pratique artistique de la photographie.
