
Spanish: 
 
Pocas semanas atras, recibimos una pregunta
de Trey Willetto, quien preguntó como podíamos responder a personas que
dicen: " yo podria haber hecho eso"
esta tan simple hacer arte, por ejemplo, Feliz Gonzalez-Torres.
Jhon y yo respondimos que: A. Tu probablemente
no podrias hacerlo
y B. No lo hiciste
Pero algunos de ustedes como Becky estuvieron insatisfechos
Ella dijo: No implica esto que el artista no tiene ningun mérito
excepto de haber sido el primero que penso en hacer esto
y ahora nosotros le damos importancia?
Parece una respuesta realmente floja.
Desafio aceptado Becky
Te dare una respuesta menos floja.
 
Si estas mirando una pieza de arte y sientes
impulsado a decir, yo podria haber hecho esto o mi hijo podria haber hecho esto,
lo primero que quieres hacer es evaluar
si realmente podrías hacerlo
Toma una abstraccion con bordes definidos como esta
de Piet Mondrian que podria a primera vista
parecer muy facil de hacer
Pero si has intentado usar oleos antes
sabras que puede ser realmente
complicado crear lineas tan suaves y consistentes, planas
aplicaciones de color.
Tambien hay pequeños detalles, como la linea que

French: 
Il y a quelques semaines, nous avons reçu une question
de Trey Willetto, qui demande comment répondre aux personnes qui
disent "J'aurai pu le faire,
c'est simple" à propos d'une œuvre d'art, comme par exemple : Félix González-Torres.
John et moi-même avons répondu que, A) vous ne pouviez probablement
pas le faire.
Et B), vous ne l'avez pas fait.
Mais certains d'entre vous, comme Becky, n'était pas satisfait.
Elle a demandé si cela sous-entendait que l'artiste n'avait aucun mérite
en dehors du fait qu'il a été le premier  à le faire
et qu'aujourd'hui on y prête attention?
Ça sonne comme de la paresse intellectuelle.
Défi relevé, Becky.
Je vais te donner une réponse moins paresseuse.
Donc, si en regardant une œuvre vous avez
envie de dire que vous ou votre enfant auriez pu le faire,
la première chose à vous demander c'est
si c'est réellement le cas.
Prenons l'exemple d'une peinture "hard edge abstraction" comme
celle de Piet Mondrian. Au premier regard,
cela parait très facile à faire.
Mais si vous avez déjà essayé la peinture à l'huile avant,
vous saurez que ça peut être très
difficile de réaliser ces lignes fluides avec un
aplat de couleur parfait.
Il y a aussi ces petits détails, comme une ligne qui

English: 
A few weeks ago
we got a question
from Trey Willetto, who asked
how we respond to people who
say "I could have done that.
It's so simple" about art, for
example, Felix Gonzalez-Torres.
John and I answered that
A, you probably actually
couldn't do it.
And B, you didn't do it.
But some of you, like
Becky, were dissatisfied.
She said doesn't that imply
that the artist has no merit
outside of some guy thought
about doing this first
and now we care about it?
It just seems like a
really lazy answer.
Challenge accepted, Becky.
I'll give you a
less lazy answer.
OK, if you're looking at
a work of art and feel
compelled to say I could do
that, or my kid could do that,
the first thing you
want to do is assess
if you really could do that.
Take some hard edge
abstraction, like this painting,
by Piet Mondrian that
may, at first glance,
seem fairly easy to execute.
But if you've tried to
use oil paints before,
you'll know that
it can be really
tricky to create such smooth
lines and a consistent, flat
application of color.
There's also a little
details, like a line that

English: 
stops just short of the edge
of the canvas that clues you
in that no amateur did this.
Or Cy Twombly's work
gets a lot of heat
for looking like a bunch
of kid's scribbles.
But take a closer look.
The quality and character of
his line work is astounding.
The restrained use of
color is exquisite.
This isn't Crayola crayon
on construction paper.
This is pretty masterful
handling of paint and pencil
and crayon.
They may be scribbles.
But they're freaking
amazing scribbles.
And if you still think you could
do it, I say give it a try.
It could be a really
productive exercise
to see how something is made.
And it may help you
learn a new skill
or take your work or
life in a new direction.
But let's move on to what
happens when you really
could have made the
thing in question.
If you think about
Felix Gonzalez-Torres,
the example Trey
brought up, we can
look at work like
"Untitled" (Perfect Lovers)
from 1991, that pairs two
commercially-available clocks
and synchronizes their time.
Yes, you can go to a
store, buy two clocks,
and hang them on the
wall, just like this.
And you know, it would still
be a pretty cool experiment
to see how long they
stayed synchronized
and which runs out
of batteries first.
But you'd be missing
something key here.

French: 
s'arrête juste avant le bord du cadre et qui vous indique
que ce n'est pas le travail d'un amateur.
Ou bien le travail de Cy Twonbly qui a beaucoup été critiqué
parce qu'il ressemble à des gribouillis d'enfants.
Mais regardez de plus près.
La qualité et le caractère de ses lignes est extraordinaire.
L'usage limité des couleurs est délicieux.
Ce n'est pas juste des crayon Crayola sur du papier de construction.
C'est un usage de maître de la peinture, du crayon à papier
et du crayon de couleur.
C'est peut-être des gribouillis.
Mais ce sont des gribouillis stupéfiants.
Et si vous pensez encore pouvoir le faire, je vous invite à essayer !
Ça peut être un exercice très productif
de voir comment les œuvres sont faites.
Et ça peut vous aider à apprendre des nouvelles techniques,
ou vous orienter vers de nouveaux horizons.
Mais parlons maintenant de ce qui se passe quand vous pouvez
vraiment faire l'œuvre vous même.
Si vous prenez Fèlix Gonzàles-Torres,
l'exemple donné par Trey, vous pouvez
regarder son œuvre "Sans titre" (Perfect lovers)
faite en 1991, qui met ensemble deux horloges du commerce
et les synchronise.
Oui, vous pouvez aller dans un supermarché, acheter deux horloges,
et les accrocher au mur, tout simplement.
Et au fond, vous verrez que c'est une expérience plutôt sympa
de voir combien de temps elles restent synchronisées
et laquelle s'arrête avant l'autre.
Mais vous aurez raté l'essentiel ici.

Spanish: 
se detiene  justo cerca del borde del lienzo que usas
ningun principiante podria hacer esto
o el trabajo de Cy Twombly, toma mucho trabajo
para hacerlo ver como un monton de garabatos de niños.
Pero toma una mirada mas cercana
El caracter y la calidad de su linea es asombrosa
el uso moderado del color es esquisito
No es Crayola crayones en papel craft
este es mucha destreza en manejar la pintura y el lapiz
y el crayon
pueden ser garabatos
pero son  realmente asombrosos garabatos
y si aun piensas que podrias hacerlo, yo diría, haz la prueba
Podria ser un ejercicio realmente productivo
ver como algo es hecho
y te podria ayudar a aprender una habilidad nueva
o tomar tu trabajo o vida en una nueva direccion
Pero movámonos hacia lo que sucede cuando realmente
podrias haber hecho el trabajo en cuestión
Si piensas en Feliz Gonzalez-Torres,
el ejemplo que Trey nos dio, podemos
mirar al trabajo "Sin titulo" (Amantes perfectos)
desde 1991, que empareja  dos, comercialmente disponibles, relojes
y los sincroniza en tiempo.
y si, podrias ir a una tienda, comprar dos relojes,
y colgarlos en la pared, justo como estos.
Y, tu sabes, podría ser un buen experimento
para ver por cuanto tiempo se quedan sincronizados
y cual se queda sin pilas primero
Pero podrias estas perdiendo algo clave aqui,

Spanish: 
El titulo claramente de pregunta a considerar
estos relojes a ser una metáfora de amantes
y como dos individuos con corazones latiendo
como el tictac de los relojes, pueden estar en perfecta sincronía
y luego inevitablemente caer fuera de sincronía.
El titulo tambien sugiere que los amantes se mantiénen perfectos
incluso despues de que han quedado fuera de sincronía
Pero aún hay mas
Porque este trabajo no fue hecho por cualquier persona en cualquier tiempo
Fue hecho por Felix Gonzáles-Torres
quien fue abiertamente gay y quien hizo el trabajo despues de que su pareja
Ross fuera diagnosticada con SIDA
El trabajo de Gonzalez-Torres fue abiertamente y estratégicamente
politico
y esta pieza de arte simpatica y rompedora de corazones
se hace in cuestionablemente mas resonante
cuando sabes que su pareja murio en 1991
y el murio en 1996
La batería duro solo un poquito mas
y si crees que una pieza de arte deberia decirte
todo lo que necesitas sin la ayuda de etiquetas de un muro o explicaciones,
entonces probablemente yo no
voy a poder convencerte de otra cosa
Pero para mi ya sea que la "Mona Lisa" es una pintura de paisaje
en una tienda de segunda mano, o un iPhone
cada objeto es creado en medio de circunstancias
que son importantes e influyen en el sentido
que suman a su significado
Pero de vuelta a Gonzalez-Torres, porque
todavia no hemos terminado con el

English: 
The title clearly
asks you to consider
these clocks to be a
metaphor for lovers
and how two individuals
with hearts beating,
like the ticking of clocks,
can be in perfect sync
and then inevitably
fall out of sync.
The title further suggests
that the lovers remain perfect,
even after they've
fallen out of sync.
But there's even more.
Because this work wasn't just
made by any person at any time.
It was made by Felix
Gonzalez-Torres,
who was openly gay and who
made the work after his partner
Ross was diagnosed with AIDS.
Gonzalez-Torres's work was
overtly and strategically
political.
And this lovely and
heartbreaking work
is unquestionably
made more resonant
when you know that his
partner died in 1991
and he died in 1996.
His battery lasted just
a little bit longer.
And if you think a work
of art should tell you
everything you need to know
without the help of wall
labels or the like, then
I'm probably not going
to convince you otherwise.
But for me, whether it's
the "Mona Lisa," a landscape
painting in a thrift
shop, or an iPhone,
every object is created
within circumstances
that are important and
is distributed in ways
that add to its meaning.
But back to Gonzalez-Torres
because we're
not quite done with him yet.

French: 
Le titre vous invite très clairement à considérer
ces horloges comme une métaphore de deux amants
et comment deux personnes dont le cœur bat,
comme le tic-tac de l'horloge, en parfaite synchronisation,
pour inexorablement finir par se désynchroniser.
De plus, le titre suggère que les amants demeurent parfaits,
même après s'être désynchronisés.
Mais il y a plus.
Parce que l'œuvre n'a pas été faite par n'importe qui à n'importe quel moment.
Elle a été réalisée par Fèlix Gonzàles-Torres,
qui était ouvertement homosexuel, à une époque où son partenaire
Ross a été diagnostiqué séropositif.
L'œuvre de Gonzàles-Torres était ouvertement et
stratégiquement politique.
Cette œuvre adorable et déchirante
parait sans doute plus pertinente
lorsqu'on sait que son partenaire est mort en 1991
et lui-même en 1996.
Son horloge s'est simplement arrêtée un peu plus tard.
Et si vous pensez qu'une œuvre d'art doit tout vous
dire sans avoir besoin de lire les
étiquettes sur le mur, alors je ne vais probablement pas
vous convaincre du contraire.
Mais pour moi, que ça soit la "Mona Lisa", une toile de
paysage dans un dépôt-vente, ou un iPhone,
tous les objets sont créés dans un certain contexte
qui a son importance et qui est communiqué d'une façon
qui lui donne du sens.
Pour en revenir à Gonzàles-Torres, parce que nous
n'en avons pas totalement fini avec lui.

French: 
Beaucoup de ses œuvres se basent sur la reproductibilité technique
telles que des empilements de feuilles de papier ou un tas de bonbon à destination du visiteur.
Il voulait que ses œuvres se multiplient et se retrouvent dans plusieurs endroits
en même temps et voulait que le visiteur participe à
l'œuvre, vous, le spectateur.
Avec ces œuvres, ce n'est pas que vous pouvez le faire,
c'est qu'il veut que vous le fassiez.
Vous y êtes invité.
Et ça fait parti de l'œuvre.
Cela veut aussi dire que son travail peut persister dans le temps
au delà des limites de sa propre vie.
Vous pouvez toujours en faire l'expérience aujourd'hui,
et peut-être en ramener chez vous.
Quand vous dites que vous pouvez le faire, ce que vous dites réellement,
et que je vous encourage à dire la prochaine fois,
c'est que l'œuvre n'exhibe pas d'étonnantes
compétences techniques.
Et c'est exactement ça que je cherche dans l'art.
Je pense que c'est très bien de préférer un type d'art qui
montre des talents inaccessible à la plupart d'entre nous.
Mais il y a une histoire des artistes,
qui commence au début du XXe siècle,
qui pose un nouveau regard artistique, évitant
sciemment d'exhiber des compétences techniques et pour plein de bonnes raisons :
pour s'opposer aux courants dominants de l'époque,
questionner la valeur d'un objet unique,
pour discréditer le système commercial de l'art
en créant des œuvres difficiles à exposer

English: 
Many of his works depend
on reproducibility-- stacks
of paper or piles of candy
viewers are invited to take.
He wanted his work to spread
and to be in multiple places
at the same time and to be
created in participation
with you, the viewer.
With this work, it's
not that you could do.
It's that he wants you to.
You're invited to.
And that's part of the work.
It also means his art
can exist in perpetuity,
beyond the confines
of his own life.
And you can still experience
it today, and maybe
take it home with you too.
When you say I could do that,
what you're really saying,
and what I would encourage
you to say next time is,
this doesn't display
a remarkable amount
of technical skill.
And that's what I
really look for in art.
I think it's perfectly fine to
have a preference for art that
displays manual talents
unavailable to most.
But there's a
history of artists,
beginning in the early
20th century, who
took on new approaches to
material, purposefully avoiding
showing off technical skill,
and for lots of good reasons--
to upset the dominant
art trends at the time,
to question the value
of unique objects,
to undermine the
commercial system of art
by creating work that is
unlikely to be trophies

Spanish: 
Muchos de sus trabajos dependen de la reproductibilidad-- pilas de papel
p pilas de dulces que el publico esta invitado a tomar
el queria que su trabajo se difunda y este en multiples lugares
al mismo tiempo y ser creados en participacion
contigo, el espectador.
Con este trabajo, no es que tu tambien lo podrías hacer
es que el quiere que tu lo hagas
estas invitado a hacerlo
y esto es parte de la obra.
tambien significa que su arte puede existir en perpetuidad
mas alla de los confines de su propia vida
y puedes todavia experimentarlo hoy, y tal vez
llevartelo a casa.
Cuando dices "yo podría hacerlo" lo que realmente estas diciendo
y lo que te animaria a decir la proxima vez es que
"esto no requiere una gran cantidad
de habilidad técnica"
y esto es lo que estoy buscando en el arte
pienso que esta perfectamente bien tener una preferencia por arte que
despliega talentos manuales inaccesibles para la mayoría
Pero hay una historia de artistas
comenzando a inicios del siglo 20, quienes
tomaron nuevas aproximaciones al material, intencionalmente evitando
mostrar habilidad técnica, y por muchas buenas razones
para decepcionar las tendencias del arte dominante de la época,
para cuestionar el valor de los objetos únicos,
para socavar el sistema comercial del arte
al crear obras de arte que no parece trofeos

English: 
for the rich, or to reconsider
the separation of art and life.
There's been some theorization
about the so-called de-skilling
of art in the 20th
century, a word
first used to describe the
replacement of skilled laborers
by technologies and less skilled
workers who operate them.
Industrialization also had
a profound effect on art,
introducing new methods
of reproduction.
And we can't forget about
the dawn of photography
that certainly called into
question the relevance
of spending loads of time
learning how to paint something
realistically.
Rather than devote
their lives to mastering
a particular
medium, some artists
began to push the
boundaries of those mediums
and even forgoe
them all together.
There's sculpture that is
purposely unmonumental,
paintings purposefully
non-virtuosic,
drawings purposefully simple.
It's not that these
things don't take skill.
They just take different kinds
of skill-- research, deduction,
collaboration, exploration of
new materials, radical thought.
Just as we value professions
other than skilled labor,
we should also value
work by artists focus
not just on craftsmanship but
on the effective execution
of good ideas.
It's the thought they
bring to the form,

Spanish: 
para los ricos, o para reconsiderar la separación entre ARTE y VIDA
Ha habido alguna teorización acerca de la llamada des-habilidosidad (desespecializacion)
del arte del siglo 20, una palabra que
fue inicialmente usada para describir el reemplazo de trabajos de mucha habilidad
por tecnologias y trabajadores menos especializados que las operaban (a las maquinas)
La industrializacion también tuvo un profundo efecto en el arte
introduciendo nuevos métodos de reproduccion
y no podemos olvidar acerca del amanecer de la fotografía
que ciertamente puso en consideracion la relevancia
de pasar horas de tiempo aprendiendo a pintar algo
realistamente.
Mejor que dedicar sus vidas a desarrollar maestria
en un medio particular, algunos artistas
empezaron a empujar el límite de estos medios
incluso fusionarlos todos juntos
hay escultura que es intencionadamente no monumental
pintura que es intencionadamente no virtuosa
dibujos que son intencionadamente simples
No es que estas cosas no tomen habilidad
solo toman diferentes tipos de investigacion-habil, deducción,
colaboracion, exploracion de nuevos materiales, pensamiento radical.
Asi como damos valor a los profesionales mas que a las labores que requieren habilidad
deberiamos tambien valorar el trabajo de artistas que
se enfocan no solo en el trabajo de artesania manual, sino en la ejecucion efectiva
de buenas ideas
es el pensamiento que llevan a la forma

French: 
pour les riches, ou en reconsidérant la séparation art/vie.
Il y a eu quelques théorisations de la soit-disant déqualification
de l'art du XXe siècle, un mot
utilisé initialement pour décrire le remplacement d'ouvriers qualifiés
par des nouvelles technologies et des ouvriers moins qualifiés pour les contrôler.
L'industrialisation a aussi eu beaucoup d'effet sur l'art,
offrant de nouvelles méthodes de reproduction.
Et nous ne pouvons pas ne pas mentionner l'aube de la photographie
qui a très certainement posé la question de la pertinence
de passer des heures à apprendre à peindre de manière
réalistique.
Plutôt que de passer leur vie à tenter de maîtriser
un medium donné, certains artistes
ont commencé à repousser les limites de ces médiums
voire à les supprimer complètement.
Il existe des sculptures volontairement insignifiantes,
des peintures volontairement bâclées,
et des dessins volontairement simples.
Ce n'est pas que ces œuvres ne requiert pas de compétences.
Elles demandent un autre type de compétence : recherche, déduction,
collaboration, exploration de nouveaux matériaux, pensées radicales...
De la même façons que nous donnons de la valeur à des professions non-techniques,
nous devrions aussi reconnaître à leur juste valeur les œuvres d'artistes
se focalisant non pas seulement sur le travail technique, mais sur l'excellente
réalisation de bonnes idées.
C'est la pensée que les artistes mettent en forme,

French: 
où que d'autres mettent en forme pour eux, et non pas
simplement la forme elle-même.
La prochaine fois que vous aurez envie de vous dire que
vous auriez pu le faire vous-mêmes, arrêtez vous et demandez-vous
pourquoi ils ont fait ça comme ça ?
Quelles circonstances ne m'ont pas amené
à le faire moi-même, et eux à être
suffisamment motivé pour, non pas seulement penser
l'idée, mais aussi la réaliser
et trouver des gens pour aimer ?
Quelles sont les circonstances politiques, sociales et économiques
les entraînants à faire ce qu'ils ont fait ?
Vous pouvez toujours admirer des prouesses techniques,
mais vous pouvez aussi vous ouvrir pour apprécier
un monde artistique beaucoup plus vaste.

Spanish: 
o hacen que otros le den forma, y no
solo la forma en si misma.
La proxima vez que estas tentado a decir
yo podria hacer eso, pienso que deberias pararte un momento y preguntar
porque ellos hacen arte?
cuales son las circunstancias que me llevaron
a no hacer "eso" y luego estar tan
motivado a realizarlo que ellos no solo pensaron
la idea pero tambien la completaron
y encontraron una audiencia para ellos?
Cuales son las circunstancias sociales, políticas y económicas
alrededor de su accionar de esta manera?
aun puedes admirar la habilidad técnica impresionante
pero tambien puedes abrirte a apreciar
una mirada mas amplia del arte.
 

English: 
or have others bring
to the form, and not
just the form itself.
Next time you're
compelled to say
I could do that I think you
should stop yourself and ask
why did they do that?
What are the
circumstances that led
me to not doing that
and them being so
driven to make the thing
that they not only thought
of the idea but
then completed it
and found an audience for it?
What are the social, political,
and economic circumstances
surrounding their
doing this thing?
You can still admire
impressive technical skill.
But you can also open
yourself up to appreciating
a much wider world of art.
