
Spanish: 
[REPRODUCIENDO MÚSICA]
 
NARRADOR: Se ve una
pintura de un rectángulo nebuloso
de un color encima
de otro rectángulo nebuloso
de color.
Y uno piensa,
Ah, claro, un Rothko.
Yo conozco a ese tipo.
Pero ¿conoces a ese tipo?
¿Por qué esos rectángulos borrosos?
Y ¿por qué debo prestarles atención?
Este es el caso
Mark Rothko.
 
Marcus Rothkowitz nació
en 1903 en una familia judía
en Daugavplis, Rusia.
Emigraron a
Portland, Oregon en 1913,
pero su padre murió
pocos meses después.
Marcus era un buen estudiante
y ganó una beca
a Yale, donde fue un buen alumno y descubrió
sus inclinaciones políticas de izquierda.
Pero abandonó en su segundo
año para trasladarse a Nueva York.
Fue allí donde decidió convertirse en un artista
y estudiar con Max Weber en la Art
Students League.
Aprendió entonces acerca
del Cubismo y de Matisse,
y de los expresionistas alemanes.
En la década de 1930, realizó
pinturas influido
por Milton Avery y Matisse.
Cambió su nombre a Rothko
en 1940, y a mediados de esa década
realizó algunas incursiones en el surrealismo
con obras como
esta y esta que
emplean métodos clásicos,
asociadas con símbolos
para hablar de la tragedia humana.
También se inspira en Joan Miro
al hacer piezas como esta,

English: 
[MUSIC PLAYING]
NARRATOR: You see a
painting of a hazy rectangle
of color stacked on top
of another hazy rectangle
of color.
And you think to yourself,
oh right, a Rothko.
I know that guy.
But do you know that guy?
Why those hazy rectangles?
And why should I care?
This is the case
for Mark Rothko.
Marcus Rothkowitz was born
in 1903 to a Jewish family
into Dvinsk, Russia.
They immigrated to
Portland, Oregon in 1913,
but his father died
just months after.
Marcus was a good student
and won a scholarship
to Yale, where he did
well and discovered
his leftist political leanings.
But he dropped out in his second
year and moved to New York.
It was there he set his
mind to becoming an artist
and studied at the Art
Students League under Max Weber
and learned about
Cubism and Matisse
and the German expressionists.
In the 1930s, he made
paintings influenced
by Milton Avery and Matisse.
He changed his name to Rothko
in 1940, and by the mid '40s,
was trying out a
little surrealism
with works like
this and this that
drew from classical methods,
tapping them as symbols
to discuss human tragedy.
He also copied Joan Miro a bit
by making pieces like this,

Portuguese: 
 
 
Você vê uma pintura de um retângulo
de cor nebulosa empilhado em cima de outro retângulo
de cor debulosa
E você pensa consigo mesmo, certo, um Rothko.
Eu conheço esse cara
Mas você conhece esse cara?
Por que esses retângulos nebulosos?
E por que eu deveria me importar?
Este é o caso de Mark Rothko
 
Marcus Rothkowitz nasceu em 1903 em uma família judia
em Dvinsk, Russia.
Eles imigraram para Portland, Oregon em 1913
mas seu pai morreu  alguns meses depois.
Marcus foi um bom estudante e ganhou uma bolsa de estudos
para Yale, onde ele foi bem e descobriu
suas inclinações políticas esquerdistas
Mas ele abandonou no seu segundo ano e se mudou para Nova Iorque
Foi lá que ele decidiu se tornar um artista
e estudou no Art Students League sob Max Weber
e aprendeu sobre Cubismo e Matisse
e expressionismo alemão.
Nos anos de 1930, ele fez pinturas influenciado
por Milton Avery and Matisse.
Ele mudou seu nome para Rothko em 1940, e no meio dos anos 40
ele tentou um pouco de surrealismo
com trabalho como este e este
desenhou de métodos clássico, tocando-os como símbolos
para discutir a tragédia humana.
Ele também copiou um pouco Joan Miro fazendo peças como esta,

English: 
and Max Ernst a bit
with pieces like this.
He and his buddy
Adolph Gottlieb were
reading a bunch of Nietzsche
and Jung at the time
and thinking about
the unconscious.
With Fascism rampant in
Europe and World War II
underway, Rothko and
other artists at the time
thought that following
artistic traditions was not
only irrelevant,
but irresponsible.
He and Gottlieb write a
letter to "The New York Times"
in June of 1943 saying,
"There is no such thing
as good painting about nothing.
We favor the simple expression
of complex thought."
Rothko wanted to answer
the big questions,
and he was trying to find
his own way to do that.
Large, flat, misty
areas of color
started appearing
in his paintings.
The works became
more and more reduced
and simplified and
geometric until he went
completely abstract in 1947.
By 1950, he had found
his jam, and then
he just kept on doing it.
At the time, Rothko's
paintings were utterly new.
Before then, color was usually
tied to narrative content.
But Rothko was asking color
alone to draw out emotion.
Yes, he did basically the same
thing again and again from 1949
until his death in 1970.
But for him, it was an
extremely useful and seemingly

Portuguese: 
e um pouco de Max Ernst com peças como esta.
Ele e seu parceiro Adolph Gottlieb foram
lendo um monte de Nietzsche e Jung na época
e pensando sobre o inconsciente
Com o Facismo desenfreado na Europa e a Segunda Guerra Mundial
em andamento, Rothko e outros artistas da época
pensaram que seguir as tradições artísticas não era
apenas irrelevante, mas irresponsável.
Ele e Gottlieb escreveram uma carta ao New York Times
em junho de 1943 dizendo: "Não existe nada
como uma boa pintura sobre nada.
Somos favoráveis ​​à simples expressão do pensamento complexo
Rothko queria responder a grande questão
e ele estava tentando encontrar seu próprio caminho para isso.
Grandes, planas, áreas enevoadas de cor
começaram a aparecer em suas pinturas.
O trabalho se tornou mais e mais reduzido
e simplificado e geométrico até que ele foi
completamente abstrato em 1947.
Por 1950, ele encontrou seu ponto, e então
ele apenas continuou fazendo isso.
Na época, as pinturas de Rothko eram completamente novas.
Antes disso, a cor era geralmente ligada ao conteúdo narrativo.
Mas Rothko estava deixando a cor sozinha para tirar emoção.
Sim, ele fez basicamente a mesma coisa repetidamente de 1949
até sua morte em 1970.
Mas para ele, era uma estrutura extremamente útil e aparentemente

Spanish: 
y en Max Ernst
con piezas como esta.
Él y su amigo
Adolph Gottlieb
leen entonces a Nietzsche
y Jung
y reflexionan sobre
el inconsciente.
Con el fascismo desatado en
Europa y la Segunda Guerra Mundial
Rothko y otros artistas de la época
consideraron que seguir 
las tradiciones artísticas no
solo era irrelevante,
sino irresponsable.
Él y Gottlieb escriben
una carta al New York Times
en junio de 1943 diciendo,
"No existe tal cosa
como una buena pintura acerca de nada.
Estamos a favor de la expresión simple del pensamiento complejo ".
Rothko quería responder a
las grandes preguntas,
y quería encontrar
su propia manera de hacerlo.
Grandes areas de color plano y brumoso
empiezan a aparecer
en sus pinturas.
Las obras se fueron reduciendo
y pasaron a ser simplificadas y
geométricas hasta hacerse
completamente abstractas en 1947.
En 1950, había encontrado
su formula que luego
continuaría desarrollando.
En ese momento, las pinturas de Rothko eran completamente novedosas.
Anteriormente, el color solía ser asociado a un contenido narrativo.
Pero en el caso de Rothko apelaba solo al color para despertar una emoción.
Sí, eso fue lo que hizo una y otra vez a partir de 1949
hasta su muerte en 1970.
No obstante, para él era una estructura
extremadamente útil

Spanish: 
e inagotable a través de la cual
podía, según sus palabras, enfrentar
"la emoción humana;
el drama humano, tanto como
me fuera posible experimentar."
Este estilo le ofrecía lo que llamó
"la eliminación
de todos los obstáculos entre
el pintor y la idea,
y entre la idea
y el observador ".
Al deshacerse de todo lo que hace referencia a la historia, a la memoria
a la narrativa o
incluso a la geometría,
Rothko intentaba crear una
experiencia sensorial sobrecogedora
para el espectador a través de la
monumentalidad, la sencillez,
y la quietud.
Muchos han descrito estar ante un Rothko
como si fuera una experiencia religiosa.
Él distribuye capas de esmaltes
de color para construir
tonalidades tan profundas y ricas que
que parecen brillar, algo
que los artistas del Renacimiento como Tiziano y Giorgione
también lograron con con gran efecto.
La simetría de la obra de Rothko
lo conecta también
con la pintura religiosa.
La coleccionista Dominique
de Menil decía que
las pinturas de Rothko evocan
"el misterio trágico
de nuestra condición perecedera.
El silencio de Dios.
La insoportable silencio de Dios ".
En 1964, De Menil
y su marido John
encargaron a Rothko que
pintase una serie de murales
para una capilla octogonal
en Houston, Texas, la cual
se puede visitar hoy en día.
Los murales son sombríos, con tonos
granate oscuro, rojo púrpura,

Portuguese: 
inesgotável dentro da qual
ele disse que podia lidar "com a emoção humana...
com o drama humano, tanto quanto eu
poderia experimentá-lo."
Ele disse que esse estilo lhe ofereceu "a eliminação
de todos os obstáculos entre o pintor e a ideia,
e entre a ideia e o observador. "
Ao se livrar de qualquer coisa que aciona a história ou a memória
ou a narrativa ou mesmo a geometria, ele
estava tentando criar uma esmagadora experiência sensorial
para o espectador através de monumentalidad e, simplicidade,
e quietude.
Muitos descreveram que estar diante de um Rothko
como uma experiência religiosa.
Ele colocaria esmaltes de cor para construir
tons tão profundos e ricos que pareciam brilhar
Alguns artistas da Renascença como Titian e Giorgione
também fizeram com grande efeito.
A simetria do trabalho de Rothko também a conecta
à pintura religiosa.
A colecionadora Dominique de Menil disse que
as pinturas de Rothko evocam "o mistério trágico
da nossa condição perecível.
O silêncio de Deus.
O insuportável silêncio de Deus."
Em 1965, de Minil e seu marido John
encomendaram a Rothko a pintura de um conjunto de murais
Para uma capela octogonal em Houston, Texas
que você pode visitar hoje.
Os murais são sombrios, usando marrom escuro, vermelho arroxeado,

English: 
inexhaustible
structure within which
he said he could deal
"with human emotion;
with the human
drama, as much as I
could possibly experience it."
He said this style offered
him "the elimination
of all obstacles between
the painter and the idea,
and between the idea
and the observer."
By getting rid of anything that
triggered history or memory
or narrative or
even geometry, he
was trying to create an
overwhelming sensory experience
for the viewer through
monumentality, simplicity,
and stillness.
Many have described
standing before a Rothko
as a religious experience.
He would layer glazes
of color to build
hues so deep and rich that
they seemed to glow, something
Renaissance artists like
Titian and Giorgione also
did to great effect.
The symmetry of Rothko's
work also connects it
to religious painting.
Collector Dominique
de Menil said
Rothko's paintings evoke
"the tragic mystery
of our perishable condition.
The silence of God.
The unbearable silence of God."
In 1964, de Menil
and her husband John
commissioned Rothko to
paint a set of murals
for an octagonal chapel
in Houston, Texas, which
you can visit today.
The murals are somber, using
dark maroon, purplish red,

Spanish: 
y negro.
Con éstos que quería
crear una sensación de reclusión;
un espacio para la meditación.
Rothko fue un hombre profundamente
 atormentado y depresivo.
Se tomaba su obra 
muy en serio
y empleaba mucho tiempo, concentración y angustia
en la creación de cada pintura.
En 1958 le encargan la creación de
un conjunto de murales
para el restaurante Four Seasons en el nuevo edificio Seagram en Nueva York.
Lo calificó como "Un lugar donde los cabrones más ricos de Nueva York
vendrán a alimentarse y a pavonearse".
Sirviéndose de una paleta oscura y planeó que las enormes pinturas
colgaran opresivas sobre los comensales, para que
para que se sientesen atrapados en un salón en el que
todas las puertas y ventanas
quedaban tapiadas de tal modo que todos
estaban obligados a enfrentarse de
cabeza contra la pared.
Pero finalmente decidió
quedarse con las pinturas
y en su lugar les dio
a la Tate en 1969,
donde todavía cuelgan hoy.
Rothko controlaba estrictamente
el ambiente de sus pinturas
y exigía que fuesen exhibidas con luz baja,
en grupos, en recintos cerrados
y nunca mezcladas con
obras de otros artistas.
Esto no lo hacía por ser alguien difícil,
sino porque se preocupaba profundamente
de crear una experiencia 
envolvente y trascendente.
No quería que mirásemos las pinturas.
Quería que estuviésemos con ellas,
dentro de ellas.

English: 
and black.
With these he wanted to
create a sense of enclosure
and a space for meditation.
Rothko was a deeply
troubled and depressive man.
He took his work very
seriously and spent
a great deal of time
and focus and angst
in creating each of them.
In 1958 he was asked to create
a set of murals for the Four
Seasons restaurant in the new
Seagram Building in New York.
Calling it "A place where the
richest bastards in New York
will come to feed and show
off," he set to his task
using a dark palette and planned
for the enormous paintings
to hang oppressively
overhead, wanting
to make the viewers feel they
are trapped in a room where
all the doors and windows
are bricked up so that all
they can do is butt their
heads forever against the wall.
But he eventually decided
to hold back the paintings
and instead gave them
to the Tate in 1969,
where they still hang today.
Rothko strictly controlled the
environment of his paintings,
demanding they be
shown in low light,
in groups, encountered
at close quarters,
and never mixed with
work by other artists.
He did this not to be difficult,
but because he cared deeply
that you have an immersive,
transcendent experience.
You're not looking
at the paintings.
You're with them
and within them.

Portuguese: 
e preto.
Com eles, ele queria criar uma sensação de enclausuramento
e um espaço para meditação
Rothko era um homem profundamente perturbado e depressivo.
Ele levou seu trabalho muito a sério e gastou
muito tempo, foco e angústia
na criação de cada um deles.
Em 1958, ele foi convidado a criar um conjunto de murais para o
restaurante Four Seasons no novo Edifício Seagram em Nova York.
Chamando-o "Um lugar onde os bastardos mais ricos em Nova York
irão para comer e aparecer"
Ele definiu em seu trabalho
usando uma paleta escura e planejada para as pinturas enormes
para pendurar opressivamente acima da cabeça, querendo
fazer com que os espectadores sintam que estão presos numa sala onde
todas as portas e janelas estão fechadas para que tudo
que eles pudessem fazer é bater suas cabeças para sempre contra a parede.
Mas ele finalmente decidiu segurar as pinturas
e em vez disso as deu ao Tate em 1969
Onde eles ainda expõem hoje.
Rothko controlava estritamente o ambiente de suas pinturas,
exigindo que eles sejam mostrados em pouca luz,
em grupos, em quartos pequenos
e  nunca misturado com o trabalho de outros artistas
Ele não fez isso para dificultar, mas porque ele se importava profundamente
que você tivesse uma experiência emersiva, transcendente.
Você não está olhando para as pinturas.
Você está com elas e dentro delas.

English: 
More than anything,
Rothko wanted
to make you feel something,
to encounter the undefinable,
to stare into the
void, to confront
universal human tragedy.
This isn't painting
about nothing.
It's painting about everything.
[MUSIC PLAYING]

Spanish: 
Más que nada,
Rothko quería
hacernos sentir algo, dar con algo indefinible,
mirar hacia el
vacío, para enfrentar
la tragedia humana universal.
No se trata de pintar sin relación con nada.
Se trata de pintar en relación con todo.
[REPRODUCIENDO MÚSICA]
 

Portuguese: 
Mais que tudo, Rothko queria
fazer você sentir algo, encontrar o indefinível,
Olhar para o vazio, confrontar
a tragédia humana universal.
Isto não é pintura sobre nada.
É uma pintura sobre tudo.
 
 
